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Desaprovechando el potencial de Daemon en la segunda temporada de The House of the Dragon
La segunda temporada de “The House of the Dragon” está siendo un torbellino de emociones y eventos dramáticos, pero también ha dejado a muchos fanáticos con una sensación de frustración, especialmente en lo que respecta al tratamiento del personaje de Daemon Targaryen. Daemon, quien en la primera temporada se destacó como un guerrero implacable y una figura de poder y controversia, se encuentra ahora relegado a una existencia pasiva y delirante en Harrenhal, un destino que no hace justicia a su potencial y carisma.
Daemon Targaryen es un personaje lleno de matices, cuya complejidad y ambigüedad moral lo convierten en uno de los más fascinantes de la serie. Su presencia en Harrenhal, sumido en delirios y prácticamente ausente de las intrigas y batallas que definen el conflicto en Westeros, es una decepción para aquellos que esperaban ver más de su astucia y ferocidad en esta temporada. En lugar de estar en el centro de la acción, Daemon se ha convertido en una sombra de sí mismo, desperdiciando el potencial dramático que su personaje ofrece.
Por otro lado, la segunda temporada ha continuado destacando la fortaleza de los personajes femeninos, reafirmando su importancia en la trama. Un ejemplo notable es Mysaria, quien ha forjado una alianza clave con Rhaenyra Targaryen. Mysaria, desde sus humildes orígenes, ha demostrado ser una mujer de gran inteligencia y resiliencia. Su alianza con Rhaenyra no solo es estratégica, sino que también muestra su capacidad para adaptarse y prosperar en un entorno dominado por la intriga política. Juntas, estas dos mujeres representan una fuerza formidable en la lucha por el poder en Westeros.
La muerte de la Princesa Rhaenys Targaryen ha sido uno de los momentos más conmovedores y significativos de la temporada. Rhaenys, conocida como “La Reina Que Nunca Fue”, siempre se distinguió por su valentía e integridad. Su reconocimiento de los hijos bastardos de su marido, Laenor Velaryon, es un testimonio de su nobleza y su capacidad para anteponer la justicia y la verdad a la conveniencia política. Rhaenys muere como vivió: con dignidad y honor, dejando un legado imborrable que resuena en la narrativa de la serie.
A pesar de estos momentos poderosos, la serie parece estar desperdiciando la oportunidad de explorar más a fondo el potencial de Daemon Targaryen. En una temporada donde los personajes femeninos siguen brillando con fuerza, es lamentable ver a un personaje tan prometedor como Daemon relegado a un papel secundario y deslucido. Los fanáticos de la serie esperan que en futuras entregas, Daemon recupere su lugar como una figura central, cuyas acciones y decisiones impacten significativamente en el curso de los eventos.
En conclusión, mientras “The House of the Dragon” continúa destacando la fuerza y complejidad de sus personajes femeninos, particularmente en la alianza de Mysaria y Rhaenyra y la valiente despedida de Rhaenys, también enfrenta críticas por el manejo de personajes clave como Daemon. La esperanza es que los guionistas reconozcan el potencial desaprovechado de Daemon y lo reintegren al corazón de la trama, donde su presencia pueda ser tan impactante y dinámica como lo fue en la primera temporada. La serie, sin duda, tiene todos los elementos para seguir cautivando a su audiencia, siempre y cuando sepa equilibrar y desarrollar adecuadamente a todos sus personajes principales.
2 agosto, 2024
La fuerza de los personajes femeninos en The House of the Dragon
En el vasto universo de Westeros, donde el poder y la intriga son moneda corriente, “The House of the Dragon” emerge como una serie que no solo mantiene la esencia de su predecesora, “Game of Thrones”, sino que también resalta la fuerza y la complejidad de sus personajes femeninos. A lo largo de sus episodios, esta precuela ofrece un retrato fascinante de las mujeres que, a pesar de vivir en un mundo dominado por hombres, se convierten en figuras centrales del poder, la política y la intriga.
Uno de los personajes más notables es Rhaenyra Targaryen, una joven que desde muy temprana edad muestra una determinación y una fortaleza inquebrantables. Como heredera del trono, Rhaenyra se enfrenta a constantes desafíos y a la oposición de aquellos que no creen que una mujer deba gobernar. Su carácter decidido y su habilidad para navegar las complejidades políticas la convierten en una figura emblemática de la serie. Rhaenyra no solo lucha por su derecho al trono, sino también por romper las barreras que históricamente han limitado a las mujeres en su sociedad.
Otro personaje femenino que destaca es Alicent Hightower. Su evolución de una joven inocente a una mujer astuta y calculadora es impresionante. Alicent utiliza su inteligencia y sus habilidades diplomáticas para proteger a su familia y asegurar su posición en la corte. Aunque sus métodos pueden ser cuestionables, no se puede negar su capacidad para influir en los eventos que moldean el destino de Westeros. Su relación con Rhaenyra, marcada por la amistad, la rivalidad y la traición, añade una capa adicional de complejidad y profundidad a la narrativa.
La reina Aemma Arryn, aunque su tiempo en pantalla es limitado, deja una impresión duradera. Su lucha personal y su trágico destino subrayan las dificultades que enfrentan las mujeres nobles en Westeros, obligadas a cumplir con roles tradicionales que a menudo las llevan a situaciones extremas. A través de su personaje, la serie aborda temas como el deber, el sacrificio y la resistencia.
La Princesa Rhaenys Targaryen, también conocida como “La Reina Que Nunca Fue”, es otro ejemplo de la fuerza femenina en “The House of the Dragon”. A pesar de ser pasada por alto en la línea de sucesión debido a su género, Rhaenys no se deja vencer por la frustración. Su experiencia y sabiduría la convierten en una consejera invaluable, y su presencia es una constante recordatorio de las injusticias de la tradición patriarcal.
La serie también introduce a personajes como Mysaria, una mujer de origen humilde que asciende en las filas sociales mediante su astucia y determinación. Su capacidad para adaptarse y sobrevivir en un entorno hostil es un testimonio de su resiliencia y fortaleza interior.
En conclusión, “The House of the Dragon” no solo ofrece una narrativa cautivadora llena de giros y sorpresas, sino que también destaca por sus personajes femeninos fuertes y multidimensionales. Cada una de estas mujeres, con sus virtudes y defectos, contribuye a crear un retrato rico y diverso de la feminidad en Westeros. A través de sus historias, la serie no solo entretiene, sino que también invita a reflexionar sobre temas universales como el poder, la igualdad y la lucha por la justicia. Sin duda, “The House of the Dragon” se consolida como un hito en la representación de mujeres poderosas en la televisión.

25 febrero, 2024
Foundation, infiel a Asimov, construye su propio relato
Siempre se ha dicho que Foundation, una de las muchas obras maestras de Isaac Asimov, era imposible de filmar, y el intento que han hecho en Apple TV+ lo confirma, pues, lejos de la serie de libros original, ha terminado por construir su propio relato, no sabemos si por exigencias narrativas o por falta de capacidad para hacer una adaptación fiel.
Y no puede decirse que esto haya pasado precisamente por falta de presupuesto, ya que los diez episodios de la primera temporada son todo un despliegue de recursos, tanto fílmicos como humanos.
La premisa de Foundation
De lo poco que hay de la historia original en la serie está el matemático y psicólogo Hari Sheldon (un siempre impecable Jared Harris), que predica haber descubierto que el Imperio Galáctico, de 12.000 años de antigüedad, va a caer inevitablemente y convence a Imperio (un soberbio Lee Pace) para que le dé un planeta en el que poder construir una comuna desde la que salvarlo.
Es una premisa grandiosa en términos cronológicos, y muy difícil, por tanto, de llevar a una pantalla. Solo el primer libro de la serie de La Fundación se compone de cinco novelas cortas con personajes que no tienen nada en común y cuyas vidas se desarrollan en 150 años.
En algunos momentos podría decirse que Lee Pace sostiene enteramente la serie.
El showrunner, David S. Goyer, limita Foundation la primera temporada a las dos primeras quintas partes de la novela original y las une de una manera un tanto forzada. La idea de Goyer de que Lee Pace interprete a un emperador Cleon eternamente clonado es una forma inteligente de darle a la serie un antagonista consistente, y es ahí donde reside su éxito.
Cleon, la corrupción política y genética
El emperador Cleon, que apenas figura en el primer libro, sostiene el peso de la historia, o mejor dicho, lo más interesante de ella, durante toda la primera temporada. Interpretado por tres actores: el hermano Day (Pace), el hermano menor Dawn (Cassian Bilton) y el hermano mayor Dusk (Terrence Mann), Cleon representa un autoritarismo vitalicio que invita a reflexionar sobre la clonación, la necesidad de mutabilidad de las cosas y la permanencia.
Los tres personajes que encarnan los clones presentes de Cleón I tienen una relación de intrigas y luchas de poder, y son percibidos como la mayor amenaza contra el desarrollo de la humanidad en distintos planetas y religiones.
Los clones de Cleon tienen el cometido de ser exactamente iguales a él, con una serie de indicadores que muestran si el clon es válido para continuar el legado del primero. La amenaza de corrupción genética mediante sabotaje, las propias preguntas que se hacen a sí mismos los clones y la visión que tienen de ellos en distintos planetas y religiones que se encuentran dentro del Imperio Galáctico son ciencia ficción, pura y dura.
El personaje de Demerzel retoma la eterna cuestión de la evolución y la conciencia de las IA.
Un imperio galáctico hipertecnológico que no recuerda ya en qué planeta vivieron los primeros seres humanos, ¿ha podido prosperar solo por un mando único con visión de futuro o es ese mando el que está impidiendo que los seres humanos se desarrollen?
Los puntos débiles de Foundation
A pesar de que, como escribí anteriormente sobre Foundation, hay personajes que no estaban en los libros y cuyas historias se escriben para poder dar continuidad narrativa a la serie, el desarrollo de la primera temporada es discontinuo en cuanto a su relevancia y al interés que despiertan sus propias tramas.
Si bien Salvor Hardin (Leah Harvey) se convierte en una pieza clave para el surgimiento de la esperada revolución en los confines del imperio, su conexión esotérica con Gaal Dornick (Lou Llobell) y su historia de amor alejan a Foundation de la ciencia ficción y la llevan al terreno de la fantasía.
En definitiva, las tramas prolongadas y el relleno que no lleva a ninguna parte hacen que desilusione a los fanáticos de Asimov. Y, si quería hablar de corrupción, política, religión y almas, se ha quedado bastante lejos también de otras series de ciencia ficción que han llevado la reflexión sobre estos temas a niveles muy profundos, como Westworld.
No obstante, cómo no, esperaremos ansiosos a la segunda temporada.
30 diciembre, 2021
Originalidad: las ocho series más innovadoras
Me está fascinando tanto la serie The Third Day, con su parte intermedia de evento teatral inmersivo en directo durante 12 horas en colaboración con Punchdrunk, que no he podido evitar recordar otras series que me han maravillado por su originalidad en el planteamiento o la ejecución.
Aquí va mi lista: Oz, Treme, The Leftovers, The Young Pope (y The New Pope), Lodge 49, Fleabag, The Third Day y Legion.

Originalidad e intensidad emocional
Oz tenía que estar y ser, además, la primera, porque es la que más años tiene y la pionera. HBO ya despuntaba allá en 1997 por la calidad de sus series. En este caso, con una puesta en escena muy teatral y unos personajes y tramas en los que no daban respiro al espectador.
Treme es otra producción de HBO que todo seriéfilo ha visto al menos una vez. Con la firma de David Simon y Eric Overmeyr, retrata el día a día de la vida en este barrio de la Nueva Orleans recientemente azotada por el huracán Katrina y cómo los habitantes sobreviven entre la precariedad y la depresión mientras los grandes magnates hacen su agosto con la corrupción. Y todo ello acompañado de una banda sonora exquisita, como no podía ser de otra manera tratándose de la cuna del jazz.

The Leftovers, también de HBO, entra en el podio de la originalidad y la calidad. Damon Lindelof (Prometheus, World War Z, Phineas and Ferb) supo adaptar la novela de Tom Perrota para sumergirnos a todos en un universo de terrible ensoñación en el que todos sus supervivientes afrontaban el vacío que habían dejado, literalmente, millones de personas.
Uno de los puntos a favor de The Leftovers es que nunca pretendió explicar el porqué, sino simplemente hacernos flotar unas veces, hundirnos en la miseria y en la desolación otras, en un viaje audiovisual de los que no se suelen hacer muy a menudo, y con el aderezo de una intensa y melancólica banda sonora de Max Richter que sabe recoger toda la emoción contenida en esta serie que mantiene al público aguantando constantemente la respiración.

Originalidad y surrealismo
Seguimos para bingo con HBO con The Young Pope y The New Pope, dos deliciosas extravagancias con la marca de Paolo Sorrentino. A medio camino entre el surrealismo y el magistral cine político y de denuncia del napolitano (no olvidemos su magnífico film Il Divo), es una elegante y blasfema crítica a la corrupción, la megalomanía, el endiosamiento, la hipocresía, lujuria y demás vicios del Vaticano. Y con Jude Law y John Malkovich bordando los papeles papales. ¡Qué más se puede pedir!

En cuanto a Lodge 49, que no ha superado la criba de AMC (centrada mayoritariamente en la estafa de The Walking Dead) y ha sido cancelada tras una frenética segunda temporada, es una serie atípica de comienzo a fin. Realismo duro del que sufren millones de personas que no pueden llegar a fin de mes a pesar de trabajar, combinado con un realismo mágico y un aire de fantasía que sabes que es irreal pero, al igual que los personajes, te quieres aferrar a él porque así al menos parece que queda algo de esperanza.
Lodge 49, ya lo dije en un post hace tiempo, es una serie sobre la clase trabajadora, en la que se suceden disquisiciones filosóficas, situaciones hilarantes y dramas económicos y emocionales. Como la vida misma.
Mi séptima elección como serie brillante por su originalidad es Fleabag, escrita y protagonizada por Phoebe Waller-Bridge y producida por BBC y Amazon Studios. Lo que comienza pareciendo las vicisitudes de una niñata inconsciente egoísta termina siendo una comedia dramática muy profunda en la que el amor, la pérdida y el sentimiento de estar perdido en el mundo se expresan de manera irreverente, sobre todo en la segunda temporada, con su escarceo religioso.

Una gran originalidad de Fleabag es la ruptura constante de la cuarta pared, que hace al espectador cómplice.

The Third Day, la séptima de mi lista, mezcla folk horror, thriller y surrealismo y nos transporta, además, a la increíble (¡y real!) isla de Osea, cuyos habitantes se quedan atrapados cada vez que sube la marea.
Felix Barret y Dennis Kelly, con la producción de Sky Atlantic y HBO, consiguen crear una atmósfera de tensión y terror gracias a la originalidad de su planteamiento, al contar con dos equipos distintos para rodar las dos partes en las que se divide, y gracias a la excelente interpretación de los actores, especialmente de Jude Law.

Como guinda, The Third Day incluye un evento teatral inmersivo de 12 horas de duración, de la mano de la compañía de teatro inmersivo londinense Punchdrunk. El maratón teatral, en el que Jude Law desciende a los infiernos dentro de un ritual del festival pagano que se celebra anualmente en la isla, se emitió en directo a principios de octubre (HBO ha subido a YouTube el resumen, que comparto unas líneas más arriba). Originalmente estaba planteado para que hubiese miles de asistentes, pero los protocolos de seguridad por la pandemia obligaron a modificar el formato.
Terminando ya, en último y octavo puesto llega Legion (Fox). Es la que menos trama tiene, o al menos la que menos me interesa en cuanto al guion de todas, y he dudado de si incluirla o no por eso, pero cada episodio es un auténtico viaje surrealista, puro divertimento y experiencia visual, y eso ya la hace distinta a muchas otras.

No he incluido títulos como BreakingBad, Orange is the New Black, The Wire, The Soprano, Deadwood, Broad City, Six Feet Under, Russian Doll, The Expanse, Raised by wolves, etc. porque, aunque me hayan encantado y me parezcan magistrales, son más evidentes y más tradicionales en su ejecución y la otra lista es de las que, en mi opinión, más se han atrevido a innovar a la hora de narrar, y con una factura impecable.
Ni siquiera comparten género o temática, simplemente son aquellas en las que he sentido que han tratado de sorprender y hacer pasar a los espectadores por una serie de experiencias y emociones inusitadas. Aquellas que, gracias a su originalidad, consiguen superar las limitaciones del medio en el que se encuentran.
Si no las habéis visto, tenéis unas cuantas horas de deleite por delante.
12 noviembre, 2020
El entramado de Dark, el culebrón scifi
No he querido escribir sobre Dark nada más terminar de verla porque es de esas series que hay que rumiar para saber si te ha gustado o si realmente te ha parecido una estafa. Pero, a pesar del tiempo que ha pasado desde que la acabé, mi veredicto final es inconcluso, pues por una parte considero excesivo el entramado que se crea entre los personajes, pero, por otro, valoro muy positivamente los temas que incluye.
El entramado genealógico
Tras tres temporadas dando vueltas en el tiempo, con paradojas en las que jóvenes se convierten en sus propios abuelos y abuelas, el cierre ha sido bastante claro, si bien deja la sensación de que para este viaje no hacían falta tantas alforjas.
Hasta los propios personajes realizan sus propios árboles genealógicos para descifrar el entramado.
Cuando para comprender una producción audiovisual hay que recurrir a esquemas externos que expliquen las conexiones entre los personajes porque absolutamente todos los espectadores están perdidos es que algo no has narrado bien (en general aplico lo mismo a las obras de arte: cuando ves las Pinturas Negras de Goya, seas un adulto que conoce la historia o un niño de 4 años, te impresiona. Si tienes que ver una obra de arte contemporáneo con un folletito que te la explique porque no te causa ninguna emoción, la factura es mediocre).
Si en la segunda temporada la trama y la relación entre los personajes se complicaba cada vez más, en la tercera, con la inclusión de un mundo nuevo, la dificultad para seguirla ha sido una tónica entre la mayor parte de sus admiradores, entre los que, pese a todo, me incluyo.
La parte filosófica
El exceso de entramado y relaciones de culebrón entre los personajes, sin embargo, se compensa con un aspecto filosófico marcado por el determinismo y la falta de libre albedrío. Y es que, aunque el camino de la mayor parte de los personajes está empedrado de buenas intenciones (como el del infierno, según dice el refrán), nada de lo que hagan les va a salvar de su propia naturaleza… y destino.
Adán y Eva, la mayor referencia bíblica en Dark.
En Dark hay un gran número de referencias bíblicas, entre las cuales destaca la presencia de Adán (Jonas) y Eva (Martha), cuyo amor está marcado por la fatalidad y nace en sí mismo de un pecado que ellos piensan que es otro, pero cuya verdad no se revela hasta el final de la serie.
Un detalle filosófico importante lo constituye también el mito de Ariadna. La protagonista, Martha Nielsen, aparece representando su papel en el instituto, y representa simbólicamente el mito griego en el que Ariadna, hija del rey Minos, que tenía encerrado en un laberinto al Minotauro, entrega a Teseo un ovillo para que, una vez dentro, fuera desenrollándolo y pudiera indicarle el camino de regreso. Teseo sería Jonas, y entre ambos tendrían que resolver el laberinto temporal que constituye Dark.
Los inquietantes personajes que aparecen en la tercera temporada se desvelan al final…
No quiero extenderme más porque esta serie es importante verla sin spoilers para poder disfrutar del entramado que se va tejiendo y la confusión reinante, en una atmósfera densa, oscura y muy bien conseguida. Porque, todo hay que decirlo, Dark está muy por encima de muchas de las producciones de Netflix con esta temática fantástica – scifi.
La ambientación es más cercana al terror que al scifi, y está muy lograda.
Como bonus track sí voy a anunciar que los creadores de esta producción alemana, Bo Odar y Jantje Friese, han comenzado con la misma plataforma el rodaje de su nueva serie, 1899, que seguirá a los pasajeros de una embarcación que está cruzando el Atlántico, desde Londres a Nueva York, en busca del Nuevo Mundo.

28 septiembre, 2020
Cuarentena: nuevas series para amenizar el tiempo (Parte II)
#Yomequedoencasa, ya os lo dije en otro post. Y todos tendríamos que hacer esta cuarentena si queremos frenar la curva de contagios del coronavirus, sin andar buscando excusas para salir a la calle cada poco, que es lo que desgraciadamente se sigue viendo. ¿Y cómo hago para no querer arrancarme los ojos? Pues aprovecho para ver todas las series que tenía pendientes y a las que no conseguía llegar por el ritmo frenético del trabajo.
Hoy traigo aquí el listado de las nuevas series a las que estoy empezando a hincar el diente.
Cuarentena con novedades seriéfilas
I am not okey with this, de Netflix, es la primera de las nuevas series que he decidido ver en esta cuarentena, y de momento no puedo estar más satisfecho de la elección. Para poneros en antecedentes, no se trata de una serie de adolescentes más, sino que combina la crudeza de Euphoria con la fantasía de series de superhéroes que más bien son antihéroes, como The Boys.
Sydney atraviesa las complejidades de la escuela secundaria, la familia y su sexualidad.
Irreverente y con personajes bien definidos, creo que va a ser uno de los mejores descubrimientos del año.
Evil, del canal SyFy, será la segunda, por diversas razones. En primer lugar, porque se trata de una nueva creación de Robert y Michelle King, el matrimonio que tantos buenos ratos me ha hecho pasar con The good wife, The good fight o BrainDead.
En este caso, aunque parece que por primera vez en sus series, no van a tratarse temas políticos, la mezcla de humor, terror, thriller psicológico y un enfoque esotérico de la Iglesia Católica, promete.
Evil es la nueva propuesta de Robert y Michelle King.
Aunque The Morning Show (Apple TV+) la estrenaron en noviembre de 2019 para mí es una de las grandes pendientes, así que voy a empezarla en esta cuarentena. Jennifer Aniston y Reese Witherspoon sobre el fenómeno #MeToo es algo que no me quiero perder.
Tampoco me perdería por nada del mundo a Al Pacino cazando y torturando nazis en Hunters, de Amazon Prime Video, una serie que nace con mucha polémica en esta sociedad de lo políticamente correcto, pero que promete ser una maravilla del humor negro.
Y humor negro parece que tiene también, y en grandes cantidades, otra de las propuestas que me hago a mí mismo para esta cuarentena: Exit, de Filmin, una producción noruega sobre la corrupción moral y los excesos de los directivos de entidades financieras.
Estas son, de momento, mis apuestas para estos días. #Yomequedoencasa con ellas. Y vosotros, ¿con cuáles vais a matar pasar el tiempo?
30 marzo, 2020
Adaptación de The Witcher defrauda a los admiradores
Cuando se hace una adaptación de una novela o una saga, como es en este caso The Witcher, hay que hacerla con mucho mimo, cuidando mucho conservar la esencia, por un lado, y no dejarse en el tintero cuestiones importantes que contextualizan la historia. En el caso de la serie de fantasía que ha producido Netflix sobre las novelas del escritor polaco Andrzej Sapkowski se descuidan ambas, y el resultado es nefasto y una estafa para los admiradores.
La adaptación de Geralt
Desde el primer episodio llaman la atención muchas cuestiones: los saltos temporales que avanzan en unos minutos lo que en los libros tarda tiempo en desvelarse (como el porqué lo llaman “Carnicero”) y lo plano del personaje.
En los libros, Geralt de Rivia es un niño abandonado por Visenna, una madre que en los libros se presenta como un ser egoísta que lo traumatizó y lo dejó en la puerta de Kaer Morhen para convertirse ella también en druida.
El entrenamiento intensivo y la mutación genética experimentada lo mejoraron en cuanto a fuerza, rapidez o resistencia, pero le hicieron durísimas condiciones y dañaron sus ojos. Además vio a muchos de sus amigos morir, lo que supuso un sufrimiento que acarrea consigo.
Durante su profesión de cazador de monstruos descubre, además, un mundo mezquino y miserable en el que las pasiones y las bajezas suelen ser causantes de muchos males y los peores monstruos resultan ser casi siempre los de carne y huesos… humanos. Eso genera el escepticismo que muestra invocando el Derecho de la Sorpresa en la doble boda de la reina Calanthe y la princesa Pavetta.
Para que en esta escena el escepticismo de Geralt fuese verosímil, tendrían que haber contextualizado más el mundo en el que viven, donde la corrupción humana prevalece por encima de los monstruos.
Pero en la serie nada de esto se refleja. Nos muestran un Geralt de Rivia insustancial (la elección del actor tampoco ayuda), sin contextualizar, con tres o cuatro hazañas en las que tiene éxito (no es así en los libros, pues muchas de las veces se va dolido y sin haber podido solucionar nada), mujeriego y superficial.
Con esa presentación del personaje, no se entiende que se ría del destino y del Derecho a la Sorpresa y todas sus decisiones parecen inconexas y hasta estúpidas.
Una adaptación muy comercial
La adaptación, además, ha sido realizada con objetivos puramente comerciales, y esto se nota en la forma en que tratan la relación entre Geralt y Yennefer de Vengerberg, la poderosa bruja que en la serie es relegada a mujer fatal.
Yennefer en los libros tiene un personaje muy importante e interesante que busca sumar poder. En la serie queda relegada a amante de Geralt.
La relación que mantienen ambos en los libros es profunda a la par que desprendida, debido a la cantidad de años que vive cada uno (paso del tiempo que tampoco logran transmitir en la serie). Geralt, incluso, está bastante más interesado en ella que ella en él y, sin embargo, en la serie ella aparece como una tórtola engañada cuando su personaje tiene una curiosidad y una fuerza que la llevan a explorar siempre nuevos límites con su magia, su verdadera pasión.
La historia de amor, que en los libros es un elemento más que no entorpece ni eclipsa el resto de tramas, en la serie se hace omnipresente en forma de amor romántico al uso.
Fallo en la adaptación del contexto
Otro error que desmerece el resultado es cómo se ha realizado la adaptación del contexto, mencionando de pasada la conjunción de las esferas que ha dado lugar a ese mundo plagado de monstruos y donde quien maneja la magia ostenta el poder.
De manera superficial se aborda también la corrupción del estamento de los magos y cómo su única función es la de autopreservarse, no la de contribuir al bienestar de los ciudadanos de los distintos reyes a los que sirven.
Aretuza y el círculo de magos son un nido de corrupción que solo buscan seguir ostentando el poder.
Se presenta así de manera muy maniquea y como malvado al Imperio de Nilfgaard, que, en los libros se ve perfectamente que intenta unificar los reinos para quitar poder a los magos. La búsqueda que Emhyr var Emreis hace de la princesa Cirilla tampoco se entiende en este contexto tan mal explicado. ¡Solo puede quererla para hacer algo malo!
Y así, entre cuestiones cruciales que el espectador debe de suponer porque la adaptación no las narra, tópicos y sinsentidos, discurre esta primera temporada de The Witcher que nos ha dejado fríos a muchos que la esperábamos como agua de mayo. Esperemos que hagan caso de las críticas y pongan más mimo a la hora de hacer la segunda y que no sea otra estafa.
15 enero, 2020
Terror en las series: mi ranking particular
Llega Halloween y todo blog que se precie tiene que tener su ranking particular de series de terror para ver estos días en los que las telarañas pasan de ser un desagradable encuentro a una exquisita decoración, así que aquí va el mío.
En él encontraréis mi visión particular del tema, pues me decanto más por el terror psicológico y la perspectiva del Día de Difuntos que por el folclore estadounidense que acompaña a las fechas, aunque no hago ascos a nada.
Les Revenants
Si pienso en el Día de Difuntos inmediatamente se me viene a la memoria esta producción francesa de Canal+ en la que, sin previo aviso, unas cuantas personas de diferentes edades regresan a lo que fueron sus hogares y provocan desazón, terror y malestar entre sus seres queridos, que han encontrado la forma de lidiar con su muerte y ahora tienen dificultades para reinsertarlos en sus vidas.
¿Cómo te sentirías si uno de tus seres más queridos regresase de la muerte?
A este suceso se unen una serie de anomalías que están sucediendo en la región y que generan una atmósfera muy agobiante, tanto para los protagonistas como para los espectadores.
Six Feet Under
De Six Feet Under ya he hablado aquí en alguna ocasión aludiendo a su grandísima calidad y a su impactante final. Hoy la incluyo en este listado porque es serie de difuntos por excelencia, pues la familia protagonista posee una funeraria y, además, tiene una conexión especial con los muertos.
Una de las muertes más tristes de las series de televisión: Nate Fisher de Six Feet Under.
The Leftovers
En The Leftovers no hay muertos, hay algo muchísimo peor que eso: desaparecidos. Porque un desaparecido es un muerto al que nadie ha podido despedir, una herida abierta constante, como bien saben los familiares de represaliados durante las dictaduras.
¿Cómo nos sentiríamos si, de repente, se desvaneciese el 2% de la población? The Leftovers explora sentimientos.
La oscuridad de The Leftovers es la de un mundo que tiene que lidiar con millones de desapariciones instantáneas e inexplicables. Un mundo donde afloran el pensamiento mágico, las sectas, las depresiones y los trastornos psicológicos. ¿Qué puede dar más terror que eso?
Inside No 9
De Inside No 9 quiero hablar específicamente en otro post, pero no podía hacer una lista sobre series en las que lo macabro es una parte esencial sin incluirla. Esta joya de la BBC se compone de capítulos de 29 minutos autoconcluyentes con historias que oscilan entre la comedia negra y lo paranormal, aunque siempre suelen tener explicaciones muy humanas… demasiado.
Algunos episodios son más truculentos, otros más hilarantes, pero todos guardan en común su puesta en escena teatral y la magnífica interpretación de los actores y actrices.
Penny Dreadful
Si hablamos de lo paranormal, tenemos que incluir a Penny Dreadful, una serie de miedo y suspense en la que aparecen personajes clásicos de la literatura como Drácula, Dr. Jekyll, Frankenstein, etc.
La moral victoriana y la decadencia del siglo XIX como trasfondo hacen el resto.
Taboo
En el siglo XIX y con sucesos paranormales también se desarrolla la trama de Taboo, de la que he hablado aquí alguna vez.
FX y BBC conjugan la perspectiva histórica de la guerra anglo-estadounidense de 1812 que enfrentó al Reino Unido y sus colonias canadienses con Estados Unidos por el control de los territorios canadienses pertenecientes al imperio británico, y la corrupción imperante en la época con brujería, misterio y poderes sobrenaturales.
Tom Hardy borda su papel en Taboo
The Terror
Seguimos con el siglo XIX, que tanta inspiración ha dado a escritores y guionistas, para hablar de The Terror, que se enmarca en la expedición de la Marina Real Británica que es enviada en 1847 al Ártico en busca del Paso del Noroeste.
Frío aterrador, mundos desconocidos y depredadores misteriosos son sus ingredientes principales para hacer que los espectadores se queden pegados a su asiento con los ojos muy, muy abiertos.
American Horror Story
Unas cuantas temporadas abordando diversos tópicos del género del terror avalan a American Horror Story para convertirse en una gran serie para ver estos días.
Ya solo por ver la magnífica interpretación de Jessica Lange, soberbia, compensa ver esta serie.
Historias originales, personajes oscuros y complejos, una visión distinta de tramas como los psiquiátricos, las casas encantadas, las brujas, etc. y la maravillosa actuación de la gran Jessica Lange caracterizan a esta producción con temporadas autoconcluyentes.
Dark
Esta producción alemana, que lleva hasta la fecha dos temporadas, se enmarca más en el género de la ciencia ficción por sus paradojas temporales, pero la incluyo aquí por su tono, más en la línea del género del terror y el suspense que el scifi.
Momentos de tensión y terror en Dark.
Los personajes, que viajan a través del tiempo, van configurándose para convertirse en su propia perdición.
True Blood
Cambiando un poco de tercio y entrando en terrenos más cercanos a la comedia está True Blood, la serie donde los vampiros han “salido del armario” y conviven en una paz tensa con los humanos.
En un pueblo de Estados Unidos, una chica llamada Sookie se convierte en el epicentro de toda una serie de intrigas y relaciones amorosas.
Este tipo de imágenes ya dejan entrever que no se trata de una serie de mucha calidad, pero, como os digo, se pasan buenos ratos con ella.
No es que sea una maravilla de serie, pero entretiene bastante.
Dead Set
Y, para finalizar, una desternillante comedia negra de zombis ambientada en un reality de televisión en el que muchos personajes son insoportables, huecos y estúpidos.
Con deciros que lleva el sello de Charlie Brooker, de Black Mirror, debería servir para que la buscarais si no la habéis visto ya.
Y aquí termina mi particular listado para este puente de difuntos. Espero que os gusten.
31 octubre, 2019
Final de Sense8: estafa consumada
Finiquitado y visto el final de Sense8 tras la única y última oportunidad que le dieron tras el movimiento de fans a nivel mundial protestando por su cancelación, solo puedo decir que la cadena no estaba equivocada. Guion inverosímil, diálogos absurdos y rodajes excesivos hacen de Sense8 una serie pretenciosa de las que al final estafa.
Final presuntuoso
Sé que quizá esta crítica sea considerada polémica porque lo que he leído hasta ahora eran todo elogios, no sé si porque ya solo quedaban fans acérrimos viéndola o si el mito de las Wachowski sigue vivo y todo lo que hagan se considera como excelente, aunque no lo sea.
Lo cierto es que hace tiempo que Sense8 perdió cualquier posibilidad de llevar un hilo verosímil (recordemos que la verosimilitud se tiene que dar en todos los géneros, incluidos la fantasía y la ciencia ficción).
A las absurdas persecuciones policiales de la segunda temporada, la caricatura de personajes como el de Lito y la presentación de los otros clanes de conectados se unen en este episodio final la prisa por cerrar y la necesidad de hacer todo artificioso y pomposo.
En este sentido en el capítulo final se incluyen escenas de persecución y acción completamente gratuitas que glorifican la violencia hasta un punto que resulta contradictorio con el supuesto mensaje que quieren mandar sobre la necesidad de conectarse a través de la empatía y el amor.
Exceso de explosiones que recuerdan a este sketch de Robot Chicken sobre Michael Bay, disparos y voladuras de helicópteros que, suponemos, habrán ocasionado un gasto de producción completamente prescindible, sumado a unos personajes cada vez peor representados, quizá porque no se creen ni ellos lo que están interpretando.
Diálogos que provocan vergüenza ajena
Otra de las características de los últimos tiempos de la serie son los diálogos facilones, con frases manidas, cargados de exabruptos y sin apenas trascendencia.
Haber esperado tanto tiempo para este último episodio y que la calidad de los diálogos no haya mejorado ni un ápice y te encuentres a personajes diciendo obviedades, gastando metraje en diálogos absurdos resulta bastante risible.
Porque al final te das cuenta de que Sense8 no es otra cosa que un cúmulo de clichés que ya has visto en muchos sitios antes, por mucho que la intenten revestir de algo transgresor.
Final sexual
Y es que uno de los puntos fuertes con los que empezaba la serie su primera temporada era introducir distintos tipos de amor y relaciones sociales y sexuales entre las personas, normalizar la homosexualidad, la transexualidad y el poliamor.
Pero cuando esto se realiza bajo el prisma de los estereotipos sociales, porque todos los personajes principales son guapísimos y esbeltos, y desde una postura un tanto forzada, el resultado es una caricatura.
De hecho, los personajes son extremadamente superficiales, hasta el punto de no saber mantener coherencia con la situación que están viviendo, diciendo auténticas chorradas.

Si de tratar estos temas va la cosa, hay precedentes de gran calidad, como Shortbus, en los que se ponen sobre la mesa un montón de cuestiones de forma atractiva a la par que seria.
Que la última imagen de Sense8 sea la de un consolador mojado y usado para mí es una metáfora de que esta serie ha sido el onanismo de sus creadoras. Que puede haber quienes participen de esta fantasía, pero a nivel narrativo deja mucho que desear, y los números de audiencia me dan la razón.
22 junio, 2018

Tag: fantasía

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