Fundación CajasolSevilla vuelve a ser la primera sede mundial en acoger la exposición World Press Photo 2025, del 13 de mayo al 3 de junio, reuniendo las imágenes más representativas e impactantes del último año captadas por los mejores reporteros gráficos del mundo.
La muestra presenta los trabajos fotográficos premiados en la sexagésima octava edición de los premios World Press Photo, donde participaron cerca de 60.000 imágenes realizadas por 3.778 fotógrafos de 141 países. La fotografía ganadora de este año retrata la realidad de la guerra de Gaza a través del objetivo de la fotoperiodista palestina Samar Abu.
Esta exposición de fotoperiodismo de referencia mundial incluye imágenes que documentan desde conflictos armados hasta fenómenos sociales, ofreciendo una poderosa mirada al mundo actual. Entre las fotografías premiadas destaca el intento de asesinato a Donald Trump durante un mitin en Pensilvania, captada por Jabin Botsford.
Como actividad paralela, el 27 de mayo a las 19:00h se celebra la mesa redonda ‘EnfocAH: el fotoperiodismo entre fronteras’ en colaboración con Médicos Sin Fronteras, donde participan fotógrafos premiados que reflexionarán sobre el fenómeno migratorio. La exposición, con entrada libre, consolida a Sevilla como epicentro mundial del mejor fotoperiodismo internacional.
World Press Photo ha vuelto a elegir la sede de la Fundación Cajasol en Sevilla como punto de partida de su exposición itinerante, que en este World Press Photo 2021 lleva la pandemia como protagonista indiscutible.
Bajo el lema “Conectando al mundo con las historias que importan”, se ha presentado un total de 74.470 fotografías de 4.315 fotógrafos provenientes de 130 países, de los cuales el 19% eran mujeres, un 15% más que en 2015, primer año en el que se dieron a conocer las cifras de participación por sexo para hacer hincapié en la necesidad de igualdad de representación.
Las mejores imágenes de 2020 según el jurado de World Press Photo, compuesto por 28 profesionales de la fotografía y presidido por NayanTara Gurung Kakshapati, son la fotografía de Mads Nissen The First Embrace como la foto del año de World Press Photo y Habibi de Antonio Faccilongo como la historia del año de World Press Photo.
En la imagen ganadora, Rosa Luzia Lunardi (85) es abrazada por la enfermera Adriana Silva da Costa Souza, en la residencia Viva Bem, São Paulo, Brasil, el 5 de agosto de 2020.
De los nominados de este año, 11 fotógrafas son mujeres (24%). Un dato que ha mejorado considerablemente, doblando la cantidad de 2020.
Su autor ha señalado que “esta es una historia sobre la esperanza y el amor en los momentos más difíciles. Cuando me enteré de la crisis que se estaba desarrollando en Brasil y del pobre liderazgo del presidente Bolsonaro, que ha estado descuidando este virus desde el principio, que lo ha llamado ‘una pequeña gripe’, realmente sentí la necesidad de hacer algo al respecto”.
En cuanto a la Historia del Año, relata desde el punto de vista humano una historia de amor ambientada en la guerra entre Israel y Palestina, uno de los conflictos más largos y complicados de la historia.
Entre los premiados hay tres españoles: el barcelonés residente en Kenia Luis Tato, con una fotografía sobre la mayor plaga de langostas del edesierto keniano en los últimos 70 años; el vasco Aitor Garmendia, nominado en la categoría de Medio Ambiente, y el extremeño Jaime Culebras en la categoría de Naturaleza.
CaixaForum Barcelona cuestiona la posición del espectador ante la obra de arte en la muestra Dónde estamos. Dónde podríamos estar, que se puede ver hasta el próximo 1 de noviembre en el centro cultural de la Caixa en la Ciudad Condal.
Reflexión sobre el espectador
Este proyecto expositivo plantea una revisión de la manera en la que nos conectamos con nuestro entorno, con nuestro contexto y nuestro lugar, que necesitan de un sujeto observador que les pueda dar sentido y conectar a través de historias.
Las obras de Dónde estamos. Dónde podríamos estar hablan de cuestiones de género, de relaciones de poder, de una geografía y una economía transfiguradas, o de una ecología entendida como un lugar anhelado. La exposición insta al espectador a participar de forma activa, ya sea con nuevas interpretaciones o, incluso, con su actitud corporal.
Para ilustrar este pensamiento, Diana Guijarro, la comisaria novel, ha seleccionado 14 obras procedentes de la Colección la Caixa y del MACBA, a excepción de un vídeo de Alex Reynolds, cedido por la propia artista. Las obras son fotografías, esculturas, vídeos y obras gráficas de Joan Brossa, Mike Kelley, Pedro G. Romero, Cindy Sherman, Andrea Fraser, Txomin Badiola, Cildo Meireles, Mona Hatoum, Martin Kippenberger y la ya mencionada Alex Reynolds.
CaixaForum Barcelona inaugura la exposición Dónde estamos. Dónde podríamos estar, surgida del programa Convocatoria de Comisariado de la Colección ”la Caixa”.
Una de las obras más innovadoras de la muestra es la gran instalación La trayectoria de la luz en la caverna de Platón (desde la caverna de Platón, la capilla de Rothko, el perfil de Lincoln), de Mike Kelley, pues, para poder verla totalmente, hay que arrastrarse y cambiar de postura corporal.
La muestra Dónde estamos. Dónde podríamos estar, comisariada por Diana Guijarro, es la segunda propuesta de la actual Convocatoria de Comisariado del Programa de Apoyo a la Creación Artística de la Caixa.
Esta convocatoria estaba destinada a comisarios de arte menores de 40 años, con nacionalidad o residencia española o portuguesa, que previamente hayan comisariado un mínimo de tres exposiciones, pero que no tengan una trayectoria profesional consolidada.
El programa, de Apoyo a la Creación Artística de ”la Caixa”, ofrece a jóvenes profesionales la oportunidad de realizar un comisariado a partir de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA.
De esta forma, la Caixa promueve visiones innovadoras tanto en lo referente a lecturas y reflexiones como en cuanto a formas que aporten planteamientos creativos.
Ya he escrito alguna vez sobre lo magistrales que son ambas entregas de la serie de ficción de Sorrentino sobre el Vaticano (HBO): The Young Pope y The New Pope. Hoy me quiero detener en varios aspectos de la última entrega que no he visto muy comentados en blogs y redes sociales: el misterio de la propia creencia, la prostitución y las injerencias de actores políticos externos.
Se trata de un post repleto de SPOILERS, así que, si no quieres que te arruine la serie, no sigas.
El Misterio con mayúsculas
Comienzo por la parte más religiosa, aunque no por ello menos blasfema de The New Pope, la que corresponde al misterio, a la revelación misma de la deidad en la figura de Lenny Belardo (increíblemente interpretado por Jude Law).
Ambos Papas se presentan a la vez como farsantes y grandes personas entregadas a la Iglesia.
Lenny Belardo se manifiesta como un santo capaz de obrar milagros tan dudosos desde el punto de vista moral como matar a su sucesor, un Papa franciscano dispuesto a entregar las riquezas de la Iglesia Católica a los pobres, simplemente moviendo un dedo desde su coma. Un dios un tanto extraño este que se revela para mantener el estatus quo y la corrupción de su institución.
Belardo despierta tras meses inconsciente y parece conocedor de muchos secretos que han tenido lugar en su ausencia, pero, según vamos conviviendo más con el personaje, vemos que es un megalomaníaco con complejo de Dios y ni él mismo sabe reconocer sus propios límites.
No obstante, en esta ensoñación fantástica que son estas creaciones de Sorrentino, siempre queda lugar a la duda, y su muerte en la Plaza de San Pedro en un stage diving (zambullida desde el escenario) que daría mucha envidia al propio Iggy Pop queda envuelta en un halo de misterio y divinidad.
La escena del Papa Pío XIII haciendo un lanzamiento desde el escenario quedará grabada en nuestras retinas para siempre.
¿Es Lenny Belardo un santo o un farsante? ¿Se manifiesta dios para que todo en el Vaticano siga como está?
Fruto de estos delirios se genera, asimismo, un fanatismo que deriva en un grupo terrorista similar al islámico, porque el paroxismo religioso es idéntico en las distintas creencias.
Magistral diálogo entre Bauer y Voiello sobre el fanatismo religioso.
Prostitución y doble moral
Otra de las temáticas que más se tratan en esta secuela es la prostitución, presuntamente instaurada en el seno de la Iglesia tanto dentro de la curia como entre la sociedad laica que la sostiene.
Resulta sobrecogedora y aterradora a partes iguales la red de prostitución de mujeres requerida por jueces, médicos y altos funcionarios para satisfacer las necesidades de sus hijos discapacitados. El espectador se queda perplejo ante el nivel de blasfemia o de realismo, preguntándose eternamente si existe tal trama en la realidad y asombrándose pensando en la sola posibilidad.
Los servicios de prostitución para hijos discapacitados de familias católicas de clase alta se presentan con una terrorífica normalidad.
En este sentido, el tema de la prohibición del aborto por parte de la Iglesia se enfoca desde un ángulo duro, no apuntando hacia entrañables bebés, sino hacia preadolescentes y adolescentes ya desarrollados. Incluso en uno de los casos, en los que Lenny intenta mediar haciendo un milagro, se ve a una madre creyente completamente destrozada por ver a su hijo con espina bífida postrado en una cama. La dicha de la maternidad convertida en una penitencia, el arrepentimiento de haber tenido a un hijo que sufre a diario.
Menos empatía provoca en el espectador la corrupción moral de los cardenales en orgías con prostitutas, algunas de ellas menores, y con la misma crudeza nos la presenta Sorrentino, y en este caso quizá produce más repugnancia por los escándalos sexuales que ha habido en la Iglesia y que en una serie tan crítica como esta no se podían dejar pasar.
Las monjas del Vaticano
Mención especial merece el tratamiento que en esta entrega se ha dado a las monjas que trabajan laboriosamente en el Vaticano, presentadas como unas mujeres explotadas en una institución patriarcal que las tiene para cubrir los cuidados básicos, pero a la vez como sujeto y objeto de deseo.
Embarazos no deseados, acoso sexual entre las propias hermanas, intentos de huelga y sabotaje para ser tenidas en cuenta… me atrevería a decir que es una de las producciones más valientes y extravagantes a la hora de representar un convento.
Eso sin contar las introducciones y los cierres de los episodios, en los que las monjas se deshacen de los hábitos para bailar y contornearse sensualmente al ritmo de música electrónica, o la blasfemia de sugerir excitación sexual a la encargada del cuidado de Lenny Belardo durante su convalecencia.
Sorrentino impresiona con una osadía tras otra, y de una manera tan elegante, además, con una fotografía y unos planos tan perfectos que uno empieza a creer que va a tener síndrome de Stendhal.
El misterio de la CIA
En esta temporada se desvela, además, el misterio de un personaje que parecía manejar los hilos del Vaticano, Bauer, sin saberse exactamente cómo ni por qué.
Bauer es un tipo extravagante, que, junto con el Secretario de Estado del Vaticano, Voiello, maquina para que nada cambie. Tanto él como Voiello personifican la corrupción y, sin embargo, terminan siendo los personajes menos extraños de todos los que se pasean por la serie.
Bauer intriga para terminar con Papas incómodos y parece saber más que los propios cardenales sobre qué se cuece dentro de los propios muros de la sede de la Iglesia.
Bauer es uno de los personajes más intrigantes y cargados de misterio de toda la serie.
Será al final, cuando se van cerrando todas las tramas, cuando sepamos, sin que nos lo lleguen a decir explícitamente tampoco y a través de uno de tantos diálogos espléndidos con Voiello sobre el poder, que se trata de un agente de la CIA y que su siguiente destino es Corea.
Paolo Sorrentino nos vuelve a descubrir una vez más que es un genio de la narración. Pocos guionistas y directores consiguen unos diálogos tan profundos y coreografiados que se queden grabados en la memoria, y una poesía visual tan completa en cada una de sus producciones.
Vampiros. La evolución del mito. Concepto y producción, una de las exposiciones estrella de este 2020, ya puede visitarse en CaixaForum Madrid.
Un recorrido por el mundo de los vampiros
La muestra, coorganizada por La Cinémathèque française y la Caixa, propone un recorrido histórico del tratamiento de los vampiros en las distintas disciplinas artísticas.
El mito de terror, nacido en la Edad Media en Europa Central, popularizado por el cine y que no pierde vigencia en la cultura popular, ha inspirado grandes obras de arte que componen el imaginario colectivo contemporáneo.
Las distintas caracterizaciones de vampiros a lo largo de la historia nos los han mostrado como terroríficos, seductores (Drácula de Bram Stoker), modernos (True Blood), manipuladores, malvados, apasionados, elegantes, inteligentes, repulsivos, sádicos, contradictorios, melancólicos, hilarantes… vampiros y vampiras con todo tipo de personalidades se han convertido en uno de los mitos contemporáneos más atractivos.
Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens (Nosferatu le vampire) de F.W. Murnau – 1921 [F=39961]
Vampiros, la expo
En Vampiros. La evolución del mito, se exponen 362 obras de una treintena de museos y colecciones privadas, entre fotografías, dibujos, vestuario de películas, manuscritos, libros, cómics, carteles, pinturas, grabados, documentos y objetos diversos. También se pueden ver 15 montajes audiovisuales con fragmentos de más de 60 películas y series.
Algunas de las piezas que se pueden ver son la máscara utilizada en el rodaje del Nosferatu de Werner Herzog; trajes de la diseñadora Eiko Ishioka para el filme Drácula de Francis Ford Coppola; el guion de Bram Stoker para la primera adaptación de Drácula al teatro, así como algunas de las estampas de los Caprichos y Los desastres de la guerra de Goya, y obras de Andy Warhol, Niki de Saint Phalle o Mike Kelley.
John Karlen, Danielle Quimet y Delphine Seyrig en Les lèvres rouges (El rojo en los labios, 1971) de Harry Kümel. Foto: Virginia Haggard Leirens / Tous droits réservés.
Por su parte, la Caixa aporta también piezas de la Colección la Caixa de Arte Contemporáneo de artistas como Jean-Michel Basquiato Cindy Sherman, así como otras encargadas especialmente para esta exposición a artistas como Wes Lang o Claire Tabouret. Asimismo, en la muestra se puede disfrutar de 15 montajes audiovisuales temáticos, con fragmentos de 60 películas y series televisivas.
Actividades vampíricas
Como viene siendo habitual, la Caixa ha preparado una serie de actividades paralelas a la exposición, entre las que destacan varias conferencias sobre el mito de los vampiros y la propuesta Al caer la noche, una noche vampírica prevista para el viernes 6 de marzo con lectura, poesía, cine, televisión y música a cargo de Roberta Marrero, Javier Corcobado, José Viruete y Evripidis and His Tragedies. Durante la velada, organizada en colaboración con Cruz Roja, se podrá donar sangre en la plaza exterior del CaixaForum.
Asimismo, aquellas personas que donen sangre en la Comunidad de Madrid hasta el 12 abril podrán conseguir entradas gratis para ver la exposición.
Conviene no perderse tampoco el ciclo de cine “Miedo y placer”, con las películas Nosferatu (1922), Drácula (1958), Drácula de Bram Stoker (1992) y Solo los amantes sobreviven (2013).
Nosferatu, Phantom der Nacht (Nosferatu, fantome de la nuit) de Werner Herzog – 1978 [F=39707], Palladine [P=23677]En relación con el público familiar, la Caixa tiene preparado el Vamp Club, un espacio familiar con diversas actividades que acercarán a los niños al mito de los vampiros.
La Caixa y la sensibilidad contemporánea
Dentro de su programación cultural, la Caixa dedica una atención preferente a las manifestaciones artísticas fundamentales en la formación de la sensibilidad contemporánea. En esta línea se enmarcan las exposiciones dedicadas al cine, que, junto con la fotografía, constituye una de las formas artísticas más características del siglo XX.
Así, la entidad ha dedicado muestras retrospectivas a grandes nombres del mundo del cine, como por ejemplo los directores Charles Chaplin, Federico Fellini y Georges Méliès, y a compañías pioneras como Pixar o Disney.
Gracias a la colaboración con La Cinémathèque française de París, se presentaron con anterioridad proyectos conjuntos como Georges Méliès. La magia del cine; Arte y cine. 120 años de intercambios y Cine y emociones. Un viaje a la infancia.
Si las anteriores entregas de Peaky Blinders (BBC) habían sido un fiel reflejo del ambiente histórico en el que se enmarcaban, la nueva no podía ser menos. La consolidación del socialismo y el comunismo, el inicio y auge del fascismo y la corrupción a todos los niveles son los grandes protagonistas de esta temporada.
Inicio del fascismo
Para quien no vio todavía ni la temporada anterior, aviso de que a partir de aquí hay algún que otro spoiler, así que queda bajo vuestra responsabilidad seguir leyendo.
El final de la cuarta temporada terminaba con Thomas Shelby instalado en el mismísimo Parlamento británico, como representante del Partido Laborista e informante del servicio secreto sobre todos los movimientos que hiciesen sindicatos y partidos comunistas en el país.
Sus adversarios creen que Thomas Shelby es socialista.
En esta quinta, con el fascismo ya instalado en Alemania y bien identificado por toda la sociedad, asistimos a la creación del primer partido fascista en Inglaterra, la Unión Británica de Fascistas de 1932, por Sir Oswald Mosley, que tiene su propio personaje, mucho más inquietante y peligroso que cualquiera de los Shelby.
Oswald Mosley, principal representante del fascismo en Inglaterra, es visto como “el demonio” por los propios Shelby.
Para su creación, Mosley pide la colaboración de Thomas, que accede a ayudarlo, pero con la intención de informar también de sus movimientos al servicio secreto.
Fascismo promovido desde el poder
Pero sus intenciones se ven limitadas y truncadas, pues el servicio secreto no solo no tiene ningún interés en frenar la creación del brazo político del fascismo en Inglaterra, sino que está completamente de acuerdo con sus premisas y líneas ideológicas.
En toda la serie se puede observar, además, cómo el fascismo va introduciéndose en la sociedad, a través de las ideas que se enseñan en los colegios (el hijo de Ada expresa con total naturalidad al agente del servicio secreto, de origen africano, que “los negros son inferiores”, alegando que se lo han dicho en la escuela) y en círculos de poder que se han visto afectados por el Crack del 29.
El sobrino de los Shelby, hijo de Ada, expone de manera natural las ideas fascistas que escucha en su escuela.
La idea de que han sido los judíos los responsables de la catástrofe económica que hizo perder la mayor parte o toda su fortuna a muchos burgueses de la época caló rápido entre las capas altas de la sociedad, ávidas de buscar un chivo expiatorio.
Los nacionalismos, como el irlandés, también tienen su protagonismo en esta entrega de Peaky Blinders, retratados, además, desde la corrupción y los negocios turbios de los que se financiaban.
Los protestantes nacionalistas irlandeses también se plasman en todo su esplendor de corrupción y negocios turbios en esta temporada de Peaky Blinders. ¿Queda alguien libre de ‘pecado’?
Es en este ambiente donde los Shelby, mafiosos, corruptos y asesinos, mantienen una línea roja, pues su ascendencia gitana les impide comulgar con las ideas fascistas.
La hipocresía de los Shelby contra la corrupción
Y es que los Shelby, sociópatas no se sabe si de nacimiento o de propia formación, tienen su propio código ético, que demuestran en varias ocasiones luchando contra determinado tipo de corrupción.
En sus orfanatos, por ejemplo, se prohíbe a las encargadas de los menores golpearlos, y se vela por su seguridad, hasta el punto de que retiran fondos y amenazan con matar a monjas que han agredido a niños bajo su custodia.
La corrupción que se narra en Peaky Blinders invade todos los estratos, incluido el eclesiástico. Thomas y Polly acuden a un orfanato a anunciar a las monjas que les retiran la financiación por agredir a una chica negra, que ha terminado suicidándose por el continuo acoso al que era sometida.
Pero esta presunta lucha contra la corrupción de menores, que parece firme cuando, por encargo de un político pederasta, intentan asesinar a un traficante de niños, se desdibuja cuando ese mismo traficante les sugiere un negocio de distribución de heroína.
Igualmente todas las ideas progresistas que Thomas dice defender en la Cámara se evaporan cuando ordena asesinar periodistas que intentan hacer un artículo crítico sobre su persona.
Es significativo que, en todos los casos y como sucedía en temporadas anteriores, los crímenes y la corrupción queden siempre impunes, y nos hace preguntarnos si en alguna época de la historia de la humanidad alguien poderoso alguna vez ha pagado por lo que ha hecho.
Factura impecable, recursos manidos
Esta última temporada de Peaky Blinders continúa la línea de producción excelente de las anteriores, con una fotografía y un tempo que están a la altura del mejor cine.
No obstante, no quería dejar pasar esta casi oda a la serie sin hacer una pequeña anotación a la redundancia y los recursos manidos de otras temporadas que en esta se hacen ya hasta aburridos.
Son los clásicos planos de los Peaky Blinders caminando de manera elegante y soberbia por las calles en las que reinan mientras suenan temazos de fondo.
Y sí, la banda sonora, entre la que se encuentran en todas las temporadas maravillas de Bob Dylan, Black Strobe, Black Sabbath, Radiohead, Nick Cave, Artic Monkeys, Pj Harvey, David Bowie, The Kills, etc. ha sido uno de los puntos fuertes y atrevidos de Peaky Blinders, pues apuesta por música actual para retratar décadas muy anteriores. Pero eso no debería suponer que en cada episodio se dedicasen unos cuantos minutos a repetir una y otra vez el mismo videoclip.
Reiteraciones aparte, Peaky Blinders pasará a la historia de las series como una de las mejores, por calidad de guion, interpretación de los personajes, ambientación histórica, fotografía y banda sonora. Si os habéis puesto todavía con ella, estáis tardando.
¿Qué tienen en común una cárcel y un convento de clausura? Muchos contestarán que poco, porque las personas reclusas lo están ahí “por algo malo” mientras a las segundas se les atribuye virtuosismo, pero Pepe Cobo muestra otra mirada en la exposición Dos Clausuras que estará hasta el 14 de abril en la sede de la Fundación Cajasol en Sevilla.
Cárcel y convento, dos espacios de soledad
El galerista Pepe Cobo encuentra una gran similitud entre lo que suponen una cárcel y un convento para sus moradoras, y ese nexo es la soledad y el aislamiento.
Unas viven un encierro voluntario de por vida, dedicadas a Dios y a su fe, y otras sufren penas de cárcel y aislamiento por haber cometido delitos, algunos de ellos graves, pero en ambos casos se comparten la soledad, y también una cierta espiritualidad.
Una cárcel y un convento comparten cuestiones esenciales para la mirada de Pepe Cobo.
Trabajo de campo en cárcel y convento
Pero lo más importante de esta muestra que se puede ver estos días en la Fundación Cajasol es el trabajo de campo realizado previamente por Pepe Cobo y la comisaria de la exposición, Laura Revuelta, redactora jefe de ABC Cultural.
Pepe Cobo tuvo su primera experiencia con reclusas en la exposición Flores de Lurigancho, en la Fundación Madariaga, en la que expuso mantones de Manila bordados por presas de la cárcel peruana, considerada una de las más “peligrosas” del mundo.
Fue ahí donde se dio cuenta de las similitudes en las vivencias y de donde partió su idea de encargar a presas del Penal de Chorrillos en Lima y a monjas de clausura del Convento de San Leandro de Sevilla un peculiar proyecto. Las reclusas debían trabajar con imágenes del convento de Sevilla, y las monjas, con las de la cárcel.
Palabras que resuenan en las paredes de la cárcel y el convento
El resultado es esta exposición en Cajasol en la que se pueden ver piezas impresas sobre tela con palabras como “obediencia”, “lujuria” o “soledad”.
En la muestra se recogen, además, entrevistas que la periodista Laura Revuelta realizó a las mujeres encarceladas, en las que hablan abiertamente de su sexualidad, de cómo afrontan la maternidad desde la cárcel, etc.
Una exposición con un carácter muy social que se atreve a explorar dos mundos aparentemente opuestos, pero que comparten cuestiones esenciales para la mirada profunda de artistas como Pepe Cobo.
Exposición Dos Clausuras en la Fundación Cajasol, Sevilla.
Un total de 19 proyectos artísticos han sido los elegidos para la nueva edición de Art for Change la Caixa, destinada a impulsar iniciativas de transformación personal y social a través de distintas disciplinas artísticas.
Disciplinas de los proyectos
De un total de 364 propuestas de artistas y entidades culturales de todo el territorio español se han seleccionado 19 proyectos de las siguientes disciplinas: artes plásticas (2), danza (5), teatro (5), literatura (2), música (2), vídeo (2) y fotografía (1).
Todos ellos reúnen los requisitos del programa Art for Changela Caixa: el fomento del desarrollo personal del participante mediante su implicación en el proceso creativo; la cohesión y la inclusión social a partir de la creación de espacios neutrales de relación, intercambio y convivencia, y la regeneración social de carácter comunitario mediante actividades que contribuyan al desarrollo de barrios o grupos sociales y a reforzar conceptos como la identidad y la autoconfianza.
Los artistas y entidades seleccionados se encuentran en las provincias de Madrid, Barcelona, Girona, Asturias, Valencia, Sevilla, Granada y Ceuta, y contarán con la participación de más de 4000 personas en situación de vulnerabilidad, que tendrán la oportunidad de realizar un proceso de transformación personal y social a través de una creación artística.
En Madrid han resultado galardonados Asociación Dan Zass, con “La danza como expresión en las personas con trastorno”; Asociación Jóvenes al Teatro, con “Teatro contra el racismo”, y la Asociación Hablar en Arte, con “Músicas Memorables”.
Proyectos Art for Change la Caixa
Art for Change la Caixa conjuga la creación artística y la transformación personal y social y fomenta la participación de la gente en los procesos creativos de cualquier disciplina artística, uno de los objetivos de la Caixa, pionera en nuevas formas de entender la vinculación de la cultura con la participación popular.
Los proyectos de Art for Change la Caixa tienen entre sus fines favorecer la colaboración y la inclusión de todos, ser respetuosos con la diversidad y estar abiertos a aprender y escuchar a la sociedad.
Así, todos los ganadores de este programa cuentan con la participación de colectivos y personas en situación de vulnerabilidad, o de un mismo entorno o barrio para favorecer la transformación social y el empoderamiento.
El I Programa Formativo de emprendimiento cultural 10 Proyectos de Arte de la Fundación Cajasol ha promovido durante los últimos meses el desarrollo del talento de diez artistas andaluces o muy relacionados con Andalucía.
Conocimientos de emprendimiento
Los emprendedores que han participado en el programa han contado con un mentor y un coach personal que les ayuda de manera personalizada a encauzar y desarrollar sus carreras profesionales.
Estos mentores les han enseñado a sondear los mercados para que sus obras encuentren cabida en el mercado de la industria cultural y tengan una difusión y repercusión al más alto nivel.
Han sido un total de diez sesiones formativas en las que se han abordado temas como posicionamiento SEO, canales de ventas, comercio en Internet, investigación, relación y gestión de trámites y ayudas en las administraciones, aspectos legales, etc.
Participantes del programa de la Fundación Cajasol
En el Programa de Emprendimiento cultural 10 Proyectos de Arte han participado pintores, fotógrafos e ilustradores andaluces que comparten la pasión por la creación y tienen como objetivo llegar al máximo público posible.
Rafael Díaz-Jargüin Hierro, con una tesis doctoral en proceso y unas marcadas influencias orientales provenientes, fundamentalmente, del taoísmo y el budismo, pretende inspirar a la introspección, a encontrar la llama interior y vivir el ahora.
Antonio Morales es otro de los participantes del programa. Pintor y fotógrafo, cofundador del Colectivo Fotográfico ENVILO, en el que participan doce fotógrafos cordobeses. Al igual que Rafael, también llama a la reflexión, aunque a través del reflejo de lo cotidiano y lo doméstico.
Antonio Morales, “Infante”.
Alexandra del Bene, por su parte, restaura y pinta frescos y ejecuta trabajos de trampantojo, llevándolos a espacios contemporáneos en distintas escalas, formatos y superficies. Es muy conocida en Sevilla, donde decora esquinas enteras de la ciudad con murales de gran belleza y sencillez. Además, también trabaja la escultura con varios tipos de materiales, desde la cerámica al acero inoxidable.
Trampantojo en Sevilla de Alexandra del Bene.
Cristina Vázquez es otra pintora, amante de los formatos grandes y las acuarelas, que transmite felicidad a través de sus cuadros de playas, plantas y gente disfrutando del momento.
Lily Vainylla comparte con Cristina la pasión por el arte y la felicidad. Le gustan también las acuarelas y los retratos. En la actualidad trabaja como ilustradora en un libro poético e ilustrado cuyos protagonistas son personajes famosos de su vida. A través de 10 proyectos de arte ha aprendido entresijos del mundo cultural que le servirán para abrirse paso en el mercado con su libro.
Retrato de David Bowie de Lily Vainylla
Eva del Fraile, vallisoletana que estudió en Sevilla, se decanta más por el lado fantástico y de revisión de su propia infancia, que dice haber redescubierto gracias a su hija. Sus pinturas no dejan indiferente al espectador.
Eva del Fraile, “Negocio clandestino por herencia de la abuela”
A Manuel Magdaleno, otro de los emprendedores de este ciclo, lo que le gusta es explorar lo que pueden sugerir imágenes aparentemente reales que, con la perspectiva modificada, tienen otras interpretaciones.
En cuanto a Óscar Ortiz Marzo, quizá es el artista de todos los participantes que usa más las tecnologías, pues, además del dibujo y la pintura, otro de sus oficios es la animación, que le ha valido una nominación en los premios Asecan, un premio al mejor documental andaluz 2017 y una candidatura a los Goya con el emocionantísimo y necesario Bolingo.
Fotograma del documental Bolingo
10 Proyectos de Arte de la Fundación Cajasol va más allá del mecenazgo para dotar a los artistas de herramientas para comunicar su obra. Muchas veces me encuentro con auténticos genios que no saben cómo vender sus proyectos y quedan a merced de terceros. Con este tipo de información se pueden representar a sí mismos y hacerse hueco en el sector cultural con voz propia.
Quien viva o viaje a Sevilla en los próximos días no puede dejar de visitar la exposición España Años 50. Carlos Saura, que se exhibe en la sede de la Fundación Cajasol hasta el próximo 2 de septiembre.
La mirada de Carlos Saura
La muestra sobre la España de los 50 es el resultado de la mirada de Carlos Saura sobre una España marcada por la pobreza, la falta de infraestructuras y la represión, pero a la vez de gentes abiertas, amables, sencillas y trabajadoras.
La exposición, comisariada por Olivia María Rubio, se compone de 92 imágenes tomadas por el cineasta durante sus viajes por todo el país.
Como él mismo afirma, “en los 50 éramos pocos los que sentíamos una curiosidad fotográfica por un país que gobernaba con mano férrea el general Franco con la colaboración de una iglesia inquisitorial y una policía brutal que controlaba la moralidad e inmoralidad de las costumbres”.
La exposición está dividida en ocho áreas que recorren lugares como Andalucía, Cuenca, Castilla, Madrid, donde fue detenido por fotografiar una estación de tren al considerarse objetivo militar, o Sanabria, lugar del que le impresionó la miseria.
El secreto de Carlos Saura
Muchos desconocíamos esta faceta del ganador por sus películas en Cannes, San Sebastián o Nueva York, pero sorprende ver la calidad y la calidez de las imágenes de este director de cine que ahora se atreve a mostrarnos su trabajo fotográfico, también contenido en un libro que publicó hace tres años con el mismo nombre.
No olvidemos que, cuando Carlos Saura decidió retratar la España de los años 50 con su Leica y el coche de su padre, tenía 20 años y nos encontrábamos en un periodo de incipiente apertura internacional en el que otros fotógrafos internacionales también venían a dejar constancia de su visión de este país.
Él mismo fue reportero gráfico de los festivales de música de Granada y Santander, e incluso tuvo una oferta para un puesto de fotógrafo en la revista Paris-Match, que declinó porque se consideraba “un aficionado”, aunque sus imágenes están a la altura de grandes como Cartier Bresson.
![Mike kelley. The Trajectory of Light in Plato’s Cave (from Plato’s Cave, Rothko’s Chapel, Lincoln’s Profile). [La trayectoria de la luz en la caverna de Platón (desde la caverna de Platón, la capilla de Rothko, el perfil de Lincoln)]. 1985-1996. Materiales diversos. 382x327x1413 cm. Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. © Mike Kelley, VEGAP, Barcelona, 2020.](https://antoniopulido.eu/wp-content/uploads/2020/09/https-__prensa.fundacionlacaixa.org_wp-content_uploads_2020_03_1.-ACF0644-Kelly.jpg)
