Si estás buscando una serie que te haga reír a carcajadas y, al mismo tiempo, te ofrezca una visión hilarante del mundo de la política, “Parliament” es la opción perfecta para ti. Esta serie de comedia no solo te entretendrá, sino que también te hará reflexionar sobre las absurdidades y contradicciones del sistema político. ¿Listo para un viaje divertido y revelador? Sigue leyendo y descubre por qué “Parliament” es la serie que deberías estar viendo ahora mismo.
Una Sátira Política Bien Lograda
“Parliament” se destaca por su aguda sátira política. Ambientada en el Parlamento Europeo, la serie nos presenta un grupo de personajes extravagantes que, aunque ficticios, reflejan con gran precisión los estereotipos y comportamientos que solemos asociar con los políticos. Desde el idealista novato que quiere cambiar el mundo hasta el veterano cínico que solo busca su propio beneficio, cada personaje está magistralmente construido para hacernos reír y pensar.
Personajes Memorables y Carismáticos
Uno de los puntos fuertes de “Parliament” es su elenco de personajes. Samy, el joven asistente parlamentario francés, es nuestro protagonista principal, y su evolución a lo largo de la serie es tanto hilarante como entrañable. Sus interacciones con otros miembros del Parlamento, cada uno con sus propias excentricidades, crean situaciones cómicas y a veces absurdas que nos mantienen enganchados episodio tras episodio.
Además, la serie no solo se queda en los clichés, sino que también explora las complejidades de cada personaje, lo que la hace más rica y entretenida. Los diálogos ingeniosos y las situaciones inesperadas son el pan de cada día en “Parliament”, lo que garantiza risas constantes.
Un Guion Brillante y Actual
El guion de “Parliament” es una obra maestra de la comedia moderna. Los escritores han logrado crear una narrativa que es tanto hilarante como relevante. Abordan temas actuales y controversiales con un humor inteligente que nunca se siente forzado. Desde debates sobre el cambio climático hasta las políticas de inmigración, la serie no tiene miedo de meterse en terrenos pantanosos, pero siempre lo hace con un toque de ligereza y humor.
Humor Inteligente y Bien Dosificado
Lo que realmente distingue a “Parliament” de otras comedias políticas es su capacidad para balancear el humor con la crítica social. La serie nos hace reír, sí, pero también nos invita a reflexionar sobre el estado de la política actual. Los chistes están inteligentemente construidos y siempre tienen un trasfondo que nos hace cuestionar las dinámicas de poder, la corrupción y las decisiones que se toman en las altas esferas.
Producción de Alta Calidad
Desde el punto de vista de la producción, “Parliament” no tiene nada que envidiar a las grandes series de comedia. La ambientación en el Parlamento Europeo está cuidada al detalle, y la calidad de la filmación es impecable. Cada escena está bien pensada para maximizar el impacto cómico y mantener al espectador entretenido.
Escenarios y Ambientació
La serie se desarrolla en escenarios que replican con precisión los espacios del Parlamento Europeo, lo que añade un nivel extra de autenticidad y sátira. La atención al detalle es evidente, y los escenarios contribuyen significativamente a la atmósfera general de la serie.
Conclusión: “Parliament” Es Imprescindible
En conclusión, “Parliament” es una serie de comedia que no puedes dejar pasar. Con su brillante guion, personajes carismáticos y humor inteligente, se convierte en una opción ideal para aquellos que buscan una comedia que ofrezca algo más que simples risas. La sátira política nunca había sido tan divertida y relevante como en “Parliament”. Así que prepárate para un maratón de episodios y disfruta de esta joya televisiva que, sin duda, te dejará con ganas de más.
Me voy a sumar a los ríos de tinta que se están vertiendo estos días con la película Don´t look up, una sátira política que algunos críticos califican de excesiva o como una estafa mientras miembros destacados de la comunidad científica, como Neil deGrasse Tyson, la califican como un documental de lo que están viviendo los científicos desde hace años.
Y es que Don´t look up refleja a la perfección la incompetencia y la corrupción política, la banalidad del mal de los medios de comunicación y lo voluble e influenciable que es la opinión pública.
Bajo la premisa del descubrimiento de un cometa que va a acabar con la vida sobre la Tierra provocando un evento de extinción masiva en un plazo de poco más de seis meses, Don´t look up explora las distintas reacciones de las autoridades competentes.
¿A quién no le recuerdan las escenas de las visitas al programa más visto de televisión a otras vividas en platós de programas de Telecinco o Antena 3? ¿Quién os parece Brie Evantee? ¿Susana Griso o Ana Rosa Quintana?
Desde el intento de censura para no alarmar a la población o el agarrarse a un clavo ardiendo señalando que un 99,7% no es un 100% de posibilidad de que suceda hasta terminar destruyendo todo por confiar la mayor expedición de la historia de la Humanidad a un empresario cegado por la avaricia y la corrupción.
En este sentido, otro acierto de la película es haber introducido personajes claramente inspirados en personas de la vida real que generan debate y conversaciones paralelas que demuestran que cada uno vemos el filme según nuestro propio prisma ideológico.
Sociópata, avaricioso y con una nave esperándolo por si sus planes demenciales fallaban. El vivo retrato de cualquier multimillonario de tecnológicas que se os venga a la cabeza.
¿A quién recuerda Janie Orlean (Meryl Streep), la presidenta de Estados Unidos? A unos, a Trump, a otros, a Ayuso, a otros, a Pedro Sánchez. ¿Y Brie Evantee (Cate Blanchett)? En España, sin duda, a Susana Griso, tanto físicamente como en su forma de hablar. ¿Y Peter Isherwell (Mark Rylance), el CEO del gigante tecnológico Bash? Yo, en este caso, he de decir que veo una mezcla de Elon Musk y Jeff Bezos.
Es curioso y muy significativo que los científicos se vean reflejados en los personajes del Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) y Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), los dos astrónomos que descubren el cometa, que se ven obligados a peregrinar por despachos en los que son ninguneados y en los que comprueban con estupor e impotencia que están en manos de políticos ignorantes que se mueven únicamente a corto plazo y por la intención de voto.
Cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia, y, aunque no sea una obra maestra del cine en términos estéticos y esté planteada como un producto mainstream, se agradece el divertimento y ver, además, que todo el equipo parece habérselo pasado en grande durante el rodaje, una necesidad que muchas veces se olvida.
The White Lotus es, sin duda, la mejor serie satírica de este año, al menos hasta que se estrene la tercera temporada de Succession (el próximo 18 de octubre). Esta tragicomedia de HBO pone en cuestionamiento los privilegios del 1% en el entorno de unas vacaciones en Hawai, confrontados con las realidades que viven y sufren los trabajadores del resort en el que se desarrolla la trama.
The White Lotus: privilegios y mezquindad
La serie, que comienza mostrándonos que en el transcurso de unas vacaciones va a morir alguien en el hotel White Lotus, nos muestra un elenco de personajes que poco a poco van a terminar enfrentándose entre sí por el mero hecho de que los privilegios de unos van a chocar con los derechos y la existencia de los otros.
Mark Mossbacher, marido de la exitosa directiva Nicole, vive experiencias de revelación personal en las vacaciones, y mantiene conversaciones chirriantes con su hijo adolescente, el único cuerdo que parece haber en la familia, pese a sus adicciones a videojuegos y porno.
El grupo que en la segunda escena viaja en el barco camino de un paraíso vacacional está compuesto por una familia adinerada, una pareja de recién casados y una mujer mayor con aparentes signos de desestabilidad emocional. La familia está compuesta por una mujer que es directiva de una gran tecnológica (Connie Britton), un hombre que es un neurótico acomplejado (Steve Zahn), el hijo adolescente (Fred Hechinger), adicto a los videojuegos y el porno, y la hija (Sydney Sweeney), una estudiante universitaria que, pese a todo el discurso woke de respeto y tolerancia a las minorías, se comporta como una auténtica sociópata. Van acompañados de la amiga de la hija (Brittany O´Grady), la única racializada del grupo que ostenta los privilegios, y que finalmente es la que peor se porta con el empleado con el que mantiene un idilio amoroso.
La pareja de recién casados está formada por Shane (Jake Lacy), hijo de un multimillonario del negocio inmobiliario de Nueva York, y Rachel (Alexandra Daddario), una joven periodista de clase trabajadora que tuvo que pedir préstamos para pagar su carrera y que escribe perfiles mal pagados de famosos usando clickbaiting.
Tanya estafa emocionalmente a Belinda.
En cuanto a la mujer, Tanya (Jennifer Coolidge), es una alcohólica traumatizada por su relación con su madre, cuyas cenizas lleva en una urna para esparcirlas por el océano.
A excepción de Rachel, que se encuentra completamente desubicada y comienza a ver el futuro que le espera, sin poder trabajar y dedicándose al cuidado de marido e hijos, el resto de personajes son mezquinos y no dudan en utilizar a los demás para sus propios fines.
La confrontación de clase
En el otro extremo del espectro social se encuentran los empleados del hotel que, dirigidos por Armond (interpretado magistralmente por Murray Bartlett), enfrentan problemas como un parto en el primer día de empleo por la necesidad de trabajar, alcoholismo, y ser utilizados vilmente por sus clientes.
Esto último se ve especialmente en el caso de Belinda (Natasha Rothwell), a la que Tanya demanda cuidados muy por encima de su trabajo como masajista mientras le promete financiar una empresa de terapias para ella sola, como una gran maestra de la estafa emocional.
La escena en la que los empleados de The White Lotus reciben a los huéspedes VIP es muy signficativa. Esas sonrisas falsas, hablando entre dientes de cómo hay que ocultarse, van a definir su relación con ellos.
La disparidad económica entre ambos grupos se deja clara desde la llegada al hotel, cuando Armond da las directrices de cómo deben comportarse los empleados, haciéndose “invisibles” y “neutros”, para que los únicos protagonistas de las vacaciones sean los clientes. Como un “Kabuki tropical”.
No obstante, Armond tiene claro que se trata de clientes caprichosos, borrachos de privilegios, que se creen con potestad de pasar por encima de ellos, y se refiere a ellos como “hijos únicos mimados”.
Crítica de la cultura woke
The White Lotus no se limita solo a hacer sátira de los privilegios y la clase dominante, sino también de la cultura woke y cómo hasta los más favorecidos la asumen y la utilizan en su día a día, incluso para medrar.
Así, Olivia, la hija de Nicole Mossbacher, critica a sus padres unos presuntos prejuicios homófobos mientras se comporta de una manera absolutamente clasista con Rachel y déspota con todos los que la rodean, especialmente con su hermano, al que su madre, admiradora del feminismo liberal de Hillary Clinton, se refiere como perteneciente a una minoría oprimida por ser un adolescente blanco y heterosexual.
Las dos amigas universitarias son soberbias y altaneras con el resto de huéspedes, incluyendo sus propios acompañantes, y usan la cultura woke como fachada.
Los diálogos se tornan incómodos y el espectador siente cómo se ruboriza por momentos, con cotas altísimas de hilaridad como la conversación entre Nicole y Rachel en la que Nicole acusa a la joven recién casada de haber escrito un artículo infame en el que ha quedado reflejada como una oportunista que ha utilizado el movimiento #MeToo para ascender profesionalmente, ante lo que ella solo responde con que lo ha copiado de otro sitio.
La conversación entre Nicole y Rachel, uno de los diálogos más tensos visto en series en 2021.
En este sentido, The White Lotus recuerda mucho a Succession, pues la tensión entre los personajes hace que el aire sea cortante, aunque carece de las historias de corrupción y tejemanejes empresariales de esta última.
No obstante, y mientras esperamos con las palomitas preparadas la otra joya de ricos y poderosos de HBO, The White Lotus ha sido un excelente divertimento.
Visitar o revisitar la filmografía y los shows de Ricky Gervais (muchos de ellos con Stephen Merchant) siempre hace aflorar nuestro lado más irónico, sarcástico, desvergonzado y políticamente incorrecto, pero también el más humano y sensible. Hoy, un día después de haber terminado la maravilla de After Life, me apetece dar un paseo por las principales series de este maestro del humor irreverente.
The Office
La serie más exitosa de Ricky Gervais y Stephen Merchant, rodada en forma de falso documental paródico, se ambienta en una gris sucursal de la empresa papelera Wernham-Hogg y cuenta con Gervais como protagonista interpretando el papel del gerente David Brent. Ignorante, vanidoso, frustrante y en muchos casos ofensivo, Brent se percibe a sí mismo como simpático e ingenioso, lo que da pie a numerosas situaciones embarazosas y un humor muy incómodo y adictivo.
Los más fanáticos podrán deleitarse con las diversas adaptaciones que se han realizado, entre ellas la chilena, la francesa, la alemana o, la más famosa de todas, la estadounidense, con Steve Carell como protagonista.
The Office, como todas las producciones de Gervais, está plagada de situaciones incómodas.
Mención especial merece este remake por los cambios que se introducen en el personaje protagonista que, a pesar de mantener el don de la inoportunidad y la capacidad de molestar a todos sus empleados, pierde aspectos desagradables en favor de un patetismo entrañable que engancha desde el primer episodio. Y es que Michael Scott se entromete continuamente en la vida personal de sus empleados para suplir su carencia de amigos, y es esta desesperación la cualidad que, pese a que no soportaríamos a una persona así en la vida real, hace que no sólo nos riamos, sino que también nos compadezcamos de él.
Extras
Esta serie de tan solo dos temporadas muestra la vida de Andy Millman (Ricky Gervais), un actor con mucha ambición y con un guion que intenta vender a toda costa que se ve reducido a trabajar como figurante debido en gran parte a la inutilidad de su agente (Merchant).
Junto a él siempre se encuentra su aparentemente única amiga, Maggie Jacobs, una frustrada actriz treinteañera cuyo principal objetivo parece ser encontrar pareja. Maggie posee muy pocas dotes sociales, lo cual la lleva a provocar escenas que provocan una vergüenza ajena desternillante.
Dentro del guión se desarrollan otros géneros, resaltando una metacomedia en la que se ponen de manifiesto las críticas de Gervais y Merchant al mundo de la televisión y los argumentos facilones que prefieren las grandes cadenas a la hora de producir shows de humor.
La genialidad de Ricky Gervais es tal que artista que se precie quiere hacer cameos en sus obras.
En cada episodio aparecen, además, actores conocidos, triunfadores en la actualidad o ya fracasados, que aportan un contrapunto a las incipientes carreras de Millman y Jacobs. Los desaforados intentos de los dos protagonistas por medrar los llevarán a meteduras de pata de proporciones épicas con Samuel L. Jackson o David Bowie, entre otros.
Otros casos, como las parodias de Les Dennis (humorista, presentador y actor inglés venido a menos) y Warwick Davis (protagonista de Willow) darán lugar a otras series que conforman el ‘universo Gervais-Merchant’, como la que analizaremos a continuación.
Life´s too short
El título de esta sátira ya describe por sí mismo parte del contenido: la complicada vida de Warwick Ashley Davis, que padece displasia espondiloepifisaria congénita (enanismo) y de cuyo nombre como actor ya nadie se acuerda.
Warwick Davis, que se interpreta a sí mismo, intenta conseguir dinero de las formas más inverosímiles para hacer frente a la ruina económica que le está causando su divorcio, además de su fracaso profesional continuado.
El papel de Warwick no obedece a la corrección política que en otros casos supondría un guión con una persona con enfermedad como protagonista. Lejos de ser noble u honesto, en la mayor parte de la trama Warwick, que además es dueño de una agencia de actores enanos, se comporta de manera inoportuna, mezquina y tramposa.
El humor políticamente incorrecto de otras series adquiere en esta una dimensión corrosiva, hasta el punto de conseguir que el público se ría a carcajadas, pero con sentimiento de culpa. Situaciones embarazosas e incómodas se suceden una tras otra sin que se pueda apartar la vista de la pantalla.
En Life´s too short el espectador se encuentra en numerosas ocasiones pensando: ¿de verdad me estoy riendo con esto? Sí, me estoy riendo con esto.
Life´s too short, una de las obras más controvertidas de Gervais y Merchant, se presenta como mockumentary, contraponiendo las declaraciones de Warwick a cámara con la realidad de su vida ,y logrando así hacer todavía más cómica la diferencia entre lo que él percibe o se esfuerza por percibir y lo que realmente está pasando a su alrededor, como aquellos anuncios de la FAD. Las continuas miradas incómodas de Warwick a la cámara consiguen, además, reforzar lo esperpéntico de su situación.
En esta serie, en la que Gervais y Merchant interpretan una parodia despiadada de sí mismos, aparecen también artistas haciendo ‘cameos’, como Johnny Depp, que alude a la polémica que tuvo cuando Gervais, siendo presentador de los Globos de Oro, dejó su película The tourist por los suelos de manera sarcástica; Sting, que se burla abiertamente de sus aficiones; o Val Kilmer, cuya caricatura es tan exquisita que debería ser delito realizar un spoiler sobre ella.
Life´s too short es una crítica feroz a la estafa de las agencias de actores y el mundo en general del cine y la televisión.
En Life´s too short el patetismo se convierte en comedia de manera magistral, logrando que el público sienta profunda empatía y admiración por todos esos actores que, como el castizo Jorge Sanz, saben reírse del hundimiento de sus propias carreras, aunque quizá, llegados a ese punto, ya no les quede otro remedio que aceptar estos papeles.
An idiot abroad
Enviar a un no muy inteligente inglés de clase media que rechaza salir de su “zona de confort” a viajar por todo el mundo y sumergirse en las costumbres más extravagantes y exóticas de las distintas culturas. Esta idea, aparentemente sencilla, da pie a un falso documental en el que el surrealista Karl Pilkington se interpreta a sí mismo como ‘hombre normal’ (“una especie de Homer Simpson en la vida real, limitado, vago, pero en su núcleo, una buena persona”, en palabras de Merchant). “Una de las más bromas más caras y divertidas que he hecho jamás”, describe Gervais en su introducción.
A lo largo de los viajes a China, India, Jordania, México, Egipto, Brasil y Perú, Pilkington se extraña, se maravilla, se lamenta y protesta por todo lo que ve, pero a la vez siempre termina haciendo lo que los productores Gervais y Merchant, que vuelven a hacer una sátira cruel de sí mismos, le ordenan desde Londres con el único objetivo de obtener risas y escarnio.
Los episodios son prácticamente soliloquios en los que Pilkington revela sus reflexiones de hombre con pocos recursos y escasa capacidad para las relaciones sociales. Para paliar esta soledad los maléficos Gervais y Merchant le darán en uno de ellos a Warwick David como compañero de viaje.
Sus reacciones ante las distintas tradiciones que encuentra a su paso son tan naturales que da la impresión de que no existe guión, sino una sucesión de situaciones espontáneas en las que este ser anodino y gruñón intenta adaptarse con nulos resultados.
Karl Pilkington es, además, una pieza clave de otras obras como The Ricky Gervais Show con sus poemas, diarios, preguntas imposibles, etc., Derek, o esta magnífica pieza de humor que es Learn English with Ricky Gervais:
Derek
Este último título es una experiencia en solitario de Ricky Gervais y es, sencillamente, una obra maestra.
Con Derek, Gervais pone el clavo en el ataúd de las sitcoms y avanza en una nueva forma de entender el humor, compaginando brillantes y desternillantes diálogos con fuertes y trágicas emociones. Estos sentimientos, además, se generan de forma natural al narrar las situaciones habituales de la vida en una residencia de ancianos, espacio que da pie a la trama.
Un mockumentary maduro y comprometido que muestra la vida de Derek -personaje principal protagonizado por Gervais-, voluntario, autista y con bondad y sensibilidad extremas, y sus amigos y compañeros: el frustrado conserje Dougie (Karl Pilkington), el pervertido Kev, la amable y altruista Hanna, gerente de la residencia, los ancianos y los jóvenes que envían desde servicios sociales para cumplir condena por delitos menores.
La ternura de Derek destaca en un mundo de corrupción y deshonestidad.
Si las creaciones de Gervais y Merchant ya criticaban las costumbres sociales, la forma de interpretar la historia, la corrección política que encierra falsedad en el tratamiento de temas como la discriminación o las enfermedades, la moralidad, etc., en Derek Gervais da un paso más para poner de manifiesto la tragedia que viven los ancianos en la sociedad occidental.
Una tragicomedia que intercala las risas más enloquecidas con la tristeza cotidiana más desgarradora y en la que se percibe la pasión y la compasión de Gervais, tanto por la historia como por los personajes. Gervais at his best.
After Life
Y qué decir de After Life, una comedia dramática negra en solitario de Gervais en la que interpreta a Tony, trabajador de un periódico en la pequeña localidad de Tambury que, tras fallecer su mujer por un cáncer de pecho, decide convertirse en un ser avinagrado que va diciendo “la verdad” a todo el que se encuentra, incluyendo también a las personas que se preocupan por él.
Bajo una apariencia nihilista, en After Life encontramos un auténtico canto de esperanza y amor por la vida y por los demás. Porque Gervais, activista del ateísmo, no pierde la oportunidad de señalar lo bella e increíblemente mágica que es la propia vida, incluso a pesar de las desgracias.
Los diálogos sobre el duelo y el sentido de la vida adquieren tintes tragicómicos en After Life.
Como en otras entregas de Gervais, por After Life pasan personajes muy diversos, desde un padre con Alzheimer hasta un vecino que sufre Síndrome de Diógenes, todos ellos vistos con una mirada profunda en la que caben tanto la risa como la compasión más tierna.
No ha habido episodio en el que no se me hayan saltado las lágrimas, tanto por la risa como por la emoción. Melancolía y humor a raudales.
La comedia política más desternillante del momento, Veep, ha llegado a su fin con una temporada que ha brillado por el humor corrosivo, más que las anteriores, y las muestras nada pudorosas de corrupción por parte de su protagonista, Selina Meyer.
Los insultos que se arrojan los mezquines y miserables personajes de Veep siguen siendo sublimes.
Corrupción sin miramientos
En anteriores temporadas de Veep se asomaban indicios de corrupción, pero en la mayor parte de los casos esta se producía como consecuencia de alguna negligencia o descuido de Selina y su desastroso equipo.
En esta última, sin embargo, los guionistas han ido más allá y han puesto en la candidata demócrata tantas ansias por gobernar que no ha tenido ningún reparo a la hora de cometer actos de corrupción tan graves como prometer prebendas a China a cambio de financiación ilegal para su campaña.
La “nueva Selina” que se anuncia en la campaña en realidad es más corrupta y peor que la anterior, adaptada a los nuevos tiempos políticos, llegando a aceptar sobornos del gobierno chino.
En este sentido, Veep se enmarca dentro de la corriente que sigue The Good Fight de alimentarse de las tendencias políticas nacionales en Estados Unidos, extremistas, desmedidas y exaltadas debido a la irrupción de Donald Trump en la Casa Blanca.
La injerencia extranjera en las elecciones estadounidenses es un tema de actualidad que no han querido pasar por alto los guionistas de Veep.
Así, la campaña de su oponente Jonah es un despropósito que, sin embargo, no se aleja mucho de las barbaridades que soltó el ahora presidente de la nación más poderosa del mundo en su momento, y las que sigue diciendo a través de medios oficiales.
En esta última temporada encontramos escenas hilarantes, como esta en la que los fans de Jonah comienzan a pedir que se supriman las matemáticas de las escuelas tras conocer que fueron inventadas por los árabes.
Humor corrosivo
La última y definitiva entrega de Veep hace gala de un humor todavía más corrosivo y unos personajes todavía más despreciables, inmersos en un mundo grotesco y estrafalario en el que nada escapa de la mofa.
Ciudades que tienen un perro por alcalde, fiestas de empresarios ricos en las que los políticos llegan a hacer números circenses para obtener financiación para sus campañas, votantes fanáticos conservadores dispuestos a tumbar las matemáticas por ser “musulmanas”… podríamos decir que el género de la sátira se entremezcla con el documental en infinidad de casos en Veep, lo que la hace todavía más sangrante y procaz.
La corrupción entre los empresarios, especialmente los de negocios turbios como las cárceles (privatizadas en Estados Unidos) o el juego, y la financiación de campañas es un tema que también aparece en esta temporada de Veep.Selina, como en temporadas anteriores, termina consiguiendo éxitos a costa de sus propias negligencias, como en este caso, que pone de moda el lema “sé un hombre” mientras habla de feminismo.
Uno de los momentos de humor corrosivo exagerado se da cuando tratan el tema del aborto, que Selina casi obliga para terminar con el embarazo de su jefa de campaña, aunque luego no tiene ningún problema en negarlo cuando se trata de azuzar a los votantes más conservadores de estados como Carolina del Sur.
El aborto es un tema bastante presente en esta temporada de Veep, en la que Amy se queda embarazada y Selina, tras mofarse en varias ocasiones de su gordura, le espeta un “¿he luchado durante toda mi vida por el aborto para que ahora quieras tener un niño?”.
Al llegar a la clínica, un grupo de antiabortistas reciben a Amy de muy malas maneras…
… pero ella les da una respuesta muy en su línea.
Veep hace humor con temas como el sexismo, con el que la propia Selina se siente identificada, llegando a decir “no puedo empezar mi discurso con la frase “como mujer” porque la gente odia a las mujeres”, el terrorismo interior y exterior, las guerras en Oriente Medio o el racismo.
Una genialidad del género de la comedia que nadie se atrevería a hacer en España.
Casi me pilla la segunda temporada de Succession de HBO antes de terminar la primera, pero tenía tantas pendientes que he dejado esta sátira familiar para principios de 2019, por aquello de empezar con fuerza el año. Y no he podido elegir mejor.
Succesion es una historia sencilla sobre la corrupción moral y la lucha por el poder en el seno de una de las familias más ricas de Estados Unidos. Quizá nada que no hayamos visto antes, solo que contado de distinta manera.
La tragicomedia en Succession
Y es que Succession no es un drama, sino una comedia negra en la que los personajes, al menos tal y como yo lo he percibido, son tratados sin ningún tipo de respeto.
Succession, como he dicho más arriba, es una sátira en la que tanto el padre, en el primer episodio, como los hijos, que van descubriéndose cada vez más como egoístas, inútiles y antipáticos son seres miserables con los que no solo resulta imposible empatizar, sino que realmente provocan cierta satisfacción cuando les suceden las desgracias.
Los personajes son ridículos y miserables que no parecen tener consciencia ni del lugar en el que se encuentran.
Es una serie que persigue una actitud cínica y un tanto frívola en el espectador, casi tan cínica y frívola como la de los propios personajes, que se desplazan en helicóptero para ir a un cumpleaños, se reúnen en ranchos en New México o asisten a fiestas clandestinas sofisticadas de las que el resto de mortales no tenemos conocimiento.
Y, a pesar de todos esos lujos, sus vidas son realmente tristes e inestables y están sujetas a la crueldad de un mundo de millonarios que no dudarían en apuñalarse por la espalda con tal de medrar.
Probablemente el personaje más patético de la serie. El supuesto heredero de la empresa del que todos se ríen y al que todos llaman “nene de papá”.
El mejor personaje de Succession
En medio de la vorágine que sacude a la familia de Logan Roy, el multimillonario magnate de la comunicación (que recuerda a Rupert Murdoch) tras sufrir este un ictus, y con sus tres hijos y su única hija en una lucha de poder que alcanza cotas de absoluto patetismo, destaca un personaje inocente, que sería una víctima si su único objetivo en toda la trama no fuese trepar.
Greg es el personaje más ridículo y arrastrado de todos. Poco a poco se va acostumbrando a las costumbres y la corrupción familiar.
Se trata del sobrino de Logan Roy, el “primo” Greg Hirsch, hijo de una sobrina de Logan que busca colocarlo en las empresas de su tío, pero este se niega a hacerlo hasta que su hermano y abuelo de Greg le pida perdón.
Greg intenta por todos los medios conseguir un puesto en la empresa de su tío.Todos saben que es una sabandija y aun así no dudan en utilizarlo para sus propios fines.
Greg tiene escenas hilarantes que, sin embargo, los que hemos vivido ciertas situaciones de apuro conocemos bien, como cuando le quedan solo 20 dólares en el bolsillo, los últimos 20 dólares con los que podrá volver a su casa, y su prima ultramillonaria se los pide para comprar algo en la máquina de bebidas porque no tiene cash. Y él, pringado, se los da, pero los espectadores sabemos que ella no se los va a devolver y que eso acaba de atarle todavía más a la situación bochornosa en la que se encuentra.
“Cousin Greg”, como lo llaman en la versión original, se convierte en mercenario de todos y cada uno de los hermanos y poco a poco va convirtiéndose en otro ser corrupto y vil como todos los que lo rodean.
Quizá no ha sido la serie de la que más se haya hablado, pero Succession es una auténtica joya de la comedia negra, así que os recomiendo que, si no la habéis visto, lo hagáis cuanto antes. Y no le tengáis en cuenta el primer episodio, que puede hacerse largo, porque lo bueno viene después. Y no defrauda.
Los últimos meses han sido frenéticos en cuanto a buenas series. Tengo tantas de las que hablar que casi no dispongo de tiempo para ello. El post de hoy se la quiero dedicar a la, con toda seguridad, más irónica e irreverente de todas: The Young Pope.
The Young Pope, finísima
The Young Pope es una sátira de la corrupción y los entresijos más terrenales del Vaticano. Pero no penséis que hacer esta descripción es tan sencilla, porque los primeros episodios parece que van a tratarse de un drama, o de una historia de personajes.
Pero a medida que van transcurriendo los episodios empiezas a darte cuenta de que Lenny Belardo, el extraño y tirante Papa interpretado por Jude Law, es una maravillosa y fina caricatura que podría contener en sí misma los rasgos más extravagantes de varias de las cabezas de la Iglesia.
The Young Pope es la historia de un Papa que no cree en dios y a la vez padece Complejo de Dios. De un Papa joven que vive la contradicción entre sus pulsiones, aunque estas no llegan a estar nunca claras, y su fe basada en los preceptos más reaccionarios de la Iglesia.
Este Papa, elegido de manera bastante inusual pensando que podría ser el enlace entre las posturas más conservadoras y liberales, no tiene el menor reparo a la hora de hacer rupturas diplomáticas o desencantar a la prensa. La tensión en los diálogos y sus respuestas comedidas en la forma y desmedidas en el contenido atrapan desde el primer episodio.
La gran belleza de Sorrentino
Una de las mejores características de The Young Pope la encontramos en quién firma la serie. El aclamado y muy conocido entre quienes nos gusta el cine Paolo Sorrentino.
Sorrentino, autor de dos de mis películas favoritas por distintos motivos, Il Divo y La gran belleza, combina en The Young Pope los elementos con los que también sabe jugar. Por una parte, la creación del personaje Lenny Belardo, un Papa poliédrico, con muchas aristas que esconden distintas facetas contradictorias entre sí. Por otra, la armonía, el buen gusto y el goce estético en la composición de los planos.
Algunas escenas parecen coreografías de cardenales perfectamente acompasados a la también magnífica banda sonora. Desde la versión del clásico de Jimi Hendrix Watchtower (también utilizado en Battlestar Galactica), pasando por LMFAO, Belle & Sebastian, Venetian Snares, Trentemoller o Kronos Quartet, los temazos se suceden en The Young Pope.
El redescubrimiento de Jude Law
Y, cómo no, hablar de The Young Pope es hablar de Jude Law y su interesantísima interpretación de protagonista.
A caballo entre la ironía y el suspense, a ratos hilarante y a ratos atemorizante, los matices que le da a Lenny Belardo recuerdan al mejor Jude Law. A aquel Jude Law que en 2001 bordaba sus papeles en Enemigo a las puertas e Inteligencia Artificial.
Jude Law resplandece en el papel del Papa joven dispuesto a cargar contra la corrupción, las luchas internas de poder y los tejemanejes de cardenales y alto clero. Y a su vez transmite de manera muy elegante la socarronería que tiene la serie. Parece un papel creado para él.
