En la era de la búsqueda incansable del equilibrio entre el trabajo y la vida personal, la serie Severance (Apple TV) emerge como un fascinante estudio de caso en la narrativa televisiva. Esta producción de nueve episodios, protagonizada por Adam Scott en el papel de Mark Scout, nos sumerge en un mundo donde Lumon Industries ha llevado el concepto de “trabajo” a un nivel nunca antes visto.
La premisa de Severance es en sí misma una revolución: empleados de Lumon Industries, incluido Mark, se someten a un procedimiento quirúrgico que divide sus recuerdos entre el entorno laboral y el hogar. Este audaz experimento en equilibrio laboral lleva a Mark al centro de un enigma que lo desafía a confrontar la esencia de su “trabajo”… y de su identidad.
Uno de los aspectos más destacados de Severance es su construcción original de decorados. Cada espacio de trabajo está meticulosamente diseñado para reflejar la dicotomía inherente al concepto de la serie. Los sets no solo sirven como fondos; son una extensión de la trama, ilustrando visualmente la separación entre el “yo” laboral y personal. Esta atenta atención al detalle enriquece la experiencia del espectador, sumergiéndonos completamente en la peculiar atmósfera de Lumon Industries.
La serie también brilla en su exploración del concepto de tener dos partes del cerebro diferenciadas para el trabajo y el hogar. Severance no solo presenta esta idea como un argumento de ciencia ficción, sino que profundiza en las implicaciones éticas y emocionales de tal división. ¿Hasta qué punto el trabajo puede definirnos? ¿Es posible, o incluso deseable, separar completamente nuestras vidas laborales de nuestras vidas personales? Estas preguntas resuenan a lo largo de la serie, ofreciendo un espejo en el que el público puede ver reflejadas sus propias luchas por el equilibrio entre el trabajo y la vida personal.
Finalmente, Severance plantea una inquietante pregunta: ¿puede una empresa llegar a ser dueña de sus trabajadores? A través de la lente de Lumon Industries, la serie desentraña las complejas dinámicas de poder en el lugar de trabajo y cómo pueden influir en nuestra autonomía personal. Este tema resonante nos obliga a reflexionar sobre la naturaleza del trabajo en la sociedad moderna y nuestro papel dentro de ella.
En resumen, Severance es una serie imprescindible para cualquier aficionado a las historias que desafían el statu quo y nos hacen reflexionar sobre el mundo que nos rodea. Con su enfoque innovador en la construcción de decorados, la exploración profunda de la dicotomía trabajo-vida y su inquietante mirada a la autonomía personal en el ámbito laboral, esta serie redefine lo que significa el “trabajo” en la era contemporánea.
Muchísimos españoles seguimos hoy conmocionados por la muerte de Antonio Gasset, un auténtico genio, de profesión crítico de cine, que durante muchos años nos alegró las noches con sus ironías a cargo del programa Días de Cine en La2 de TVE.
Su agudeza y su honestidad nos demostraron que ningún gran director, guionista o actor podía estar exento de crítica si su trabajo no había sido excelente, algo que no sucede ya en estos días en los que los contenidos patrocinados mandan.
Antonio Gasset era la honestidad, el bofetón de realidad que toda persona necesita para replantearse las cosas que está haciendo mal y lo que debe cambiar. Sus “llegó la pausa” eran píldoras de existencialismo, el combustible que muchos esperábamos durante toda la semana para animal al día siguiente las conversaciones en la facultad o en el trabajo.
Con Antonio Gasset hemos crecido viendo cómo titanes del cine podían ser demolidos con frases educadas a la par que mordaces: “Se estrena estos días la película El último samurai, protagonizada por el ex-marido de Nicole Kidman, único dato destacable de este actor llamado Tom Cruise”; “Ben Affleck es a la buena interpretación lo que un pepinillo cocido a la alta cocina”.
El director y presentador, fallecido a unos muy tempranos 75 años, era un clásico de las “catacumbas de la noche”, forma en la que irónicamente protestaba contra los horarios intempestivos a los que TVE relegaba su programa, que incluso modificaban a su antojo: “Hasta el próximo programa. No sabemos ni qué día ni a qué hora nos pondrán, de modo que estén atentos.”
El sobrino segundo del filósofo José Ortega y Gasset ha sido todo un referente para varias generaciones, especialmente para las que tuvimos el placer de conocer programas como el suyo, ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci, o La Clave, donde el debate sereno y argumentado sobre temas políticos y económicos elevaba el nivel cultural de los espectadores, al contrario de los formatos que se han terminado imponiendo en los últimos tiempos.
Con Antonio Gasset muere una forma de hacer televisión en la que se buscaba estimular el intelecto del público y apelar a su pensamiento crítico para no dejarse deslumbrar por las luces fluorescentes de la industria.
No puedo evitar cerrar este pequeño y humilde homenaje a este genio con una de sus mejores frases: “Nos vamos con la esperanza de que ninguno se deje llevar por los fanatismos religiosos, políticos o sexuales: los primeros por no llevar a nada, los segundos porque el objeto de deseo suele ser un idiota de renombre y los últimos por las continuas frustraciones”.
Cuando algunos seguidores empezábamos a sospechar que This is us (NBC) iba a tener un finalestafa esta temporada, nos han dejado con la boca abierta debido a cambios sorprendentes que no esperábamos y que, sin duda, abren un abanico de posibilidades para la siguiente y (ya sí) última.
Si no la has visto y no quieres que te la destripe, no sigas, porque no voy a dejar títere con cabeza.
Los cambios sorprendentes
Desde que Toby entró en la vida de Kate, su relación ha tenido altibajos, algunos de ellos parecían insalvables, pero siempre se mantenían a flote. En esta última hemos visto cómo, poco a poco, se iban distanciando, ocultándose cosas por no herir al otro.
Ella, que estaba feliz en su nuevo trabajo, enseñando canto (su pasión) a niños invidentes como el suyo junto a un profesional al que admira. Él, que odiaba quedarse cuidando a los niños (algo que había hecho Kate hasta ahora) y necesitaba volver a trabajar para sentirse realizado.
El punto álgido de las desavenencias se produce momentos antes de la boda de Kevin y Madison cuando él arroja un “quiero mucho a los niños, PERO” mientras le explica que ha aceptado un nuevo trabajo por el que se tendrá que ir tres días a la semana a San Francisco.
El punto de inflexión de la relación.
La reacción de Kate es bastante buena, teniendo en cuenta el jarro de agua que le acaba de echar.
Como todas las afirmaciones que llevan después el adversativo por antonomasia, y más en el caso de tratarse de los propios hijos, la frase levanta un tsunami de desconfianza entre ambos y, aunque parece que podrían superarlo (o así se lo proponen en el presente), los dos minutos finales del episodio nos revelan que no solo no se ha salvado el matrimonio, sino que cinco años después (con 45), Kate está celebrando su boda con Phillip, su jefe, el profesor de música que había rechazado su dimisión el mismo día de la boda de Kevin.
No, Toby, ya no puedes hacer nada por que funcione. La has liado, se acabó, estás caput.
La ‘no boda’
Otro de los cambios sorprendentes, aunque no tanto, viendo la deriva que llevaba Kevin en esta temporada, ha sido la suspensión en el último minuto de su boda con Madison y la reentrada de Sophie, la exmujer de Kevin que siempre ha sido su gran amor.
Y es que los Pearson nunca darían un paso en falso a la hora de comprometerse de por vida con alguien, son demasiado sinceros, y demasiado intensos.
En la escena final de la boda de Kate aparece Madison, que además es la madre de los mellizos de Kevin, por lo que queda en el aire la pregunta sobre qué sucede con su relación con Kevin.
Los secretos de Rebecca
Aunque los Pearson, pese a ser la envidia de toda familia en la que haya problemas de comunicación y a la hora de expresar los sentimientos, también tienen sus secretos y rencores. Es el caso de la tensión que había entre Rebecca y Randall desde que este se enteró de que ella había conocido a su padre cuando él era pequeño y que lo alejó definitivamente de él.
Mandy Moore tiene todo un reto por delante con la interpretación de una Rebecca Pearson que irá envejeciendo y perdiendo facultades debido al Alzheimer.
Randall, que en esta temporada ha experimentado una bofetada de racismo y realidad social al saber también que su madre no falleció de sobredosis, sino que estuvo encarcelada durante años y luego nunca pudo encontrarlo, finalmente ha conseguido sentarse con Rebecca y contarle sobre su vida.
Por otra parte, su talentosa, comprensiva y siempre genial esposa Beth (me gusta mucho su personaje, ¿se nota?), que está atravesando un momento profesional delicado por el cierre de su escuela de baile debido a la pandemia, recurre a Rebecca a pedirle consejo y esta, como si de una auténtica madre se tratase, le recuerda lo admirable y capaz que es de lograr lo que quiera.
Beth cuenta con desafíos profesionales y familiares, como se ha visto en esta temporada en la que ha aceptado la homosexualidad de su hija, enfrentándose a inseguridades que ella misma desconocía que tenía.
Porque en This is us no hay suegras meticonas ni problemas familiares como los que tienen tus amigos o tus vecinos. This is us es la familia ideal, como nos recuerda el repetitivo y meloso acorde de guitarra que, aunque te canse, te mantiene en vilo temporada tras temporada.
Los fanáticos de las series nos encontramos con que en ocasiones hay buenas producciones que se terminan repentinamente porque las veíamos cuatro frikis (Deadwood, Lodge 49, etc.) y otras que se convierten en series chicle, estiradas por encima de sus posibilidades (para alegría del equipo técnico, que de repente se ve con un trabajo estable, un unicornio en la profesión).
Las peores series chicle
Cuando pensamos en series chicle, inevitablemente se vienen a nuestra mente series que duraron temporadas y temporadas, como The Simpson o Anatomía de Grey, pero hay muchas otras que, sin llegar a los récords de estas, deberían haber terminado antes.
La más representativa para mí ha sido Prison Break. Su innovadora premisa quedó obsoleta en cuanto lograron salir de la cárcel, pero eso no impidió a los guionistas continuar una trama cada vez más absurda en la que terminaron confluyendo corrupción, oscuras multinacionales y situaciones inverosímiles que daban mucha vergüenza ajena.
Hay que reconocer que la temporada en la que acaban en una cárcel de Panamá recupera un poco su planteamiento inicial, pero habría que borrar demasiados bochornos de la memoria para alabarla.
¿Cuántos personajes principales quedan ya en The Walking Dead? ¿Por qué se sigue produciendo cuando su audiencia es mínima?
The Walking Dead se llevaría el segundo puesto o la medalla de plata, aunque el hecho de que nadie haya puesto fin todavía a semejante despropósito la hace una buena candidata al podio.
Ocurre, en ocasiones, que algún directivo de la productora o algún familiar de directivo está enganchado a una serie y le sigue inyectando dinero, aunque ya casi sea solo esa persona quien la ve. En el caso de The Expanse ha sido Jeff Brezos quien ha querido seguir con la serie, y en la última temporada se ha notado el descenso de la calidad.
Temiendo un final estafa en The Expanse.
Series chicle han sido también Anatomía de Grey, The Big Bang Theory (a la que el alargamiento le provocó una agudización del humor rancio) y Lost (con uno de los finales estafa más sonados de todas las series). The Office sin Steve Carell entraría dentro de esta categoría.
Mediocridad
Muchas producciones que comenzaron con planteamientos originales terminaron convertidas en una oda a la mediocridad, como The Affair, True Blood, 13 Reasons Why, Homeland o Weeds, de la que mucha gente desconoce, afortunadamente para ellos, toda la etapa en la que Nancy Botwin termina siendo narcotraficante más allá de la frontera, en México.
Si Nancy Botwin ya era un personaje histriónico, a partir de la tercera temporada se hace insufrible.
Dexter, otra innovación con unas primeras temporadas absolutamente deliciosas y que terminó siendo un batiburrillo inverosímil, amenaza ahora con volver a las pantallas, y encima sin ninguno de los actores que interpretaban al resto de los personajes.
Un regreso de vergüenza ajena y con los protagonistas más acartonados que nunca también se está cociendo para Friends, una serie que, si ya resultaba sobrevalorada en su momento, con cada reposición que se ha hecho ha ido envejeciendo y perdiendo cualquier atisbo de dignidad. Que me pongan cien veces Verano Azul antes que ver otra vez Friends.
¿Hay algo que apetezca menos que esto?
A las puertas
Hay alguna serie actual a la que todavía no me atrevo a considerarla chicle porque guardo respeto a las ideas que intentan transmitir y a los actores y creo que están intentando dar lo mejor de sí, pero considero que El cuento de la criada, This is us y The Expanse están a un paso del punto de no retorno y que cuando antes terminen, menos tristeza nos dará a sus admiradores.
Más vale que no nos estafen con el final de This is us, porque Mandy Moore y la cantidad de dulzura y matices que da a su personaje como Rebecca Pearson ya valen unos cuantos Emmy.
Series chicle patrias
Como lo de explotar la gallina de los huevos de oro es algo universal, en España tenemos varios ejemplos de producciones que se alargaron provocando el sonrojo de espectadores y ciudadanía en general en el caso de aquellas producidas con fondos públicos.
Al salir de clase fue un gran trampolín para muchos actores y actrices españoles.
Han sido los casos de Médico de familia, Los Serrano (con su surrealista final), Hospital Central, Compañeros y Al salir de la clase (de la que salieron actores y actrices como Leticia Dolera que han estado en varias de estas series insufribles, y auténticas joyas como Sergio Peris-Mencheta, cuyas dotes de dirección teatral han quedado más que demostradas en “Un trozo invisible de este mundo”, “Lehman Trilogy” y “Una noche sin luna”, que se encuentra de gira en estos momentos por España).
Pero el premio a la más interminable se lo lleva, sin duda, Cuéntame cómo pasó, que a este paso va a terminar siendo una serie de scifi ambientada en la España del año 3000.
La Convocatoria de Producción de la Fundación la Caixa de 2019 ha dado frutos realmente interesantes, como la exposición YWY. Visiones, del artista portugués Pedro Neves Marques, que se expondrá hasta el 26 de septiembre en CaixaForum Barcelona.
Esta muestra es la primera exposición surgida de esta convocatoria de la Caixa y ha sido desarrollada en colaboración con el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de la Comunidad de Madrid, donde podrá verse simultáneamente en una versión casi idéntica.
La exposición YWY. Visiones. Pedro Neves Marques, en colaboración con Zahy Guajajara en CaixaForum Barcelona.
Visiones distópicas
Pedro Neves, nacido en Lisboa en 1984, lanza una propuesta con un imaginario futurista y distópico en el que reflexiona sobre el género, el cambio climático, la tecnología, la ciencia ficción y la población indígena.
En este escenario, el androide YWY, interpretado por la actriz y activista Zahy Guajajara, se mueve por un Brasil no muy lejano, dominado por las industrias extractivas y el ascenso del fascismo, y devastado por una catástrofe ecológica a través de seis obras, cuatro de ellas audiovisuales, una sonora y otra con textos murales.
La exposición permanecerá abierta en CaixaForum Barcelona hasta el 26 de septiembre de 2021.
A partir del personaje YWY, que en lengua tupí-guaraní significa “tierra” o “territorio”, surgen toda una serie de reflexiones sobre cosmologías indígenas, la relación entre lo tecnológico, lo humano y lo natural, la teoría poscolonial, el cambio climático, etc.
Es un imaginario violento y con un estricto control por parte de la economía y la política, protagonizada por la corrupción. En este contexto, YWY pone en cuestión su condición de máquina, sintiéndose identificado con las plantas transgénicas, hablando de la frontera entre lo natural y lo artificial.
Pedro Neves reflexiona sobre la ecología, el género y la relación entre lo humano y lo artificial creando imaginarios futuristas en sus obras audiovisuales.
Producción de la Fundación la Caixa
La Convocatoria de Producción de la Fundación la Caixa tiene carácter bienal y está dirigida a todos los artistas interesados en producir una obra de arte. La ayuda se centra en facilitar los recursos necesarios para que la obra pueda hacerse realidad, con especial atención a los artistas jóvenes, como Pedro Neves, que hizo en 2017 hizo esta creación, aunque todavía no ha podido terminar de desarrollarla debido a la pandemia.
La exposición en el centro cultural de la Caixa en Barcelona comienza con YWY, Visiones – Hekepé, una instalación sonora de 2020 en la que Zahy Guajajara realiza una explicación desde el punto de vista de las personas indígenas.
El centro del proyecto es una trilogía audiovisual en la que el personaje del androide YWY enlaza los distintos capítulos y que comienza en 2017 con el cortometraje Semilla exterminadora, que se inicia con una fuga en una plataforma petrolera que ha contaminado el mar, la tierra y el aire de la costa brasileña.
El segundo capítulo de la trilogía, YWW, la androide (2017) es un retrato íntimo del personaje y aborda los derechos sobre el cuerpo, la infertilidad, el trabajo, los monocultivos, etc.
Compañero de YWY, la androide es el vídeo Aprendiendo a vivir con el enemigo, también de 2017, centrado en el proceso sociopolítico de la historia, un documental sobre el proceso de transformación de la producción de soja en biodiésel. Como epílogo, en 2020, Pedro Neves crea la animación digital YWY, en busca de un personaje entre Oriente y Occidente.
Para quienes hemos leído “País Nómada: Supervivientes del S.XXI”, el libro de la periodista estadounidense Jessica Bruder que inspira a la oscarizada Nomadland (Chloé Zhao), su adaptación al cine ha sido poco menos que una estafa y, sin duda, una romantización de la pobreza que tan crudamente mostraba Bruder.
El libro que la inspira
Y es que País Nómada es la historia de los temporeros que malviven en Estados Unidos en los campos de remolacha de Dakota del Norte, el programa CamperForce de Amazon en Texas o los campamentos de National Forest de California. Una legión de trabajadores sin casa que no han elegido la vida nómada, sino que se ven abocados a estos duros trabajos en condiciones de precariedad extrema.
País Nómada. Supervivientes del Siglo XXI es un libro de lectura obligada, con mayor razón si has visto la película.
Jessica Bruder se pasó tres años con supervivientes viajando por todo Estados Unidos con personas que perdieron sus trabajos y sus casas tras la crisis de 2008 y constituyen una auténtica legión retratando las condiciones extremas y también su capacidad de recuperación, su resiliencia, su dignidad y su sentido del humor.
Romantización en Nomadland
Es cierto que Nomadland sí recoge los retratos generosos y positivos de estas personas, pero se echan de menos, y mucho, los dramas de estos desplazados y explotados que protagonizan el libro y que en el filme quedan en un papel secundario.
La película omite deliberadamente las duras críticas a Amazon, de la que Bruder habla en estos términos “A medida que trabajadores como David [Roderick] me iban contando su caso, empecé a ver progresivamente los campamentos de Amazon como un microcosmos de una catástrofe nacional”, y edulcora (e incluso omite) vergonzosamente pasajes como aquellos en los que se narra cómo los ancianos deben realizar trabajos en los que ponen en riesgo su vida por salarios que son una miseria.
Frances McDormand, como siempre que aparece en una película o serie, lo borda. Es una lástima que no se haya aprovechado todo el material que ofrecía el libro para profundizar más en el contexto.
Sí es cierto que hay personas que eligen vivir en un automóvil en lugar de una casa, pero son una pequeña minoría de las personas sin hogar que hay en Estados Unidos. La película trata de conectar a las personas sin hogar por elección con las que no tienen otro remedio y el resultado ha sido un tanto ofensivo para muchas personas, que la sienten como una estafa.
Hay momentos de la película que capturan pequeños fragmentos de cómo es la vida sin casa, pero parece que el deseo de romantización de ese estilo de vida como algo exclusivamente estadounidense ha hecho que la película pase por alto los peores aspectos.
Porque, como señala WMagazín, la revista literaria fundada y dirigida por el periodista Winston Manrique Sabogal, “Nadie pide herederos de Ken Loach, pero sí no maquillar situaciones delicadas e importantes a las que han sido empujadas millares de personas en todo el mundo”.
Netflix ha vuelto a sacudir nuestras conciencias con un documental sobre Nevenka Fernández, la concejala de Hacienda de Ponferrada que el 26 de marzo de 2001 anunciaba su dimisión y una denuncia por acoso sexual contra el entonces alcalde, Ismael Álvarez, del Partido Popular.
La batalla de Nevenka
Nevenka, economista, profesional, hoy madre de dos niños y residente en Londres, donde ocupa un cargo de responsabilidad en una empresa, se pone delante de las cámaras para narrar el infierno que vivió no solo durante el tiempo en el que Ismael Álvarez la acosó, tal y como certificó el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León, sino también después de hacerlo público.
Ismael Álvarez y Nevenka Fernández.
“Nevenka era un pez de colores caída en un mundo de gente misógina, un mundo de hombres en el peor sentido de la palabra”, afirma Juan José Millas en una de sus intervenciones en el documental. Y así fue, pues no solo se enfrentó al alcalde, que llegó a llamar a sus padres para aconsejarles que la “metieran en un psiquiátrico”, sino que tuvo que ver manifestaciones machistas de apoyo a su acosador y muchas críticas y ataques por parte de muchas personas, en Ponferrada y en el resto de España.
Imputado y condenado, pero triunfador
“Tengo 26 años y tengo dignidad” fue el pistoletazo de salida a la publicación de un caso que lograría la primera condena en España contra un político por acoso sexual. No obstante, Ismael Álvarez, sobre el que también han pesado sospechas de presunta corrupción, fue condenado a indemnizarla con tan solo 12.000 euros, a pagar una multa de 6.000 y, aunque tuvo que retirarse temporalmente de la política, más tarde formaría su propio partido y lograría ser tercera fuerza política en Ponferrada, mientras ella tuvo que emigrar a Inglaterra para poder tener anonimato y trabajo.
El documental narra con todo tipo de detalles el juicio, incluyendo declaraciones del entonces fiscal jefe de Castilla y León, José Luis García Ancos, que tuvo que ser apartado del caso tras decir en plena sala que “que tenía que aguantarse si le tocaban el culo porque era el pan de sus hijos”.
Es un filme duro, pero necesario, como ha dicho Ana Pastor, la periodista propietaria de Newtral, productora del documental. Recrea la relación entre ambos, que empezó como una amistad y siguió con una relación a la que ella quiso poner fin, encontrándose con el acoso del alcalde, y enfrenta al espectador con el lado menos amable de nuestra propia sociedad.
Hoy quiero hablar de una serie con un encanto particular, Lodge 49. Se trata de una comedia dramática que bien podría ser considerada como una de las mejores series sobre las vicisitudes de la clase trabajadora, de los tipos y las tipas normales con vidas anodinas y hacen malabares por llegar a fin de mes, aderezada con un ingrediente de realismo mágico fresco, divertido y muy bien ensartado.
Realismo mágico en Lodge 49
Lodge 49 comienza con el exsurfista Sean “Dud” Dudley encontrando un anillo en la playa con una insignia. El joven, que ha sufrido recientemente la pérdida de su padre, el desahucio de su casa y la tienda familiar de accesorios y limpiezas de piscinas, se encuentra desorientado y sin ningún rumbo ni perspectiva de futuro.
Lodge 49 Momento en el que cambia la vida de Dud mientras paseaba por la playa con un detector de metales.
El destino o la casualidad, temas filosóficos muy presentes en toda la serie, lo llevan directamente a la puerta de una logia denominada “de los linces”, cuya puerta luce el mismo logo del anillo. A partir de ahí se suceden las amistades, las charlas, el descubrimiento de secretos de Lodge 49, la logia encontrada.
En esta logia encontrará otras personas como él, trabajadores y trabajadoras, perdidos en Long Beach, ciudad que atraviesa una crisis económica grave tras el cierre de Orbis, una gran compañía de ingeniería aeroespacial que había dado empleo directo e indirecto durante décadas a todos los habitantes. ¿Os suena?
Y todos ellos compartirán momentos de realismo mágico en ese camino que emprenden hacia la búsqueda del “santo grial” de la logia, los manuscritos alquimistas de su fundador, Harwood Fritz Merrill.
Retrato de la clase trabajadora
Tanto Dud como su hermana gemela, Liz han tenido que asumir las deudas de su padre una vez fallecido, lo que supone que a ella, que es la única que tiene nómina, el banco le embarga todos los meses una cantidad. Así, para evitarlo, Liz decide trabajar en un restaurante de comida rápida, de manera que cobre una gran parte en negro.
Liz es muy inteligente y empática, pero se autoboicotea constantemente.
Los compañeros de Liz son de mediana edad, alguno con hijos, y todos sobreviven como pueden con el escaso sueldo del fast food, propiedad de Janet Price, una coach empresarial que vende mucho humo y es considerada como una estrella de los negocios cuando realmente es un fraude.
Y es que en Lodge 49 todo el mundo tiene sus claroscuros y sus momentos de bajón, especialmente cuando se trata de asuntos económicos, y se ve obligado a hacer alguna que otra pequeña estafa o cosa que no le hubiese gustado hacer, pero que compensa en otro momento de su vida con gestos increíblemente nobles y altruistas hacia otros.
Janet, la gran empresaria y coach, resulta ser una auténtica estafa en el terreno profesional. Entre Liz y ella se establece una peculiar relación.
Entre tanta serie de personajes adinerados, o extremadamente necesitados, se agradece un retrato de la clase trabajadora, en el que, además, hay variedad de edades y procedencias, pero presentada como una diversidad entremezclada, sin estridencias. Por poner un ejemplo, Ernie, el que se convierte en mejor amigo de Dud, es un sesentañero afroamericano que vende suministros de fontanería y tiene problemas de ludopatía. Real como la vida misma.
Ernie, a su pesar, y tras estafar 2000 dólares a Dud, que, sin embargo, lo entiende perfectamente, se convierte en su mentor y mejor amigo.
AMC estafa a los fans
Pero AMC ha decidido cortar el grifo a esta maravilla y, a pesar de que estuvo durante meses ‘a la venta’, nadie se ha interesado por ella, por lo que los admiradores nos tendremos que quedar con el buenísimo sabor de boca que deja, deseando que en algún momento algún productor considere que esta comedia dramática con toques de realismo mágico que tan bien plasma a la clase trabajadora vuelva a la pequeña pantalla.
Como el personaje de Dud, un optimista incansable, prefiero quedarme con los buenos ratos que me ha dado y desear que el universo se conjure para poder disfrutar de la tercera entrega. Mientras tanto, solo puedo recomendaros que la veáis.
Aunque todavía quedan tres episodios para finalizar esta tercera temporada de Westworld (HBO), teniendo en cuenta la maestría de las dos anteriores, me voy a atrever a decir que va a ser una de las mejores series de 2020. Y es que (cuidado, SPOILERS), ahora que los robots han salido del parque temático en el que los tenían confinados, las tramas son todavía más interesantes si cabe.
Robots y ciberpunk
Uno de los mejores aspectos de esta temporada está siendo la representación del mundo real en el que está ubicada Delos, la empresa propietaria de los parques.
Es un mundo ciberpunk, y no solo por los atuendos que visten sus habitantes y los neones que iluminan las calles, sino por la digitalización de absolutamente todo, la presencia de robots y androides y las cuestiones políticas y filosóficas del género, como qué significa ser humano.
La nueva apariencia, alejada de los escenarios western, se completa con detalles como la existencia de una aplicación similar a Uber, pero del crimen, en la que salen encargos de robos, secuestros, extorsión, asesinatos y todo tipo de delitos.
Otro aspecto ciberpunk son las drogas del momento, como Genre, que sumerge a su usuario en una experiencia cinematográfica mediante la cual cada rato toda su realidad se filtra por la estética y la música de un género de cine determinado, desde el cine negro hasta el thriller, pasando por la acción, el romance, el drama y el realismo. Todo un guiño a los tópicos de la cultura de la televisión, el cine y los videojuegos.
El ‘viaje’ de Caleb con la droga Genre seguro que nos gustaría experimentarlo a más de uno.
Mundo de vigilancia y corrupción
En este mundo destaca el personaje de Engerraund Serac, un parisino que, tras ver cómo su ciudad natal y todas las personas a las que amaba se morían por la detonación de una bomba nuclear, huye con su hermano para crear una máquina similar a lo que sería un dios, todopoderosa porque sabe todo de todos los humanos y es capaz de predecir, además, sus comportamientos y cómo será su futuro.
Con la excusa del bien de la humanidad, Serac hace gala de la corrupción de siempre de controlar gobiernos.
Una idea cuestionable desde muchos puntos, aunque habrá quien la defienda argumentando los clásicos motivos de seguridad, en el eterno debate seguridad-libertad, que, por supuesto, termina con un Serac endiosado esclavizando a la humanidad, porque si Rehoboam (nombre de la IA) prevé que vas a terminar suicidándote, ya no te dará la opción a que desarrolles un trabajo o algo que te motive, sino que te hundirá hasta el fondo en una terrible distopía de efecto Pigmalión: actuarás como ella ha previsto porque ella misma hará todo lo posible para que no tengas otras oportunidades.
Cuando Dolores libera los datos que tiene la IA y las decisiones que ha ido tomando sobre cada ser humano, el mundo tal y como se conoce implosiona.
Serac, como se verá, pese a sus motivaciones supuestamente filantrópicas y mesiánicas, no es otra cosa que un humano con complejo de dios que maneja el mundo con su terrible corrupción.
Robots para la liberación
No es de extrañar que, ante un panorama tan desolador para el ser humano, muchos espectadores aplaudamos fuertemente los intentos de Dolores, una de las robots que consigue huir del parque, por terminar con este entramado de grandes compañías corruptas que roban datos, vigilan y controlan hasta los aspectos más íntimos de todos y cada uno de los seres humanos.
No será hasta el quinto episodio cuando se vea un presunto deseo de liberarnos por parte de Dolores, pero aun así, ¿quién no quiere que se caiga abajo una distopía como la que gobierna en el mundo?
El hecho de que Serac oculte que ha matado a su hermano revela, además, un paralelismo con la historia previa de otros grandes amigos de la serie, Robert Ford y Arnold Weber, en el que uno de ellos termina muerto. Quizá su significado más filosófico y moral sea que, por muy buenas intenciones que tengamos, los humanos llevamos la corrupción intrínseca, caemos una y mil veces en la misma piedra y somos capaces de las mayores atrocidades contra quienes se supone que más queremos.
Que robots creados por Delos defiendan la libertad humana es un giro de guion maravilloso que solo hace que muchos admiremos más a Dolores y sus ideales. La parte negativa de todo esto es la incertidumbre y la violencia que generará en la población humana conocer los planes que la IA tenía para ellos, pero nadie dijo que las revoluciones fuesen fáciles.
Localizaciones en España
Por si esta maravilla filosófica scifi no tuviese ya bastantes puntos de por sí, no puedo cerrar este post sin señalar que muchos de los escenarios al aire libre que vemos en ella son españoles.
En concreto, la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, que hace de sede de Delos; la casa estudio del arquitecto Ricardo Bofill en San Just Desvern (Barcelona), que parece ser el domicilio particular de Serac, donde despierta Maeve (¿cuál será su papel en toda esta trama? ¿cederá a los deseos de Serac de frenar a Dolores?); y el pueblo de Besalú, en Girona, cuya plaza, de aspecto medieval, se convierte en el escenario de otro supuesto parque donde Maeve representa el papel de una espía que lucha contra el fascismo italiano.
Los robots de Westworld en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.
Hay demasiados motivos para ver Westworld, además del hecho de la cuarentena, que nos da más tiempo para este tipo de placeres. No os la perdáis.
