Category: Cine

  • “Interior Berlanga”: un viaje cinematográfico por la vida de Luis García-Berlanga

    “Interior Berlanga”: un viaje cinematográfico por la vida de Luis García-Berlanga

    La exposición “Interior Berlanga. Cine, vida y humor”, organizada en CaixaForum Barcelona, es una inmersión profunda en la vida y obra del icónico cineasta español Luis García-Berlanga. Con una narrativa que se desarrolla como un largo plano secuencia, la muestra se estructura en siete ámbitos temáticos que permiten al visitante explorar tanto la trayectoria profesional como los aspectos más íntimos de Berlanga.

    Un Recorrido por la Vida de Berlanga

    La exposición inicia con una evocadora introducción que presenta a un joven Berlanga en una instantánea de Oriol Maspons, estableciendo un ambiente de reflexión y memoria. Desde aquí, el recorrido avanza hacia la recreación de su estudio en Somosaguas, un espacio de trabajo donde Berlanga desarrollaba sus ideas y proyectos. Este ámbito ofrece una mirada íntima a sus procesos creativos y a la acumulación de documentos y objetos personales que definían su entorno.

    La Infancia y la Escuela

    La educación y la infancia tienen un lugar destacado en la obra de Berlanga, reflejadas en películas como “Bienvenido, Mister Marshall” y “Calabuch”. La exposición recrea una escuela antigua, donde los visitantes pueden sentarse en pupitres y ver proyecciones en una pizarra, ofreciendo una experiencia inmersiva en el contexto histórico que influenció al cineasta.

    La Influencia del Cine Primitivo

    Uno de los aspectos más fascinantes de la muestra es la relación de Berlanga con el cine primitivo. En este espacio, se destaca la pieza audiovisual “La barraca del cine”, una evocación de las películas que marcaron al joven Berlanga y que influyeron en su estilo narrativo. Además, se exhiben cartas intercambiadas con René Clair y Charles Chaplin, así como guiones y storyboards originales.

    Eros y Miedos

    El erotismo y los miedos son temas recurrentes en la obra de Berlanga. La exposición incluye dibujos, fotografías y objetos que reflejan su interés por el erotismo, así como sus temores más profundos, incluidos el miedo a las mujeres y a la muerte. Esta dualidad se presenta de manera poética y humorística, demostrando la complejidad de su pensamiento.

    El Legado de Berlanga

    El término “berlanguiano” ha sido reconocido por la Real Academia Española, un testimonio del impacto cultural del cineasta. La exposición concluye con un homenaje a este legado, incluyendo un espacio multipantalla donde personalidades del cine y la cultura debaten el significado de “lo berlanguiano”.

    Experimentación y Participación

    Una de las experiencias más interactivas de la muestra es el taller de cine, donde los visitantes pueden experimentar con la técnica del plano secuencia, guiados por José Luis García-Berlanga. Este taller no solo educa, sino que también permite a los participantes llevarse a casa un recuerdo de su propia creación cinematográfica.

    Conclusión: La Cremá

    El final de la exposición es simbólico y emotivo, con una falla que representa los elementos emblemáticos de las historias de Berlanga. La cremá de esta falla, con simulación de humo y fuego, simboliza el ciclo de la vida y la obra del cineasta, concluyendo el recorrido con un mensaje de renovación y continuidad.

    La exposición “Interior Berlanga” no solo celebra la obra de uno de los más grandes directores del cine español, sino que también ofrece una experiencia educativa y profundamente personal que resuena con la rica historia cultural de España. Visitar esta muestra es una oportunidad única para adentrarse en el universo berlanguiano y comprender mejor la influencia y el legado de Luis García-Berlanga.

    Para más información sobre la exposición, puedes visitar el sitio oficial de Fundación “la Caixa”.

  • Isabel Coixet, protagonista de abril en CaixaForum+

    Isabel Coixet, protagonista de abril en CaixaForum+

    Isabel Coixet, protagonista de abril en CaixaForum+ con los títulos Ayer no termina nunca y Palabras, mapas, secretos y otras cosas.

    En colaboración con el Barcelona Film Fest y A Contracorriente Films, CaixaForum+ dedicará cada mes a una importante figura de la historia del cine y proyectará una de sus películas más destacadas junto con un documental sobre su trayectoria. Abril es el mes de Isabel Coixet y se podrán ver Ayer no termina nunca y Palabras, mapas, secretos y otras cosas. Los dos títulos estarán disponibles en la plataforma del 1 al 30 de abril.

    AYER NO TERMINA NUNCA

    Barcelona, 2017. Una pareja (Candela Peña y Javier Cámara) se reencuentra después de cinco años de no verse y de haber pasado por unas circunstancias difíciles en sus vidas. Cuando sienten que el pasado ya no tiene importancia, de repente vuelve. Las heridas no cerradas permanecen siempre abiertas.
    Reparto: Javier Cámara, Candela Peña, Tamara Cunill, Carla Sospedra, Lucy Tillett
    Dirección: Isabel Coixet. España, 2013

    PALABRAS, MAPAS, SECRETOS Y OTRAS COSAS

    Retrato de la cineasta Isabel Coixet, de su particular mundo y de su aclamada sensibilidad como autora. Esta película pretende ser un viaje, una road movie, a través tanto del territorio como de las personas con las que se ha cruzado Coixet para entender su evolución y su trabajo como cineasta; en definitiva, su obra y la persona que se esconde detrás de sus películas.
    Documental
    Dirección: Elena Trapé. España, 2015

    PALABRAS, MAPAS, SECRETOS Y OTRAS COSAS

  • Jean Paul Gaultier, el cine y la moda en CaixaForum Madrid

    Jean Paul Gaultier, el cine y la moda en CaixaForum Madrid

    La Fundación la Caixa y La Cinémathèque française exhiben estos días Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier, una muestra que propone un viaje ecléctico que entrelaza cine y moda con grandes creadores y artistas, desde la óptica personal del enfant terrible, como diseñador de vestuario y como cinéfilo.

    La exposición, que se puede ver hasta el 5 de junio en CaixaForum Madrid, reúne obras de diseñadores de la talla de Coco Chanel, Yves Saint Laurent, Pierre Cardin y Sybilla, así como cerca de 80 looks icónicos del cine con vestidos de Audrey Hepburn, Sharon Stone, Grace Kelly, Catherine Deneuve o Madonna; los trajes de Superman, La máscara…

     Jean Paul Gaultier plasma su mirada sobre el cine y la moda en CaixaForum Madrid.
    Jean Paul Gaultier plasma su mirada sobre el cine y la moda en CaixaForum Madrid.

    Desde un enfoque sociológico y más allá de la mitomanía, la muestra ahonda en el contexto de creación del vestuario para filmes y pone el acento en aspectos clave como el empoderamiento femenino, y su reflejo en la moda y en la filmografía del siglo XX.

    La visión de Jean Paul Gaultier

    En la exposición Jean Paul Gaultier reflexiona sobre el papel que el cine y la moda, dos de sus fetiches, juegan en la sociedad como potenciales motores de transformación. En este sentido, la muestra entronca con otras exposiciones dedicadas al cine que ha llevado la Fundación la Caixa en los últimos años.

    Dividida en cinco ámbitos diferenciados, la exposición Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier, revisa la presencia del mundo de la oda en el cine, las colaboraciones de grandes modistos en el vestuario de películas y la creación de los arquetipos masculinos y femeninos, poniendo el acento en el empoderamiento femenino y en la repercusión de culturas como la rock, punk y queer.

     La exposición Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier se podrá visitar hasta el 5 de junio en CaixaForum Madrid.
    La exposición Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier se podrá visitar hasta el 5 de junio en CaixaForum Madrid.

    La muestra reúne más de 100 piezas de indumentaria con 80 looks, fragmentos de más de 90 películas y 125 representaciones gráficas (carteles, bocetos, fotogramas y fotografías).

    Las dos películas que mayor espacio ocupan en la exposición son Falbalas (1945, Jacques Becker), ambientada en el ajetreo de una casa de costura durante la guerra; y ¿Quién eres tú, Polly Maggoo? (1966, William Klein), una sátira de los delirios egocéntricos del mundo de la alta costura.

     Pedro Almodóvar, Victoria Abril y Jean Paul Gaultier en el plató de Kika, 1994 © Nacho Pinedo.
    Pedro Almodóvar, Victoria Abril y Jean Paul Gaultier en el plató de Kika, 1994 © Nacho Pinedo.

    En torno a la exposición la Fundación la Caixa ha articulado conferencias sobre cultura de la moda, un ciclo de cine comisariado por Rossy de Palma, amiga personal de  Jean Paul Gaultier, visitas comentadas y actividades en familia.

  • Ríos de tinta para la sátira política de moda

    Ríos de tinta para la sátira política de moda

    Me voy a sumar a los ríos de tinta que se están vertiendo estos días con la película Don´t look up, una sátira política que algunos críticos califican de excesiva o como una estafa mientras miembros destacados de la comunidad científica, como Neil deGrasse Tyson, la califican como un documental de lo que están viviendo los científicos desde hace años.

    Y es que Don´t look up refleja a la perfección la incompetencia y la corrupción política, la banalidad del mal de los medios de comunicación y lo voluble e influenciable que es la opinión pública.

    Bajo la premisa del descubrimiento de un cometa que va a acabar con la vida sobre la Tierra provocando un evento de extinción masiva en un plazo de poco más de seis meses, Don´t look up explora las distintas reacciones de las autoridades competentes.

    chistes malos y banalidad y corrupcion de los medios en Dont look up
    ¿A quién no le recuerdan las escenas de las visitas al programa más visto de televisión a otras vividas en platós de programas de Telecinco o Antena 3? ¿Quién os parece Brie Evantee? ¿Susana Griso o Ana Rosa Quintana?

    Desde el intento de censura para no alarmar a la población o el agarrarse a un clavo ardiendo señalando que un 99,7% no es un 100% de posibilidad de que suceda hasta terminar destruyendo todo por confiar la mayor expedición de la historia de la Humanidad a un empresario cegado por la avaricia y la corrupción.

    En este sentido, otro acierto de la película es haber introducido personajes claramente inspirados en personas de la vida real que generan debate y conversaciones paralelas que demuestran que cada uno vemos el filme según nuestro propio prisma ideológico.

    Peter Isherwell el empresario corrupto y sociopata que lleva a la humanidad a su fin
    Sociópata, avaricioso y con una nave esperándolo por si sus planes demenciales fallaban. El vivo retrato de cualquier multimillonario de tecnológicas que se os venga a la cabeza.

    ¿A quién recuerda Janie Orlean (Meryl Streep), la presidenta de Estados Unidos? A unos, a Trump, a otros, a Ayuso, a otros, a Pedro Sánchez. ¿Y Brie Evantee (Cate Blanchett)? En España, sin duda, a Susana Griso, tanto físicamente como en su forma de hablar. ¿Y Peter Isherwell (Mark Rylance), el CEO del gigante tecnológico Bash? Yo, en este caso, he de decir que veo una mezcla de Elon Musk y Jeff Bezos.

    Es curioso y muy significativo que los científicos se vean reflejados en los personajes del Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) y Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), los dos astrónomos que descubren el cometa, que se ven obligados a peregrinar por despachos en los que son ninguneados y en los que comprueban con estupor e impotencia que están en manos de políticos ignorantes que se mueven únicamente a corto plazo y por la intención de voto.

    Cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia, y, aunque no sea una obra maestra del cine en términos estéticos y esté planteada como un producto mainstream, se agradece el divertimento y ver, además, que todo el equipo parece habérselo pasado en grande durante el rodaje, una necesidad que muchas veces se olvida.

  • Berlanguiano llega a Sevilla

    Berlanguiano llega a Sevilla

    La Academia de Cine y la Fundación Cajasol han inaugurado esta semana la exposición ‘Berlanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)’ en Sevilla.

    La sede central de la capital andaluza de Fundación Cajasol abre sus puertas a esta muestra dedicada al cineasta valenciano en el año del centenario de su nacimiento, que podrá visitarse hasta el 22 de enero de 2022.

    El presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, ha estado muy acertado al decir que “la obra de Berlanga es una enciclopedia que recoge mejor nuestra historia contemporánea. Y ‘Berlanguiano’ es un resumen de esa enciclopedia audiovisual de las últimas décadas del país. Resume lo que somos, lo que queríamos ser, nuestras miserias y nuestras grandezas. Y lo hace sin grandilocuencia, lo que lo hace más popular”.

    Berlanguiano

    En la exposición podemos encontrar fotografías, material audiovisual, guiones originales, carteles planes de rodaje y otros materiales en relación a la filmografía de Berlanga.

    Berlanga en la Fundación Cajasol ©Alberto Vázquez
    Berlanga en la Fundación Cajasol ©Alberto Vázquez

    Materiales a los que se incorporan en la Fundación Cajasol un boceto original de El sueño del cura, de ¡Bienvenido Mr Marshall!, película de la que se incluye el plan de rodaje; el primer número de ‘Film Ideal’, mítica revista que publicó Cinco Historias de España, la película que iban a hacer Zavattini, Berlanga y Muñoz Suay que nunca se hizo; y el guion y storyboard de Los jueves, milagro.

    ‘Berlanguiano’ es una visita obligada para todos los sevillanos y visitantes. La muestra se nutre de la colección García Berlanga, Filmoteca Española, Biblioteca Nacional de España, Margaret Herrick Library (Academia de Hollywood), archivos fotográficos de colecciones privadas, objetos personales, recuerdos…

    La exposición presenta varias claves: la primera escuela oficial de cine en España: el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas; la contextualización nacional e internacional del cine de Berlanga; los temas: de lo local a los valores universales…

    En Berlanguiano se analizan, además, varias películas: entre ellas Plácido, El verdugo, La boutique, La escopeta nacional, La vaquilla, Moros y Cristianos, París-Tombuctú… y se realizará un ciclo de proyecciones y conferencias, cuya primera sesión ya ha tenido lugar con Bienvenido Mr. Marshall (1953).

     

  • Saura y Goya, unidos en CaixaForum Zaragoza

    Saura y Goya, unidos en CaixaForum Zaragoza

    El centro cultural de la Fundación la Caixa en Zaragoza acoge hasta el próximo 9 de enero la exposición Filmando a Goya. Una mirada de Saura, en la que se funden los universos creativos del artista Francisco de Goya y el cineasta Carlos Saura con motivo del 275 aniversario del nacimiento del pintor.

    Se trata de la primera vez que el cortometraje del célebre cineasta Carlos Saura ve la luz al gran público, tras su presentación privada el pasado 9 de septiembre en el Museo Nacional del Prado, fruto de una colaboración de la Fundación la Caixa con Aragón TV y Gobierno de Aragón.

    Acompañando la proyección del corto, el recorrido se centra en la mirada de cada uno de los artistas con el objetivo de entender el proceso creativo de ambos y el momento en el que han realizado sus obras. La exposición exhibe dos autores, dos momentos y dos puntos de vista, a modo de prólogo de la película de Carlos Saura y su homenaje al artista de Fuendetodos.

     Carlos Saura en el Museo Nacional del Prado, 2021. © Jorge Fuembuena.
    Carlos Saura en el Museo Nacional del Prado, 2021. © Jorge Fuembuena.

    Goya y Saura, Saura y Goya

    Cuando el visitante acceda a la sala (previa reserva de entrada), se encontrará con dos recorridos distintos: uno, con el orden Goya-Saura; el otro, Saura-Goya, creando un paralelismo en el espacio.

    Cada uno de estos caminos aborda cuatro cuestiones diferentes: EL momento, como contextualización del momento de creación de la obra; La mirada del artista, para aprender y entender el trabajo de cada uno de los artistas y lo que quieren mostrar con ello; El proceso creativo, que busca transmitir sus procesos de creación a través de obra gráfica, y, por último, El artista y la luz, que aborda la luz como elemento dramático y pieza clave en el trabajo de ambos.

    Entre el contenido se exponen reproducciones de algunas estampas de la serie de grabados Desastres de la guerra, realizada por Goya entre 1810 y 1815, en la que refleja las crueldades cometidas durante la Guerra de la Independencia, la violencia en sus diferentes formas. Y es que Goya realizó una reflexión enormemente crítica e innovadora sobre la guerra, sobre sus causas, manifestaciones y consecuencias.

    El cortometraje de Saura

    En la parte dedicada a Saura se mostrarán dibujos del story board realizados durante el rodaje, teniendo en cuenta que para el cineasta el guion es tan solo el punto de partida, pues defiende que debe estar vivo, ser flexible, adaptarse a la improvisación.

    En cuanto al cortometraje, Goya 3 de mayo de Saura da vida a los personajes del emblemático lienzo. Con un equipo casi al 100% aragonés, integrado por un centenar de personas, entre ellas 45 figurantes, el corto será el encargado de cerrar el 54 Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya los próximos 16 y 17 de octubre.

     Fotograma de Goya 3 de mayo, dir. Carlos Saura, 2021.
    Fotograma de Goya 3 de mayo, dir. Carlos Saura, 2021.

    Con este trabajo el cineasta oscense quiere subrayar el mensaje contra la guerra que subyace en el cuadro de Goya.

    CaixaForum Zaragoza también acogerá la proyección del documental GoyaSaurio, un trabajo de Aragón TV que muestra las reflexiones de Carlos Saura sobre la pintura de Goya, la guerra, el cine y la vida.

     

  • Condenado por terrorismo el héroe de la película Hotel Ruanda

    Condenado por terrorismo el héroe de la película Hotel Ruanda

    Como si de una película de terror psicológico se tratase, Paul Rusesabagina, el director del Hotel Ruanda que inspiró la película de Hollywood con el mismo nombre, ha sido condenado a 25 años de cárcel por terrorismo, formación de grupo ilegal, pertenencia a un grupo terrorista y estructura de su financiación.

    El exdirector del hotel, que salvó a cientos de personas de ser asesinadas durante el genocidio ruandés de 1994, llevaba detenido desde agosto de 2020 cuando, el vuelo que supuestamente lo iba a llevar a Dubai desde Estados Unidos, donde se encontraba exiliado, aterrizó en Kigali y fue capturado por las autoridades del país. La ONG Human Rights Watch (HRW) lo ha calificado de “desaparición forzada”. Su familia y defensores esperaban que fuese condenado y han denunciado, incluso, torturas.

    Rusesabagina lidera el Movimiento de Ruanda por el Cambio Democrático (MRCD), una coalición de grupos de oposición que critica los presuntos casos de corrupción del gobierno del presidente, Paul Kagame. Vinculado con ella se encontraría el Frente de Liberación Nacional (FLN), considerado grupo terrorista, si bien Rusesabagina ha negado tener otra relación que no sea la diplomática.

    En el impresionante filme que está en la memoria de todo cinéfilo, se narra cómo Rusesabagina no dudó en usar todos los medios a su alcance (desde contactos y conexiones a su propio dinero) para impedir que los extremistas de la comunidad hutu asesinasen a los tutsis alojados en el hotel que dirigía.

    Kagame acusado de corrupción
    Paul Rusesabagina acusa a Kagame de corrupción y de promover odio hacia los hutus.

    Hoy, el gobierno de Kagame es tutsi, y el propio presidente fue líder de las fuerzas que pusieron fin a la masacre, pero según Rusesabagina se trata de un régimen autoritario que promueve sentimientos en contra de los hutus.

    Los medios estatales lo acusan de ser un “héroe fabricado”, y algunos de los supervivientes están empezando a contradecir su relato.

    Controvertida detención de Rusesabagina
    La detención de Rusesabagina fue controvertida. Su familia y ONG de Derechos Humanos denuncian secuestro, pero las fuentes del gobierno ruandés, acusado de corrupción, lo niegan y dicen que le engañaron para tomar el avión.

    El propio Rusesabagina ha señalado recientemente que los tutsis no fueron las únicas víctimas del genocidio, negando la versión oficial, pues comandos tutsis habrían asesinado e incinerado un gran número de hutus.

     

  • Antonio Gasset, el genio de la honestidad

    Antonio Gasset, el genio de la honestidad

    Muchísimos españoles seguimos hoy conmocionados por la muerte de Antonio Gasset, un auténtico genio, de profesión crítico de cine, que durante muchos años nos alegró las noches con sus ironías a cargo del programa Días de Cine en La2 de TVE.

    Su agudeza y su honestidad nos demostraron que ningún gran director, guionista o actor podía estar exento de crítica si su trabajo no había sido excelente, algo que no sucede ya en estos días en los que los contenidos patrocinados mandan.

    Antonio Gasset era la honestidad, el bofetón de realidad que toda persona necesita para replantearse las cosas que está haciendo mal y lo que debe cambiar. Sus “llegó la pausa” eran píldoras de existencialismo, el combustible que muchos esperábamos durante toda la semana para animal al día siguiente las conversaciones en la facultad o en el trabajo.

    Con Antonio Gasset hemos crecido viendo cómo titanes del cine podían ser demolidos con frases educadas a la par que mordaces: “Se estrena estos días la película El último samurai, protagonizada por el ex-marido de Nicole Kidman, único dato destacable de este actor llamado Tom Cruise”; “Ben Affleck es a la buena interpretación lo que un pepinillo cocido a la alta cocina”.

    El director y presentador, fallecido a unos muy tempranos 75 años, era un clásico de las “catacumbas de la noche”, forma en la que irónicamente protestaba contra los horarios intempestivos a los que TVE relegaba su programa, que incluso modificaban a su antojo: “Hasta el próximo programa. No sabemos ni qué día ni a qué hora nos pondrán, de modo que estén atentos.”

    El sobrino segundo del filósofo José Ortega y Gasset ha sido todo un referente para varias generaciones, especialmente para las que tuvimos el placer de conocer programas como el suyo, ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci, o La Clave, donde el debate sereno y argumentado sobre temas políticos y económicos elevaba el nivel cultural de los espectadores, al contrario de los formatos que se han terminado imponiendo en los últimos tiempos.

    Con Antonio Gasset muere una forma de hacer televisión en la que se buscaba estimular el intelecto del público y apelar a su pensamiento crítico para no dejarse deslumbrar por las luces fluorescentes de la industria.

    No puedo evitar cerrar este pequeño y humilde homenaje a este genio con una de sus mejores frases: “Nos vamos con la esperanza de que ninguno se deje llevar por los fanatismos religiosos, políticos o sexuales: los primeros por no llevar a nada, los segundos porque el objeto de deseo suele ser un idiota de renombre y los últimos por las continuas frustraciones”.

    Adiós, maestro.

  • Revisionismo y estafa de la doble moral en la censura de películas y series

    Revisionismo y estafa de la doble moral en la censura de películas y series

    En estos días pasados hemos asistido a una polémica que no es nueva y muestra al absurdo que puede llevarnos hacer un revisionismo del séptimo arte para ajustarlo a las ideas del momento histórico en el que nos encontramos. Sí, hablo de la censura y posterior recuperación por parte de HBO del clásico del cine Lo que el viento se llevó.

    Los peligros del revisionismo

    En un intento de confraternización con las legítimas protestas por el asesinato de George Floyd en Estados Unidos, la plataforma retiró de su catálogo la película, alegando que edulcoraba el racismo.

    Este gesto, lejos de ser bien acogido, desató una crisis de reputación de HBO y una tormenta de interés por el filme, cuyas ventas se dispararon en Amazon e iTunes. A nivel comercial la jugada no le pudo salir peor.

    Pero lo que más me interesa sobre este caso no son tanto las estrategias comerciales, sino el debate de fondo sobre efectuar revisionismo con el arte realizada en tiempos pasados y con sus determinados trasfondos ideológicos.

    ¿Por qué censurar en lugar de usar esas obras precisamente para abordar esos temas? Recientemente hablé en este blog de Mi familia y otros animales, el libro que comienza la Trilogía de Corfú de Gerald Durrell y que ha dado lugar a varias adaptaciones en películas y series.

    En esos libros hay alusiones racistas puntuales contra turcos y gitanos. Son muy sutiles, pero un lector avezado las nota. ¿Eliminamos de un plumazo esta maravilla de la literatura por esos detalles? ¿No será mejor establecer debates sobre las formas de racismo, la evolución del pensamiento social a lo largo de los siglos XX y XXI y los cambios en las normas y usos sociales? A mí me parece mucho más didáctico y efectivo que prohibir, pues considero que esto último favorece precisamente lo opuesto a lo que se pretende.

    La estafa de la doble moral

    En estos días hemos  visto también cómo Marta Kauffman, cocreadora de Friends, pedía perdón por “la falta de diversidad en la serie”. Es curioso que no la pida por la falta de calidad, la superficialidad y los estereotipos ridículos que promovía, y escucharla diciendo “¿Qué puedo hacer? ¿Qué puedo hacer de forma diferente?” a mí me suena a amenaza con volver con nuevos episodios, así que mejor dejarlo aquí.

    Bromas aparte, otro peligro que alberga este revisionismo de las series y el cine antiguos es el de establecer una doble moral: que no se puedan ver determinadas obras mientras los derechos de esas personas a las que se pretende defender siguen siendo menoscabados por otra parte.

    Seguramente a esas comunidades les importe más equiparar sus derechos salariales, por poner un ejemplo, que Lo que el viento se llevó, pero si se prohíbe la película se produce un golpe de efecto (rebote, en este caso) y parece que se está cambiando algo, cuando nada cambia: el clásico lampedusiano (imprescindible la lectura de El gatopardo de Giuseppe Tomasi di Lampedusa o el visionado de El gatopardo de Luchino Visconti al respecto).

    La polémica está lejos de estar zanjada y veremos nuevos episodios que nos producirán, incluso, más estupor que este. Tiempo al tiempo.

  • Parásitos, la estafa como única vía para los pobres

    Parásitos, la estafa como única vía para los pobres

    Parásitos para mí es, sin duda, y compartiendo podio con Joker, la mejor película del año. El coreano Bong Joon-Ho ha bordado una comedia negra en la que la crítica y la denuncia social se introducen de manera natural, sin ser panfletarias.

    El costumbrismo y la pobreza en Parásitos

    Parásitos, vencedora de Cannes de este año, comienza mostrándonos a la familia Kim en su casa, en un sótano con una sola ventana que da al suelo de la calle, moviéndose por todas las habitaciones buscando un wifi que piratear porque están pendientes de que les llegue una oferta de trabajo por Whatsapp.

    Al rato, les llega un pedido para doblar cajas de una pizzería de la ciudad y, tras unas horas de trabajo a destajo de todos los miembros de la familia, se ve cómo la dueña de la pizzería les paga menos de lo acordado aludiendo a supuestos desperfectos en los doblados.

    En efecto, se trata de una familia pobre de un barrio marginal de las muchas zonas así que existen en Corea del Sur, que sobreviven hacinados en condiciones infrahumanas y con trabajos basura y mendicidad.

    Lo que no saben en la familia Kim es que su suerte va a cambiar, al menos durante una temporada, gracias a un trabajo de tutor privado de inglés de la hija de una familia rica, a la que también se representa de manera costumbrista, en un chalé privado en una urbanización ajena a las miserias de los pobres.

    Familia Kim consigue a traves de la estafa
    La Familia Kim, gracias a sus métodos de estafa, consigue disfrutar por un momento del bienestar y la riqueza, pero pronto sus ilusiones se verán truncadas.

    ¿Quiénes son los parásitos?

    Nada más entablar contacto sabemos que la familia pobre, los Kim, tienen algo de lo que los opulentos Parks carecen: inteligencia y astucia, suponemos que, de una parte, de manera innata, y de otra, adquirida debido a la necesidad de salir adelante en pésimas condiciones.

    Los cuatro miembros de la familia Kim urden estafa tras estafa para terminar ocupando varios puestos de trabajo para los Parks: tutor de inglés, terapeuta artística, chófer y ama de llaves.

    Perpetrando la estafa
    Los Parks caerán en todas y cada una de las estafas de los Kim para deshacerse de su personal.

    Y no serán los únicos que vivan a expensas de ellos, pues, en un giro inesperado de los acontecimientos, se ve cómo hay otro personaje, también pobre y residente en el subsuelo, que sobrevive gracias a lo que su mujer roba en la cocina de los Parks.

    Y es que la estafa y el fraude, tal y como se muestra en el film, son los únicos medios por los que la gente que ha llegado a un punto tal de desesperación puede llegar a obtener un empleo digno y bien pagado.

    Podría parecer que el nombre de Parásitos se refiriese solo a los Kim, a la clase marginal que estafa a una familia pudiente que ha llegado donde está a través del esfuerzo y el éxito, pero va mucho más allá.

    Los Parks son banales y superficiales, incapaces de hacer las tareas más básicas de cuidado de su casa y sus hijos, estúpidos como para caer en las mentiras y tejemanejes de los Kim y, sobre todo, clasistas.

    Clasismo en Parásitos
    La crítica al olor de la clase trabajadora será el detalle clasista que detonará el final de la historia.

    Pisotean el trabajo y se adueñan del tiempo de los Kim, como hicieron antes con sus otros empleados, y sus únicos comentarios y dudas al respecto es su “olor a pobre”, “olor como el de la gente que va en el metro”.

    El clasismo como detonante

    Es esta crítica frívola del hedor de las clases sociales por debajo de la suya la que va a detonar la tragedia final que se lleve por delante al padre de los Parks.

    En una noche terrible en la que es descubierta su estafa y tienen que luchar a muerte para que la familia Parks no se entere, los Kim ven su barrio y su casa inundados por una terrible tormenta y tienen que acabar durmiendo como refugiados en un polideportivo municipal.

    Parásitos la estafa como única vía para los pobres
    La inundación que afecta a los barrios pobres de la ciudad provoca en el espectador una mirada de compasión hacia los que se habían mostrado hasta ahora como parásitos. Tienen un motivo, y es legítimo.

    En el suelo del gimnasio, el padre le explica al hijo que ha aprendido a no hacer planes con su vida para no sentirse decepcionado cuando no los consiga. El derrotismo de una clase social que está condenada de manera determinista, que sabe que para ellos no existe el llamado ascensor social.

    Parásitos
    Una simple tormenta puede provocar la desgracia de perder la casa en los barrios pobres, mientras los ricos permanecen ajenos e impasibles a este sufrimiento.

    A la mañana siguiente, ajenos a las desgracias de los habitantes de los barrios marginales, los Parks señalan el “día maravilloso que ha dejado la lluvia” y piden a los Kim que vayan a trabajar en la fiesta de su hijo a cambio de pagarles esas horas.

    Allí se desencadena una venganza y una tragedia en la que un comentario superficial sobre el olor del atacante dará lugar a un desenlace funesto para los Parks.

    En efecto, Parásitos trata del parasitismo, pero no solo de los de abajo, sino también de los de arriba, que viven en excelentes condiciones a costa de los primeros.

    La película es de las mejores comedias negras de la década y probablemente se lleve el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Si no se lo lleva, no será porque no se lo merezca.