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El Problema de los Tres Cuerpos no logra capturar la grandeza del libro
Para los amantes de la ciencia ficción, la trilogía de “El Problema de los Tres Cuerpos” de Liu Cixin representa una de las obras más ambiciosas y fascinantes del género en los últimos años. La complejidad de su trama, la profundidad de sus personajes y la vastedad de sus conceptos científicos han hecho que esta saga se gane un lugar especial en el corazón de muchos lectores. Sin embargo, la reciente adaptación televisiva no ha logrado estar a la altura de las expectativas que generó el libro. Aquí, exploraremos los puntos fuertes del libro y los fallos de la serie que impiden que esta última sea una digna representación de la obra original.
El libro “El Problema de los Tres Cuerpos” destaca por su brillante uso de la ciencia y la filosofía para explorar temas complejos como el contacto extraterrestre, la supervivencia y la naturaleza de la civilización. Liu Cixin construye un universo lleno de detalles y teje una narrativa que desafía la imaginación y la comprensión. La habilidad del autor para mezclar teoría científica real con una narrativa fascinante es lo que hace que el libro sea una experiencia tan enriquecedora y única. La trama se desarrolla con una precisión casi matemática, y cada giro está cuidadosamente calculado para mantener al lector al borde del asiento.
Lamentablemente, la serie no ha podido capturar esta esencia. Uno de los mayores problemas es la superficialidad con la que se han tratado los conceptos científicos. Mientras que el libro dedica páginas enteras a explicar y desentrañar teorías complejas, la serie opta por simplificaciones excesivas que restan profundidad y, en muchos casos, dejan al espectador confundido o insatisfecho. La falta de una explicación adecuada de los principios científicos clave no solo diluye el impacto de la historia, sino que también pierde la oportunidad de educar y fascinar a la audiencia.
Otro punto débil de la serie es la caracterización de los personajes. En el libro, los personajes son complejos y multidimensionales, con motivaciones profundas y conflictos internos que reflejan la lucha por la supervivencia y la moralidad. La serie, en cambio, presenta personajes planos y a menudo estereotipados. Las actuaciones, aunque competentes, no logran transmitir la profundidad emocional que es tan palpable en el libro. La conexión emocional que uno siente al leer sobre las tribulaciones de Wang Miao o la desgarradora historia de Ye Wenjie simplemente no se traduce en la pantalla.
Además, la narrativa de la serie sufre de una falta de ritmo adecuado. El libro, a pesar de su complejidad, maneja un ritmo que mantiene al lector enganchado. La serie, sin embargo, parece tropezar con su propia estructura, a menudo pasando demasiado tiempo en escenas irrelevantes mientras que las partes cruciales de la trama se apresuran. Esto resulta en una experiencia de visualización que se siente desarticulada y, en ocasiones, aburrida.
Visualmente, aunque la serie intenta recrear algunos de los escenarios más impresionantes del libro, los efectos especiales y la cinematografía a menudo no están a la altura. La grandeza del universo de Liu Cixin merece una representación visual que sea igualmente épica, y, lamentablemente, la serie no logra cumplir con esta expectativa.
En conclusión, “El Problema de los Tres Cuerpos” es un libro que desafía y recompensa a sus lectores con una narrativa rica y conceptos científicos fascinantes. La serie, sin embargo, falla en capturar la profundidad y la complejidad de la obra original. Para aquellos que han leído el libro, la serie probablemente será una decepción, y para los nuevos espectadores, podría no ofrecer una experiencia que refleje la grandeza de la obra de Liu Cixin. Es una oportunidad perdida de llevar una historia magnífica a un público más amplio, y uno solo puede esperar que futuras adaptaciones puedan hacer justicia a este increíble trabajo literario.
2 diciembre, 2024
Explorando el éxito de “Fallout”: la serie que atrapa a todos
Desde su lanzamiento, la serie “Fallout” ha conseguido captar la atención no solo de los fanáticos de los videojuegos, sino también de un público mucho más amplio, incluyendo a aquellos que jamás han tenido un control en sus manos. ¿Cómo ha logrado una adaptación de un juego tan icónico como “Fallout” interesar a personas que no tienen ninguna inclinación hacia el mundo gamer? Aquí exploramos las claves de este sorprendente éxito.
En primer lugar, es importante destacar la riqueza del universo “Fallout”. Ambientada en un mundo post-apocalíptico, la serie presenta una visión única y detallada de un futuro devastado por la guerra nuclear. Esta atmósfera desoladora y, al mismo tiempo, fascinante, ha sido trasladada a la pantalla con una fidelidad impresionante. Los creadores han logrado capturar la esencia del juego, desde los paisajes devastados hasta la arquitectura retro-futurista, creando un escenario que por sí solo es capaz de intrigar a cualquier espectador.
Uno de los aspectos más destacados de la serie es su narrativa profunda y bien construida. La trama no se limita a seguir los eventos del juego, sino que los expande y enriquece, ofreciendo una historia compleja que aborda temas universales como la supervivencia, la esperanza y la lucha por un futuro mejor. Los personajes están meticulosamente desarrollados, cada uno con sus propias motivaciones, miedos y esperanzas, lo que permite a la audiencia establecer una conexión emocional con ellos, independientemente de su familiaridad con el material original.
La serie también ha sabido integrar elementos de crítica social de una manera que resuena con el público actual. La representación de un mundo donde la corrupción y el abuso de poder han llevado a la humanidad al borde de la extinción es un tema que, lamentablemente, encuentra eco en muchas realidades contemporáneas. Esta crítica subyacente añade una capa adicional de profundidad a la serie, convirtiéndola en algo más que una simple adaptación de un videojuego.
Además, “Fallout” ha conseguido atraer a una audiencia diversa gracias a su enfoque inclusivo. Los personajes reflejan una amplia gama de experiencias y trasfondos, lo que facilita que diferentes grupos de espectadores se sientan representados. Este compromiso con la diversidad no solo enriquece la narrativa, sino que también envía un mensaje positivo y relevante en la industria del entretenimiento.
Otro factor crucial en el éxito de la serie es la calidad de su producción. Desde los efectos especiales hasta el diseño de vestuario y la banda sonora, cada aspecto técnico de “Fallout” ha sido ejecutado con un alto nivel de excelencia. Esta atención al detalle no solo recrea de manera fiel el mundo del juego, sino que también ofrece una experiencia visual y auditiva inmersiva que puede competir con cualquier otra serie de alto presupuesto.
Por último, la serie ha sabido aprovechar el marketing de una manera inteligente. A través de campañas en redes sociales y colaboraciones con influencers, ha logrado generar un gran interés y expectación incluso entre aquellos que nunca habían oído hablar del juego. Las plataformas de streaming también han jugado un papel importante, facilitando el acceso a la serie y permitiendo que llegue a una audiencia global.
En resumen, “Fallout” ha roto barreras y se ha establecido como una serie imprescindible gracias a su narrativa compleja, su crítica social relevante, su diversidad y su calidad de producción. Ha demostrado que una buena historia puede trascender su origen y atraer a un público amplio y variado, incluyendo a aquellos que nunca han jugado un videojuego. Así, “Fallout” no solo ha expandido su propio universo, sino que también ha ampliado los horizontes de lo que puede ser una adaptación de un videojuego.

3 noviembre, 2024
Scavengers Reign: una joya animada en el mundo de la Ciencia Ficción
Scavengers Reign ha emergido como una de las series de animación más destacadas de la actualidad, combinando una animación deslumbrante con una narrativa profunda y emocional que la convierte en una obra maestra del género de ciencia ficción. La serie, creada por Joe Bennett y Charles Huettner, se centra en un grupo de astronautas que luchan por sobrevivir en un planeta alienígena lleno de peligros y maravillas desconocidas.
Lo que distingue a Scavengers Reign es su capacidad para sumergir a los espectadores en un mundo completamente alienígena, tanto en lo visual como en lo narrativo. La animación es simplemente impresionante, evocando el estilo de grandes artistas como Moebius y el espíritu de obras maestras del pasado como “Æon Flux”. Cada episodio presenta paisajes y criaturas que desafían la imaginación, creando una experiencia visualmente rica y envolvente (Flicks).
Los personajes, interpretados por un talentoso elenco de voces, no solo enfrentan desafíos externos, sino también conflictos internos profundos. Esto añade una capa adicional de complejidad y humanidad a la serie, haciendo que los espectadores se sientan profundamente conectados con sus luchas y triunfos. La narrativa, llena de flashbacks y revelaciones, mantiene un constante sentido de intriga y emoción (Flicks).
El Futuro de Scavengers Reign
En cuanto a la segunda temporada de Scavengers Reign, la situación es incierta. A pesar de la aclamación crítica, no hay confirmación oficial sobre la continuación de la serie. Este es un problema recurrente en el mundo de la ciencia ficción televisiva, donde muchas series innovadoras y queridas por los fans se enfrentan a la cancelación prematura. Series como “Raised by Wolves” también han sufrido un destino similar, dejando a sus seguidores con historias incompletas y una sensación de pérdida.
Es fundamental que plataformas como Max y Netflix reconozcan el valor de estas narrativas innovadoras y se comprometan a darles el espacio necesario para desarrollarse plenamente. La cancelación prematura de series de ciencia ficción no solo frustra a los fans, sino que también limita el potencial del género para explorar nuevas fronteras narrativas y visuales. Esperamos que Scavengers Reign reciba la oportunidad de continuar deslumbrando a sus espectadores con una segunda temporada, llevando su narrativa y su impresionante animación a nuevas alturas.
En resumen, Scavengers Reign no solo es un triunfo de la animación y la narrativa de ciencia ficción, sino también un testimonio del poder de la imaginación. Su continuación es necesaria no solo para los fans, sino para el enriquecimiento continuo del género de la ciencia ficción en la televisión.
10 septiembre, 2024
Raised by wolves, reflexiones sobre religión, identidad y naturaleza humana
“Raised by Wolves” es una de esas series de ciencia ficción que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión profunda sobre temas como la religión, la identidad y la naturaleza humana. Creada por Aaron Guzikowski y con la producción ejecutiva de Ridley Scott, la serie ha capturado la atención de los fanáticos del género gracias a su narrativa audaz, personajes complejos y dilemas filosóficos.
Contenido y Forma
La serie se sitúa en el siglo XXII, en un planeta lejano llamado Kepler-22b, donde dos androides, Madre y Padre, intentan criar a un grupo de niños humanos tras la destrucción de la Tierra por una guerra religiosa entre ateos militantes y devotos del culto Sol Mithraico. Este entorno futurista y post-apocalíptico sirve como un lienzo perfecto para explorar temas como la fe, la moralidad y la supervivencia.
La dirección de Scott y la cinematografía son visualmente impresionantes, creando un ambiente que es a la vez alienígena y familiar. La utilización de efectos visuales y prácticos, junto con una narración pausada pero intensa, permite a los espectadores sumergirse completamente en este nuevo mundo.
Personajes y Dilemas Religiosos
Los personajes, en particular Madre (interpretada por Amanda Collin) y Padre (Abubakar Salim), son profundamente tridimensionales. Madre, en su búsqueda por proteger a sus “hijos”, se enfrenta a dilemas éticos y morales que cuestionan su programación y su capacidad para amar. Los niños, especialmente Campion (Winta McGrath), representan la esperanza y la inocencia, pero también el conflicto inherente entre la fe y la razón.
La serie plantea preguntas profundas sobre la religión: ¿Qué significa realmente tener fe? ¿Puede la ciencia reemplazar la necesidad de una creencia espiritual? ¿Qué sucede cuando los dogmas religiosos se enfrentan con la lógica fría de los androides? Estas preguntas no solo son relevantes en el contexto de la serie, sino que también reflejan debates contemporáneos en nuestra propia sociedad.
La Tercera Temporada: Un Futuro Incierto
A pesar de su éxito y la aclamación crítica, “Raised by Wolves” fue cancelada por HBO Max después de dos temporadas. Los fans se quedaron con muchos misterios sin resolver, especialmente la conexión entre la Tierra y Kepler-22b, y el destino de sus personajes principales. Aunque los creadores y los fans han hecho esfuerzos por revivir la serie en otra plataforma, hasta ahora no hay confirmación oficial de una tercera temporada (Fiction Horizon) (Winter is Coming).
Una Protesta Necesaria
La cancelación de “Raised by Wolves” es un ejemplo más de cómo las series de ciencia ficción a menudo se enfrentan a un destino incierto, a pesar de contar con bases sólidas y fanáticos dedicados. Este fenómeno no es nuevo; muchas series del género han sido truncadas antes de tiempo, dejando a los seguidores frustrados y con historias incompletas.
Es vital que las plataformas de streaming y los estudios reconozcan el valor de la ciencia ficción no solo como entretenimiento, sino como un medio para explorar cuestiones filosóficas y científicas que reflejan y desafían nuestra realidad. La cancelación de series como “Raised by Wolves” priva a la audiencia de una narrativa rica y provoca una pérdida significativa en el paisaje cultural y creativo.
En resumen, “Raised by Wolves” es una serie que merece ser salvada y continuada. No solo por sus impresionantes valores de producción y narrativa envolvente, sino por las importantes preguntas que plantea sobre la naturaleza de la humanidad y la fe. Esperemos que alguna plataforma tome la iniciativa y permita que esta historia continúe, para el deleite y la reflexión de sus seguidores.
16 agosto, 2024
Foundation, infiel a Asimov, construye su propio relato
Siempre se ha dicho que Foundation, una de las muchas obras maestras de Isaac Asimov, era imposible de filmar, y el intento que han hecho en Apple TV+ lo confirma, pues, lejos de la serie de libros original, ha terminado por construir su propio relato, no sabemos si por exigencias narrativas o por falta de capacidad para hacer una adaptación fiel.
Y no puede decirse que esto haya pasado precisamente por falta de presupuesto, ya que los diez episodios de la primera temporada son todo un despliegue de recursos, tanto fílmicos como humanos.
La premisa de Foundation
De lo poco que hay de la historia original en la serie está el matemático y psicólogo Hari Sheldon (un siempre impecable Jared Harris), que predica haber descubierto que el Imperio Galáctico, de 12.000 años de antigüedad, va a caer inevitablemente y convence a Imperio (un soberbio Lee Pace) para que le dé un planeta en el que poder construir una comuna desde la que salvarlo.
Es una premisa grandiosa en términos cronológicos, y muy difícil, por tanto, de llevar a una pantalla. Solo el primer libro de la serie de La Fundación se compone de cinco novelas cortas con personajes que no tienen nada en común y cuyas vidas se desarrollan en 150 años.
En algunos momentos podría decirse que Lee Pace sostiene enteramente la serie.
El showrunner, David S. Goyer, limita Foundation la primera temporada a las dos primeras quintas partes de la novela original y las une de una manera un tanto forzada. La idea de Goyer de que Lee Pace interprete a un emperador Cleon eternamente clonado es una forma inteligente de darle a la serie un antagonista consistente, y es ahí donde reside su éxito.
Cleon, la corrupción política y genética
El emperador Cleon, que apenas figura en el primer libro, sostiene el peso de la historia, o mejor dicho, lo más interesante de ella, durante toda la primera temporada. Interpretado por tres actores: el hermano Day (Pace), el hermano menor Dawn (Cassian Bilton) y el hermano mayor Dusk (Terrence Mann), Cleon representa un autoritarismo vitalicio que invita a reflexionar sobre la clonación, la necesidad de mutabilidad de las cosas y la permanencia.
Los tres personajes que encarnan los clones presentes de Cleón I tienen una relación de intrigas y luchas de poder, y son percibidos como la mayor amenaza contra el desarrollo de la humanidad en distintos planetas y religiones.
Los clones de Cleon tienen el cometido de ser exactamente iguales a él, con una serie de indicadores que muestran si el clon es válido para continuar el legado del primero. La amenaza de corrupción genética mediante sabotaje, las propias preguntas que se hacen a sí mismos los clones y la visión que tienen de ellos en distintos planetas y religiones que se encuentran dentro del Imperio Galáctico son ciencia ficción, pura y dura.
El personaje de Demerzel retoma la eterna cuestión de la evolución y la conciencia de las IA.
Un imperio galáctico hipertecnológico que no recuerda ya en qué planeta vivieron los primeros seres humanos, ¿ha podido prosperar solo por un mando único con visión de futuro o es ese mando el que está impidiendo que los seres humanos se desarrollen?
Los puntos débiles de Foundation
A pesar de que, como escribí anteriormente sobre Foundation, hay personajes que no estaban en los libros y cuyas historias se escriben para poder dar continuidad narrativa a la serie, el desarrollo de la primera temporada es discontinuo en cuanto a su relevancia y al interés que despiertan sus propias tramas.
Si bien Salvor Hardin (Leah Harvey) se convierte en una pieza clave para el surgimiento de la esperada revolución en los confines del imperio, su conexión esotérica con Gaal Dornick (Lou Llobell) y su historia de amor alejan a Foundation de la ciencia ficción y la llevan al terreno de la fantasía.
En definitiva, las tramas prolongadas y el relleno que no lleva a ninguna parte hacen que desilusione a los fanáticos de Asimov. Y, si quería hablar de corrupción, política, religión y almas, se ha quedado bastante lejos también de otras series de ciencia ficción que han llevado la reflexión sobre estos temas a niveles muy profundos, como Westworld.
No obstante, cómo no, esperaremos ansiosos a la segunda temporada.
30 diciembre, 2021
Ambicioso pero insuficiente: Apple TV+ suspende con Foundation
Apple TV+ lo ha dado todo en su adaptación a la televisión de una de las obras más conocidas y veneradas de Isaac Asimov, pero el proyecto, a pesar de resultar ambicioso y tener puntos muy fuertes, resulta insuficiente para plasmar todo lo que Asimov refleja en sus obras.
Presupuesto ambicioso
Si hay algo que se agradece a la puesta en escena de Foundation es que no han escatimado un solo recurso a la hora de mostrar la ambientación y los avances tecnológicos del futuro lejano en el que la humanidad se ha extendido por toda la Galaxia.
Los vaticinios de la “Psicohistoria” de Hari Seldon hacen que el emperador lo condene.
Foundation es un auténtico desafío audiovisual de grandeza infinita. La representación de Trántor y su magnífico Puente Estelar (y su derribo), la nave en la que los acólitos de Hari Seldon (un mesurado y acertado Jared Harris) emprenden su viaje, Términus… todo es una obra de arte que logra que el espectador se quede maravillado.
Golpes cinematográficos revestidos de una banda sonora épica y omnipresente hacen de esta serie de ciencia ficción una auténtica delicia audiovisual. Pero, por muy deslumbrante que resulte de ver, es confusa de seguir, y aquí es donde empiezan los problemas.
Gaal es un personaje femenino muy bien construido, aunque también sorprende la historia de amor en la que, sin avisar, la involucran.
Recreación y estafa
Los relatos de Fundación de Asimov se narran casi en su totalidad a través del diálogo entre políticos en reuniones secretas: en juicios, en sesiones del consejo o en funciones sociales. La mayor parte del texto consiste en teorizar, elaborar estrategias y predecir, de modo que leerlo es como ver una partida de ajedrez de campeonato.
Los personajes aparecen escasamente pincelados por su voz o peculiaridades, pero ampliamente por sus objetivos políticos. Lo importante es la corrupción del Imperio Galáctico y los conflictos con los rebeldes de los planetas periféricos.
Salvor tiene suficiente fuerza como para no tener que verla en una relación amorosa inverosímil y que no aporta nada a la trama.
En la adaptación de Foundation, sin embargo, observamos un exceso de relevancia de los personajes, algunos de ellos inventados y con desmesurada presencia. Es el caso de Salvor Hardin (Leah Harvey) y sus escenas de amor en Términus, que para mí constituyen una estafa o una traición a la obra de Asimov.
Foundation no necesitaba historias románticas, ni héroes ni heroínas de Hollywood, simplemente saber reproducir los interesantes y prolíficos diálogos de la obra de Asimov.
La corrupción de Trántor
Pero no todo es estafa, porque hay que señalar la excelente representación de Trántor y el dilema de los clones de Cleón I, herederos genéticos y perpetuadores del Imperio.
Lee Pace borda el papel de Brother Day en plena corrupción y decadencia del imperio.
En este sentido, Lee Pace borda al ambicioso Hermano Día, de mediana edad, con una soberbia implacable, como suele hacer con todos los personajes que interpreta. Cleon, paradójicamente, es la corrupción moral y la decadencia, pues la ausencia de renovación genética va a llevar a la destrucción y al caos durante 30.000 años, salvo que los discípulos de Hari Seldon consigan su propósito, caso en el que el caos ‘solo’ durará mil años.
Los tres clones gobiernan el Imperio Galáctico criados por una inteligencia artificial (Laura Birn) ladina y un tanto enigmática que va a jugar un papel fundamental en toda la trama.
La IA gobierna el Imperio Galático más que los clones de Cleon.
Foundation, en resumen, tiene todo el potencial de Asimov por delante por explorar, y sería recomendable que se guiasen más por el maestro de la ciencia ficción que por productores preocupados por hacerla digerible a público de gustos fáciles, porque por muy ambicioso que sea el proyecto, si se queda a medio camino, no lo verá nadie.
29 octubre, 2021
Blackpills Movistar impulsa el formato de episodios breves
Movistar ha presentado un nuevo servicio en colaboración con la productora Blackpills por el que ofrecerá acceso a series con episodios ultrabreves como Virgin in Paris, Making a scene o Playground, todas con episodios de entre 15 y 20 minutos de duración.
Blackpills Movistar, disponible a través de Google Play Store para clientes de la plataforma Movistar+, incluye en la actualidad 15 series, con una previsión de aumento de dos series mensuales, a un precio de 2,99 euros.
Aunque la app está ideada para el móvil, en un futuro podría contemplar el ofrecer el servicio a través de canales adicionales, así como su lanzamiento en otros mercados.
La oferta de Blackpills Movistar
Blackpills se describe como “un mundo de miniseries de corta duración, frescas, divertidas e irreverentes para verlas en cualquier momento a través de nuestra aplicación”.
Se trata de series están producidas por talentos cinematográficos internacionales como Luc Besson, James Franco y más estrellas de renombre del cine independiente que distribuyen o trabajan para la productora.
Los títulos que ya están disponibles son Virgin in Paris, Playground, You got trumped, Skal, Making a scene, The social network L.A, Event Zero, Al wrong o Skinford, entre otros.
Virgin in Paris se basa en Virgin, un best-seller young adult de Radhika Sanghani; Making a Scene nos muestra a James Franco recreando secuencias famosas de la historia del cine desde una perspectiva distinta; y Luc Besson presenta una de sus muchas fantasías de jóvenes asesinas profesionales con Playground, rebosante de la acción marca de la casa.
El triunfo de lo breve
Es un paso importante para la exploración de este género de episodios breves, pero seguro, pues en otros países ha tenido muy buen resultado, pues se ajusta a las nuevas formas de consumo de streaming que se dan al utilizar el transporte público para pequeños trayectos, en ratos libres mientras se espera a alguien con quien se ha quedado, etc.
Este formato de serie breve lo encontramos en Love, Death & Robots (Netflix) y sus proyecciones de futuro con ciencia ficción, humor negro y violencia en mundos acabados o derrotados por la corrupción y la guerra; la original Calls (Apple Tv), con sus sucesos de ciencia ficción que vamos conociendo a través de conversaciones telefónicas, o en la más tradicional en cuanto a su puesta en escena pero igualmente original State of the union (Sundance Channel), en la que un matrimonio a punto de romperse conversa durante los 12 minutos previos a entrar a la terapia de pareja.
Nuevos formatos para nuevos públicos o para los mismos de siempre, pero con nuevos hábitos. Toda innovación se agradece.
26 julio, 2021
Solos, una serie sobrevalorada
Cuando los amantes de la ciencia ficción escuchamos que hay una serie nueva del género y que hay muchas personas que la recomiendan, en seguida nos hacemos ilusiones de que vamos a encontrarnos frente a algo interesante y rompedor. No es el caso de Solos (Amazon Prime) que, si bien podría haber sido una producción magnífica, está siendo muy sobrevalorada.
Solos, una serie hecha en pandemia
La primera limitación que se ve en Solos es que sus episodios, independientes y autoconcluyentes, están protagonizados únicamente por un actor (a excepción del último, en el que hay dos) que realiza un monólogo, ya sea consigo mismo, con un doble, con su propio personaje en distintas líneas temporales, o con una IA que aparece de comparsa.
El episodio de Tom se hace largo y pierde interés por momentos.
Es un nuevo formato de reducción de actores que ya han experimentado otras series, como Euphoria, también con nefastos resultados.
Porque, para enganchar y mantener la atención, el ritmo del texto, la interpretación y el contexto tienen que ser los adecuados para no aburrir o no hartar a los espectadores, y es algo que Solos no consigue.
La estafa de los personajes
Ya desde el primer episodio, en el que Anne Hathaway descubre cómo viajar en el tiempo podemos ver una desconexión entre Leah, el personaje que interpreta, una científica que intenta escapar del sufrimiento que la enfermedad de ELA ha producido en su madre, amor de su vida, y las líneas que le atribuyen.
El personaje de Leah presenta estereotipos de género terribles y superficiales pese a tratarse de una gran científica que ha descubierto los viajes en el tiempo.
Es inevitable que cualquier fanático de la ciencia ficción dura se eche las manos a la cabeza viendo cómo se destroza el personaje de una científica exitosa sometiéndola a diálogos propios de las comedias románticas más estúpidas de Hollywood.
Buenos actores y buen planteamiento para una ejecución nefasta.
Y, aunque el de Leah es el caso más sangrante, produce mucha decepción que en el episodio de Sasha hayan dejado pasar la oportunidad de hace que Uzo Aduba se luzca como la grandísima actriz dramática que demostró ser en Orange is the new black y termine siendo un monólogo teatral excesivo y aburrido.
Porque en Solos no hay un solo episodio redondo, como sí lo hay en otras series como Black Mirror, que, a pesar de sus altibajos, ha sabido mantener la calidad general y ha hecho algunos capítulos antológicos. Me atrevería a decir, incluso, que no está dentro del scifi, sino que es un drama aderezado con ciertos toques de ciencia ficción en el contexto y en los decorados, sin más. Si la vais a empezar pensando que tienen algo que ver, sentiréis que es una estafa.

16 julio, 2021
Crueldad, traumas y cambios en The handmaid´s tale
El cuento de la criada (HULU) nos ha dado otra temporada llena de torturas y crueldad contra las mujeres dentro del estado distópico de Gilead, pero lo que parecía que iba a terminar siendo una estafa, ha dado un giro inesperado que hace mantener viva la llama de la esperanza.
Más de lo mismo: crueldad y tortura
Los primeros episodios de esta última entrega sigue siendo un compendio de redundancias en la búsqueda por todos los medios de las criadas fugadas y en la represión a June cuando por fin la encuentran.
La tía Lidia cobra protagonismo en esta temporada
Pasillos oscuros, salas de tortura con instrumentos que recuerdan a la época medieval, hombres terribles dispuestos a dar rienda suelta al máximo a su crueldad, y frente a ellos una June hecha rebelde, luchadora y heroína a la fuerza, sin haber tenido intención ni antes ni durante el desarrollo de la guerra y la implantación de ese estado totalitario.
June visita a Serrena para hacerle pasar por lo mismo que le hizo ella cuando tenía el control en Gilead. Una escena catártica que muchos estábamos deseando.
Pero la paciencia tiene sus frutos y cuando a mitad de la temporada ya se iba decantando por ser una estafa, en el sexto episodio el personaje de June comienza a transformarse para traspasar las fronteras de la víctima y entrar de lleno en un inquietante terreno en el que, por fin (para ella y para nosotros, los espectadores), puede empezar a resarcirse del daño, aunque no siempre lo va a hacer con quién más se lo merezca.
Por qué nos engancha toda esta crueldad
El caso de The handmaid´s tale es paradigmático en lo que a visión de horrores se refiere. Si la lectura de Margaret Atwood ya es desgarradora de por sí, la serie ha conseguido llevar las atrocidades de un estado totalitario y embrutecido a los límites de lo soportable.
No en vano está la pregunta en el aire de si habrán cruzado líneas rojas y se habrá convertido en una suerte de pornografía del horror, y aun así, asustados, acongojados, enfadados… seguimos viéndola.
Ya en junio de 2019 la psicóloga clínica Sheela Raja, profesora asociada de la Universidad de Illinois en Chicago, teorizaba en Bustle sobre el tema y señalaba que los espectadores nos dividimos en tres categorías: aquellos que disfrutan de la adrenalina de ver mundos distópicos, realidades alternativas similares a las nuestras; aquellos que se relacionan con el trauma representado en la pantalla debido a vivencias anteriores, y aquellos que se involucran política o intelectualmente en el contenido.
Además, no todo es crueldad y sufrimiento, pues también hay espacio para las relaciones y el amor dentro de los límites que impone Gilead.
Los que ella llama los “jinetes de la montaña rusa” se corresponderían con el primer grupo y al apagar la pantalla no pensarían mucho más en ello. Los del segundo grupo utilizarían la serie como una forma de catarsis de sus propias batallas personales, les serviría para ver que no están solos. Y los del tercero la usarían para aclarar sus propias opiniones políticas, intelectualizando problemas de la vida cotidiana y sus peores pronósticos.
Por supuesto, no se trataría de categorías excluyentes, pero básicamente esas serían las formas en las que nos involucramos con la serie.
Yo me identifico con el tercer grupo y extraigo conclusiones como la hipocresía de toda la jerarquía de Gilead, que promueve el orden, la familia y la honradez y está repleta de corrupción y vicios, y cómo, aunque nos parece muy lejano, tenemos en el presente casos como el de Arabia Saudí, que aunque va logrando avances en materia de derechos humanos para las mujeres, todavía tiene un largo camino por recorrer y es nuestro Gilead.
Esta última temporada, con la apertura de la trama y el mayor protagonismo de Canadá y el gobierno estadounidense en el exilio, también se puede teorizar mucho sobre la situación de los refugiados, la ayuda que brindan las ONG y el estrés postraumático de los que consiguen escapar y se sienten culpables por ello.
Veremos qué nos depara la próxima.
16 junio, 2021
Visiones de un futuro distópico en CaixaForum Barcelona
La Convocatoria de Producción de la Fundación la Caixa de 2019 ha dado frutos realmente interesantes, como la exposición YWY. Visiones, del artista portugués Pedro Neves Marques, que se expondrá hasta el 26 de septiembre en CaixaForum Barcelona.
Esta muestra es la primera exposición surgida de esta convocatoria de la Caixa y ha sido desarrollada en colaboración con el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de la Comunidad de Madrid, donde podrá verse simultáneamente en una versión casi idéntica.
La exposición YWY. Visiones. Pedro Neves Marques, en colaboración con Zahy Guajajara en CaixaForum Barcelona.
Visiones distópicas
Pedro Neves, nacido en Lisboa en 1984, lanza una propuesta con un imaginario futurista y distópico en el que reflexiona sobre el género, el cambio climático, la tecnología, la ciencia ficción y la población indígena.
En este escenario, el androide YWY, interpretado por la actriz y activista Zahy Guajajara, se mueve por un Brasil no muy lejano, dominado por las industrias extractivas y el ascenso del fascismo, y devastado por una catástrofe ecológica a través de seis obras, cuatro de ellas audiovisuales, una sonora y otra con textos murales.
La exposición permanecerá abierta en CaixaForum Barcelona hasta el 26 de septiembre de 2021.
A partir del personaje YWY, que en lengua tupí-guaraní significa “tierra” o “territorio”, surgen toda una serie de reflexiones sobre cosmologías indígenas, la relación entre lo tecnológico, lo humano y lo natural, la teoría poscolonial, el cambio climático, etc.
Es un imaginario violento y con un estricto control por parte de la economía y la política, protagonizada por la corrupción. En este contexto, YWY pone en cuestión su condición de máquina, sintiéndose identificado con las plantas transgénicas, hablando de la frontera entre lo natural y lo artificial.
Pedro Neves reflexiona sobre la ecología, el género y la relación entre lo humano y lo artificial creando imaginarios futuristas en sus obras audiovisuales.
Producción de la Fundación la Caixa
La Convocatoria de Producción de la Fundación la Caixa tiene carácter bienal y está dirigida a todos los artistas interesados en producir una obra de arte. La ayuda se centra en facilitar los recursos necesarios para que la obra pueda hacerse realidad, con especial atención a los artistas jóvenes, como Pedro Neves, que hizo en 2017 hizo esta creación, aunque todavía no ha podido terminar de desarrollarla debido a la pandemia.
La exposición en el centro cultural de la Caixa en Barcelona comienza con YWY, Visiones – Hekepé, una instalación sonora de 2020 en la que Zahy Guajajara realiza una explicación desde el punto de vista de las personas indígenas.
Pedro Neves Marques y Hetamoé, YWY, Searching for a Character Between East and West, 2020-21 © Pedro Neves Marques y Hetamoé.
El centro del proyecto es una trilogía audiovisual en la que el personaje del androide YWY enlaza los distintos capítulos y que comienza en 2017 con el cortometraje Semilla exterminadora, que se inicia con una fuga en una plataforma petrolera que ha contaminado el mar, la tierra y el aire de la costa brasileña.
El segundo capítulo de la trilogía, YWW, la androide (2017) es un retrato íntimo del personaje y aborda los derechos sobre el cuerpo, la infertilidad, el trabajo, los monocultivos, etc.
Compañero de YWY, la androide es el vídeo Aprendiendo a vivir con el enemigo, también de 2017, centrado en el proceso sociopolítico de la historia, un documental sobre el proceso de transformación de la producción de soja en biodiésel. Como epílogo, en 2020, Pedro Neves crea la animación digital YWY, en busca de un personaje entre Oriente y Occidente.
19 mayo, 2021