Category: Cultura

La Caixa y el Museo Picasso traen a Warhol a Madrid
La Obra Social la Caixa y el Museo Picasso Málaga presentan en Madrid la exposición Andy Warhol. El arte mecánico, que incluye los iconos más emblemáticos de la creación del artista de Pittsburgh.
La muestra, que se exhibe en CaixaForum Madrid hasta el próximo 6 de mayo, cuenta con un total de 348 piezas (pinturas, culturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones, libros, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico) de más de 30 coleccionistas, entre los que se encuentra el Museo Andy Warhol de Pittsburgh.
La esencia de Warhol
Warhol. El arte mecánico es un recorrido a través de la biografía personal y la obra del artista desde sus inicios como diseñador gráfico comercial para revistas como Glamour, Vogue o Harper´s Bazaar hasta su muerte en 1987.
A través de la muestra se abordan la mecanización y registro de imagen y sonido con cámaras fotográficas y grabadoras, o de impresión como la serigrafía y cómo le sirven para aplicar la noción de progreso en su obra son protagonistas y, en definitiva, las distintas transmutaciones que va experimentando el conjunto de su legado en su carrera.
Uno de los aspectos que más me han gustado de la exposición es su hincapié en las instalaciones como las Silver Clouds, fabricadas especialmente para el Programa Espacial de la NASA, o Exploding Plastic Inevitable, los actos multimedia en los que se mezclaban actuaciones musicales de The Velvet Underground y Nico con proyecciones de películas de Warhol y actuaciones de los clásicos de The Factory.
Otro de los aciertos es haber sabido plasmar el hervidero de ideas y creación que fue The Factory, donde según John Cale, el partner de Lou Reed en The Velvet Underground, “cada día ocurría algo nuevo”.
Hoy cuesta imaginar un espacio de confluencia de artistas visuales de la talla de Andy Warhol con músicos como Bob Dylan o Mick Jagger, y eso sin contar el amor libre que se respiraba en el estudio.
De gira hasta el Museo Picasso Málaga
Andy Warhol. El arte mecánico ha estado expuesta entre el 14 de septiembre y el 31 de diciembre en CaixaForum Barcelona, con más de 228.000 visitantes. Estará en CaixaForum Madrid hasta el próximo 6 de mayo, como he señalado más arriba, y desde aquí viajará a Málaga, concretamente al Museo Picasso Málaga, organizador junto con la Caixa de la muestra.
José Lebrero Stals, director artístico del museo malagueño, es el comisario de esta exposición. Lebrero, que tiene una trayectoria destacable, fue conservador jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) de 1996 a 2002 y director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla de 2003 a 2009.
Como actividad atractiva para los amantes de Warhol, la Obra Social la Caixa plantea la Noche de Warhol el próximo 13 de abril, en la que CaixaForum Madrid recreará el ambiente especial que se vivía en The Factory, con artistas visuales y músicos con propuestas propias de agitación cultural.
En Madrid, además, se pueden ver como novedad con respecto a Barcelona cuatro obras: Single Elvis (1964); Most Wanted Men No. 1, (1964); Self-Portrait, (1966); y el vestido The Souper Dress (1967).
23 marzo, 2018
La Caixa y el cambio a través del arte
El programa Art for Change de la Obra Social la Caixa destinará un total de 349.820 euros a su programa Art for Change la Caixa (arte para el cambio).
La principal finalidad de este programa, que nació en 2007, es conjugar la creación artística y la transformación social a través de la colaboración de personas y colectivos en situación de vulnerabilidad en procesos creativos liderados por un artista concreto.
Propuestas para el cambio
En la convocatoria de 2017 se presentaron un total de 224 propuestas de artistas y entidades culturales de toda España, de las que han sido seleccionadas 18 procedentes de Madrid, Barcelona, Girona, Lleida, Valencia, Navarra y Las Palmas.
Se prevé que participen más de 2000 personas que tendrán la oportunidad de realizar un proceso de cambio personal y social a través de una actividad artística.
A la hora de adjudicar los proyectos se ha tenido en cuenta, según señala la Caixa, “el fomento del desarrollo personal del participante mediante su implicación en el proceso creativo; la cohesión y la inclusión social a partir de la creación de espacios neutrales de relación, intercambio y convivencia, y la regeneración social de carácter comunitario mediante actividades que contribuyan al desarrollo de barrios o grupos sociales y a reforzar conceptos como la identidad y la autoconfianza”.
Art for Change la Caixa en Madrid
En Madrid las ayudas de Art for Change la Caixa han recaído en Andrea Jiménez García y su proyecto de teatro Transformando el ahora; en la asociación Amigos del CA2M, que tiene como objetivo apoyar los fines del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, con la propuesta de vídeo titulada Máscaras, y en la guionista, actriz y profesora de teatro Paloma Pedrero Díaz-Caneja para Una guarida con luz. Un proyecto teatral para la inclusión social.
Cataluña es la comunidad que más ayudas recibe, con un total de diez proyectos para las provincias de Barcelona, Girona y Lleida. Y Navarra, Canarias y la Comunidad Valenciana también reciben dotación, con proyectos de danza, música, circo y danza.
Por actividades, las artes plásticas y la danza, con cuatro proyectos cada una, son las que mayor éxito han tenido esta convocatoria, seguidas del teatro y la música (3), la fotografía (2) y el vídeo y el circo (1).
29 enero, 2018
Cajasol va Tras los pasos del Faraón
La Fundación Cajasol en Sevilla acaba de presentar la exposición Tras los pasos del Faraón, en la que se rinde homenaje por los diez años de la misión hispano-egipcia en el templo de Millones de Años de Tutmosis III, dirigida por la doctora Myriam Seco.
Ante un aniversario tan señalado, esta muestra fotográfica sintetiza los avances acaecidos durante el pasado decenio.
Quién fue el Faraón Tutmosis III
Tutmosis III fue un faraón de la dinastía XVIII que logró crear un imperio que iba desde Siria central hasta el norte de Sudán en el siglo XV a.C. Su obra política, en la que mezcló guerra y diplomacia, perduró durante siglos.
Este rey, aficionado a la flora y la fauna, como revelan los relieves de sus templos y pinturas en las tumbas de algunos de sus funcionarios, militares y sacerdotes, realizó obras arquitectónicas en diversas partes de Egipto. Las más conocidas están en el actual territorio de Luxor.
Especialmente significativos son su legado en Karnak, su templo de Millones de Años y su hermosa tumba en el Valle de los Reyes.
Tras el gobierno de Tutmosis III, Egipto experimentó un período de esplendor que se prolongó, con algunos altibajos, a lo largo de tres siglos. Los monumentos conservados de los reyes y la belleza de las tumbas de sus funcionarios son buena muestra de ello.
El templo del faraón Tutmosis III
El templo de Millones de Años de Tutmosis III era un gran complejo arquitectónico destinado a mantener vivo el recuerdo del difunto faraón. Conformaba una unidad económica con sacerdotes, personal administrativo y artesanos para la conservación de las estructuras.
En la margen oeste de Luxor pueden contemplarse diversos templos de esta clase, entre los que sobresalen los de Hatshepsut, Amenofis III, Ramsés II y Ramsés III.
El templo del faraón Tutmosis III fue construido en el límite de la tierra fértil con el pie de la montaña, en una zona rocosa conocida como el Assasif. Fue construido a partir de terrazas comunicadas a través de una rampa.
La imponente estructura se mantiene fiel a los cánones egipcios del eje este-oeste, siguiendo el ciclo solar. Sus partes esenciales eran: un gran pilono, dos patios, un pórtico, un peristilo, una sala hipóstila y la zona del santuario.
A estos elementos hay que añadir: una capilla de Hathor, viviendas para sacerdotes y un edificio administrativo en el sur, así como un sector de talleres y almacenes en el norte. Todo ello resguardado por un muro de adobe.
El papel de la Fundación Cajasol en esta investigación
La Fundación Cajasol ya ha acogido con anterioridad a Myriam Seco, en concreto durante la presentación de su libro ‘Tutankhamón en España: Howard Carter, el duque de Alba y las Conferencias de Madrid’, ganador del premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2017.
La arqueóloga sevillana goza de gran prestigio y reconocimiento en España y en el ámbito internacional, y la Fundación Cajasol se ha unido a esa consideración premiándola y dándole ahora la oportunidad de dar a conocer todo ese exhaustivo trabajo a través de esta exposición en la Sala Murillo de su sede.
La muestra puede visitarse hasta el 11 de febrero y tiene, entre otros atractivos, programada una jornada bajo el título ‘Diez Años de trabajos en el yacimiento del templo de Millones de Años de Tutmosis III’, que acogerá dos conferencias: ‘El faraón y su templo de Millones de Años’, a cargo del Dr. Javier Martínez Babón, y ‘Las necrópolis y el futuro del yacimiento’ a cargo de la Dra. Myriam Seco Álvarez.
16 enero, 2018
Giorgio de Chirico en Caixa Forum Madrid
Sueño o realidad, el mundo de Giorgio de Chirico es el título de la exposición que se muestra hasta el próximo 18 de febrero en Caixa Forum Madrid después de un más que exitoso paso por Barcelona.
Se trata de una retrospectiva por todas las etapas pictóricas de este gran artista italiano, y no está exenta de crítica, pues hay quien afirma que deberían haberse incluido piezas más significativas que mostrasen con mayor claridad el calado del fundador de la scuola metafisica.
La obra de Giorgio de Chirico
Giorgio de Chirico (1888, Volos – 1978, Roma) comienza su carrera artística en la década de 1910 con un periodo metafísico inicial surgido, según cuenta la leyenda, de una visión que tuvo estando en la Plaza de Santa Cruz de Florencia.
Es en esta época cuando refleja su particular e inquietante mirada a la arquitectura renacentista, con paisajes urbanos con colores planos, poco naturalistas y marcados por la perspectiva matemática. Y serán precisamente estos paisajes de ensoñación los que hagan que el movimiento surrealista lo acoja en su seno.
Tras su obra Piazza souvenir de Italia (1925), en un contexto de posguerra de la I Guerra Mundial, se produce en su obra la llamada “vuelta al orden”, con un gusto por el neoclásico y el neobarroco que disgustó a los surrealistas coetáneos, por lo que quedaría desterrado de ese grupo.
De Chirico, no obstante, regresa una y otra vez al estilo metafísico a lo largo de su carrera, fundamentalmente porque ese era el estilo en el que resultaba más reconocido y del que mayor éxito podía obtener.
Una cuestión divertida a este respecto es que le gustaba realizar muchas réplicas con pequeñas variaciones de sus temas preferidos y, como en las galerías tenían predilección por las más nuevas, de Chirico ponía las dos fechas. Por poner un ejemplo, de la obra El Trovador existen más de 150 réplicas con fechas distintas.
La muestra de Caixa Forum
La muestra representa las principales fases creativas de Giorgio de Chirico y retrata la continua investigación de la idea artística, marcada por una constante búsqueda en el plano iconográfico y simbólico.
Dividida en seis áreas cronológico-temáticas, la exposición comienza con el Retrato de la señora Gartzen, que da paso a una sección de autorretratos, para los que usaba el género clásico por excelencia y también una gran carga de ironía, sobre todo en los disfraces.
También se dedica una merecida parte a su época metafísica, si bien el cuadro El enigma de una tarde de otoño, que tanta fama le dio, no está presente.
Asimismo incluye esculturas realizadas por De Chirico a partir de 1940, en terracota y en bronce, con ediciones limitadas producidas posteriormente entre 1968 y 1970.
Termina, por último, con referencias al mundo clásico y gladiadores, dos temas que se entremezclan a lo largo de su obra debido a su pasión por recuperar los valores de la pintura renacentista y barroca.
Para las visitas familiares Caixa Forum ha preparado una actividad muy interesante y amena titulada Enigmas y Desconciertos, un espacio en el que realizar tu propia composición evocando la pintura metafísica con escenarios, objetos y relaciones inesperadas. Si vais con niños mayores de cinco años, seguro lo disfrutarán.
5 enero, 2018
ABC y La Caixa recorren las Historietas del Tebeo
El Museo ABC, con la colaboración de la Obra Social la Caixa muestran en Madrid la evolución del tebeo a lo largo de casi todo el siglo XX. Un recorrido histórico a través de 300 obras que sirve para recordar las aventuras y los personajes con los que crecimos varias generaciones de españoles que ahora son clave en nuestra cultura y patrimonio gráfico.
Yo quiero un tebeo
Un total de 180 dibujos originales y 120 revistas narran la historia de los tebeos, su consolidación como género literario, cómo engancharon a los niños y niñas y responde a la pregunta de qué es un tebeo, esa palabra española tan entrañable a la que algunos incluso nos sentimos que engañamos cuando hablamos de cómics.
Pero es cierto que un tebeo no es un cómic. Un tebeo es esa creación gráfica nacida en 1917 con la revista TBO y que es uno de los estandartes de la cultura popular de nuestro país, tanto por la procedencia social de sus creadores como de sus lectores.
El tebeo en el franquismo
Los tebeos de esta exposición, que recoge su historia hasta 1977, en muchos casos tuvieron que sortear muchísimos controles de censura para poder ser publicados, especialmente a partir de 1955, fecha en la que el franquismo se percató de la gran influencia de la lectura entre los más jóvenes.
Aun así, los tebeos llenaban las casas y plasmaban entre sus páginas la idiosincrasia social, política y económica del momento en que se creaban. Por ello también sirven como fuente para los historiadores profanos a la hora de observar la evolución de los usos y costumbres sociales.
Algunos de ellos, laicos y subversivos, a día de hoy todavía podrían encontrar alguna que otra traba institucional a la hora de publicarse, y es que, en muchas cosas no hemos avanzado todo lo deseado (o hemos retrocedido con respecto a los 80).
La muestra en el Museo ABC
La exposición se divide en tres partes: una cronológica que empieza antes de 1917 y termina en 1977, donde se ubica la progresión de la industria y su contexto social, histórico, legal, etc.; otra de “Géneros, personajes y autores”, que repasa los distintos tebeos (humorísticos, de aventuras, románticos, oficiales, suplementos, agencias, etc.), y una tercera parte sobre las “intimidades del tebeo”, con revisión de almanaques, ediciones españolas de tebeos extranjeros, novelas gráficas para adultos de los 50 y 60, fascículos, etc.
Mis favoritos
Por todo lo que los seguí en mis tiempos de infante, quizá lo que más me ha gustado de la exposición haya sido la retrospectiva de TBO. Con colaboradores clásicos como Albert Mestre, Muntañola, Tínez, Coll, Buigas o Cuvillier, poder encontrar ejemplares de esta revista que solía disfrutar con mi padre me ha hecho brotar, incluso, alguna lágrima de nostalgia.
Reconozco que he disfrutado mucho también viendo ediciones antiguas de Jaimito y DDT, y que me he asustado un poco viendo la propaganda del régimen franquista para los menores en las hojas de Clarín o Trampolín.
En definitiva, Historietas del Tebeo, 1917-1977 es una exposición emotiva para quienes nos sirve de recuerdo y muy ilustrativa, nunca mejor dicho, para las nuevas generaciones que no conocen personajes clásicos de este género como Pulgarcito, El Capitán Trueno o Mortadelo y Filemón. La muestra estará abierta hasta el próximo 25 de febrero. No os la perdáis.

Capitán Trueno

Zipi y Zape

Mortadelo y Filemón

Museo ABC. Historietas del Tebeo, 1917-1977, exposición organizada con la colaboració de la Obra Social la Caixa.

Museo ABC.

Museo ABC.
15 diciembre, 2017
La Caixa y el Museo del Prado llevan Goya a Zaragoza
Aprovechando una visita relámpago a la capital de Aragón he podido disfrutar de la exposición Goya y la corte ilustrada, organizada conjuntamente por el Museo del Prado de Madrid y La Caixa en CaixaForum Zaragoza.
La muestra, que reúne 84 obras, incluidos 21 cuadros de Goya y 13 cartas escritas por el pintor y dirigidas a su amigo Martín Zapater, repasa la figura del pintor y su trayectoria artística durante sus años de consolidación en la corte para los reyes Carlos III y Carlos IV. Las obras proceden en su mayoría del Museo del Prado, e incluyen algunas de las más célebres pinturas del artista como La gallina ciega o El pelele.
Las cartas con Martín Zapater
Goya y Zapater fueron grandes amigos. Se sabía ya, aunque algunos no hemos tenido el placer de ver sus misivas hasta esta exposición.
Ambos pertenecían a clases sociales inferiores a las que llegaron y se ayudaron mutuamente en su escalada en los negocios y en palacio. El contacto con la corte fue crucial para Goya, pues determinó su trayectoria profesional.
Durante la investigación para la realización de esta muestra los comisarios se han encontrado, además, con sorpresas como el hallazgo de un nuevo retrato temprano de Martín Zapater hecho a mano por Goya, una miniatura del comerciante zaragozano obra de Francisca Isidra Meléndez y la identificación de una copia de buena calidad del retrato perdido de Goya de Ramón Pignatelli, propiedad de Agustín Esteve.
Colaboración La Caixa – Museo del Prado
La materialización de este gran proyecto es consecuencia del acuerdo de colaboración que suscribieron, en septiembre de 2015, el presidente de la Fundación Bancaria La Caixa, Isidro Fainé, y el presidente del Real Patronato del Museo del Prado, José Pedro Pérez Llorca, para intensificar la acción cultural conjunta que ambas instituciones ya venían realizando en los últimos años.
El compromiso de colaboración entre ambas instituciones se concretó en 2009 con la puesta en marcha del programa educativo La Caixa – Museo del Prado. El arte de educar, que introducía a los más jóvenes en el placer de conocer las obras de arte. El arte de educar ha permitido, desde su puesta en marcha, que más de 328.000 niños y niñas en edad escolar se beneficien de este proyecto educativo.
Otras exposiciones fruto de esta colaboración han sido Goya. Luces y sombras, La belleza cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado (en CaixaForum Barcelona), El Paisaje Nórdico en el Prado y Los objetos hablan.
La muestra que se puede ver estos días en Zaragoza y que en principio solo iba a estar disponible en ese emplazamiento se presentará también en el Museo Bellas Artes de Bilbao, que también se ha sumado al proyecto.
6 noviembre, 2017
Fundación Cajasol y Ayuntamiento de Sevilla reviven el 92
Sevilla este verano, a pesar del calor, es una ciudad de visita obligada. Porque es una fiesta, la fiesta del recuerdo de la Exposición Universal del 92, un año emblemático para España también por las Olimpiadas de Barcelona. Tanto el Ayuntamiento como la Fundación Cajasol han aprovechado estas fechas para realizar muestras que invitan a reflexionar sobre si éramos tan modernos y cómo nos cambiaron los eventos de la época.
¡¿Éramos tan modernos?!
¡¿Éramos tan modernos?! es el nombre que la Fundación Cajasol ha otorgado a su exposición, no tanto sobre la Expo del 92, sino sobre el concepto de modernidad que reinaba en España en aquel momento y cómo se manifestaba en la sociedad y en las disciplinas artísticas.
El nombre lleva un interrogante porque, según los organizadores, ni ellos mismos conocen la respuesta, pero también lleva una exclamación porque, efectivamente, algo (o bastante) modernos sí que éramos (en mi caso en el 92 estaba en mis plenos 20 añitos, era universitario y pude disfrutar mucho del ambiente que se vivía).
Bien es cierto que, como dice la exposición de la Fundación Cajasol, de manera paradójica “la modernidad es la repetición de lo nuevo”, y en la Expo de Sevilla se retomó el concepto del descubrimiento de América que ya se había utilizado en la Expo de 1893 en Chicago y en la Exposición Iberoamericana de 1929, que justamente se realizó en Sevilla y que también aparecen reflejadas en esta muestra.
Tradición no es incompatible con modernidad
El tratamiento de lo clásico bajo el viento fresco de la modernidad se puede observar en la Vista de Sevilla de Carmen Laffón, que pese a tener estilo clásico representa de forma novedosa la ciudad.
También se percibe en obras como la “Macarena Pop” de Manolo Cuervo (aunque es pre-Expo) que en la exposición aparece enfrentada a las puertas del pabellón de España de Gerardo Rueda porque la primera es una revisión transgresora de lo tradicional mientras la segunda tiene apariencia moderna, pero en realidad es bastante tradicional.
Una modernidad indiscutible se daba en terrenos como la música, la arquitectura… y la moda, porque ¡hay que ver cómo íbamos todos a principios de los 90! (No es casual que hoy se estén volviendo a desempolvar muchos de esos cortes en la ropa y los ‘hipsters’ parezcan sacados de una de aquellas larguísimas colas de la Expo de Sevilla… ¡Je, je, je!).
En este sentido, algo que deja claro ¡¿Éramos tan modernos?! es que modernidad no equivale a vanguardia, aunque beba de ella.
Otro elemento que no podía faltar en esta exposición es una mirada al que fue el ‘invento’ más sonado del año 92 en Sevilla: el AVE. El tren de alta velocidad que permite hacer el recorrido entre Madrid y Sevilla en dos horas y media fue un protagonista indiscutible de ese año.
La Sevilla del 92
Otra exposición de obligada visita estos días en Sevilla (esta estará presente hasta el 4 de octubre, la de la Fundación Cajasol, hasta el 3 de septiembre, con visitas guiadas de martes a jueves a las 11:30 horas sin cita previa) es Cómo Expo´92 (in)fluyó en Sevilla, organizada por el Ayuntamiento de Sevilla.
Esta muestra cuenta con 30 fotografías a tamaño gigante de la Agencia Efe y está instalada a lo largo de la Avenida de la Constitución, epicentro de Sevilla.
En ella se expone el proceso de construcción de la Expo desde las primeras máquinas que llegaron a la Cartuja, el puente de la Barqueta o los pabellones como el de la URSS, que pasó a ser el de Rusia porque ya no existía la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas cuando se inauguró.
También se muestran imágenes del transcurso del evento, espectáculos como el músico-pirotécnico del lago y de los pabellones.
En definitiva, pasear estos días por Sevilla supone revivir la emoción que se experimentó aquel año en que, como dice uno de los testimonios de los vídeos de la Fundación Cajasol, “En Sevilla quedó el convencimiento de que éramos capaces de hacer cosas como los demás”.
17 agosto, 2017
Diez años del programa Art for Change de la Caixa
Hace unos días se ha celebrado el décimo aniversario del programa Art for Change de la Caixa, que fomenta la inclusión y el respeto a la diversidad a través de procesos creativos y disciplinas artísticas.
Éxitos rotundos del programa
Allá por 2007, fecha en que se inició, el programa era pionero en cuanto a la utilización del arte y la cultura como herramientas para la mejora personal y social. La accesibilidad a la cultura, que hoy es un tema que tenemos muy asumido, no lo era tanto por aquella época.
En estos diez años se han impulsado 327 proyectos por todo el Estado, con un total de 288 artistas y 144 entidades culturales, con una inversión de más de cuatro millones de euros.
Entre los proyectos promovidos destacan Political / Mother, un espectáculo en el que el coreógrafo Hofesh Shechter dirigió a 80 bailarines y músicos no profesionales de Salt y Girona; Migraland, un documental de Álex Rigola inspirado en el viaje de Ulises en el que se narra cómo la mitad de un pueblo consigue comprender a la otra mitad, inmigrante, a través de una obra de teatro atípica; Bálsamo y fuga. La creación artística en la institución penitenciaria, que explora la función de la creación para aliviar a las personas y hacerlas más libres en el contexto de la cárcel; o Navidad en Re, una instalación artística de Basurama para hacer una Navidad más sostenible y con menos consumo.
Últimos proyectos
En la edición de 2016 de este programa de La Caixa resultaron seleccionados varios proyectos, entre ellos Indrets invisibles de Es Baluard, que invita a repensar el espacio público y la ciudad a través de mujeres en situación de riesgo social con las que se reflexiona sobre su relación con la ciudad de Palma y los diferentes espacios públicos que la integran. Asimismo trabajan en cómo desarrollar experiencias de aprendizaje y colaboración que favorezcan la integración de este colectivo.
Otro de los 17 proyectos galardonados en 2016 y que ya cuentan con un año de recorrido es Bailar mi barrio, pensado para dar a conocer y difundir la danza contemporánea animando a los vecinos de tres barrios de Sevilla (este año en Norte, Triana y Cerro-Amate) a participar bailando, adentrarles en el universo de un coreógrafo y acercarles al proceso de creación de un espectáculo en un rincón emblemático del barrio.
4 agosto, 2017
Hoy, Liceu a la Fresca para todos
Hoy, 21 de julio, a las 22 horas, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona traerá a diversos puntos de España su proyecto Liceu a la Fresca con la retransmisión en directo de Il trovatore de Verdi.
El Liceu al fresco
Liceu a la Fresca es un proyecto de difusión cultural por todo el territorio que moviliza a la ciudadanía con el único fin de promover la cultura de ópera.
En esta tercera edición del Liceu a la Fresca participan un total de 166 municipios, cifra récord que supera en un 37,1% los 121 del año pasado. Se trata de la primera vez que el Liceu expande su proyecto a todo el Estado.
Gracias a la implicación de la Obra Social La Caixa y de Endesa, patrocinador oficial, el proyecto visita por primera vez grandes ciudades como Madrid, Sevilla, Bilbao, Granada, Málaga, Las Palmas de Gran Canaria, Pamplona, Valladolid, Palma de Mallorca y Santiago de Compostela.
En Madrid se ha hecho coincidir este evento con los actos del IV Centenario de la Plaza Mayor, por lo que esta ópera se retransmitirá en nuestra emblemática plaza.
Otros enclaves como la explanada del Guggenheim de Bilbao y CaixaForum en Sevilla serán escenarios de la representación de una emblemática obra de Giuseppe Verdi.
Si vives en Barcelona puedes recoger aquí tus invitaciones para distintos lugares. Como novedad, el Ajuntament se ha sumado al Liceu a la Fresca en su apuesta por trabajar estrechamente con el Liceu y ha decidido implantar una cuarta pantalla en la Plaça Major de Nou Barris, que podrá acoger a más de 1.000 personas.
La retransmisión correrá a cargo de Televisió de Catalunya y Televisión Española, que cederá la señal a todos los municipios. Además, el Canal 33 emitirá la representación de Il trovatore desde el espacio habilitado en el Arc de Triomf de Barcelona (Passeig Lluís Companys), como ya se hizo en la emisión de la temporada pasada. A su vez, La2 lo hará con la señal para fuera del territorio catalán.
Il trovatore
La nueva producción de Il trovatore que se podrá ver hoy cuenta con Joan Anton Rechi como director de escena, y un reparto protagonizado por el barítono George Petean (Conde de Luna), la soprano Tamara Wilson (Leonora) y el tenor Piero Pretti (Manrico), con la dirección musical de Daniele Callegari.
Según informaciones publicadas estos días, Los desastres de la Guerra de Francisco de Goya son la inspiración para la puesta en escena, que pretende ensalzar la figura del artista aragonés, interpretado por Carles Canut, de manera que se convierte en un personaje más de la ópera: un trovador que narra a través de sus pinceles esta tragedia de amor, venganza, guerra y muerte.
El modelo del Liceu
El Liceu es el primer teatro de ópera del mundo que ha comenzado a trabajar en la popularización de la ópera a través de su programa Liceu en el Territorio, que promueve la asistencia de nuevos públicos con charlas amenas y accesibles en diversos municipios de Cataluña.
Los responsables del Liceu pretenden así despojar a la ópera de los prejuicios que la acompañan y construir un Liceu de Todos, una especie de proyecto transversal que no distinga entre clases sociales y edades. Sin duda, un modelo a imitar por otras instituciones similares.
21 julio, 2017
Arte y cine, 120 años de intercambios
La influencia del surrealismo de Les vampires de Feuillade (década de 1910) en Une semaine de bonté (Una semana de bondad, 1934) de Max Ernst o, en sentido inverso, la de Salvador Dalí en Hitchcock, que llegó invitarlo a colaborar en su película Spellbound (Recuerda, 1945) son algunos de los muchos ejemplos que se pueden ver en la exposición Arte y cine, 120 años de intercambios, que se puede ver estos días en CaixaForum Madrid.
Mucho arte y mucho cine
La colaboración entre La Cinémathèque française y la Obra Social la Caixa ha dado como fruto una de las mejores muestras de arte y cine de los últimos años, una maravilla para amantes del arte en general (¿qué es el cine si no eso?).
Tomando como punto de partida los fondos de La Cinémathèque française y el patrimonio de la Colección la Caixa de Arte Contemporáneo, la exposición cuenta con piezas excepcionales de otras colecciones, galerías y museos como el Musée d’Orsay, el Centre Georges Pompidou, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, el MACBA y la Fundación Gala-Salvador Dalí.
Arte y cine, 120 años de intercambios cuenta con 255 carteles, pinturas, dibujos, grabados y fotografías en la parte más artística, y con 66 films, videoproyecciones y videoinstalaciones en la cinematográfica. Asimismo, también hay objetos como programas, vestidos, libros de artista, etc.
Más de cien representantes del arte y del cine protagonizan este proyecto, que propone un diálogo entre artistas de las vanguardias históricas y cineastas dividido en nueve ámbitos desde el siglo XIX hasta el XXI.
Los objetivos de la muestra
La exposición tiene como objetivos mostrar el beneficio estético que todas las artes obtuvieron del cine, especialmente como impulsor de las vanguardias, así como señalar que sigue estructurando narrativa y estéticamente tanto el videoarte como las instalaciones que utilizan imagen en movimiento.
Viendo la muestra también podemos comprobar cómo la tecnología digital, lejos de ser una amenaza para el cine, han ampliado su radio de acción y su capacidad para inventar nuevas formas narrativas (por ejemplo, el 3D).
Un paseo cronológico por lo mejor del cine y el arte
Como he dicho más arriba, la exposición se estructura de manera cronológica. Así, comenzamos con diorama de principios del siglo XIX, pionero en representar la experiencia del paso del tiempo y, dentro del mismo siglo, podemos observar las creaciones del ingeniero y fisiólogo Étienne-Jules Marey o la descomposición en imágenes de Eadweard Muybridge.
Ya en 1900 entramos, cómo no, en las primeras películas de los hermanos Lumière y su relación con los pintores impresionistas, especialmente con Claude Monet o Louis Carrand, precursor de los mismos.
Llegadas las grandes guerras del siglo XX, el cine encontró su vocación informativa y comenzó a representar lo que sucedía en el mundo. Y para ello tomó apuntes de la pintura simbolista del art nouveau.
Luis Buñuel, Salvador Dalí y Jean Cocteau son protagonistas también en la exposición, que señala las similitudes y concomitancias entre La edad de oro, Un perro andaluz y La sangre de un poeta, hasta llegar a afirmar que componen una “especie de trilogía”.
El clasicismo de los años 40 y la renovación de Jean-Luc Godard y su Nouvelle Vague son, asimismo, clave, pues permitieron abrir la estética cinematográfica a la pintura moderna y las artes conceptuales.
De los 70 se destaca la consolidación del cine como arte, y de la última etapa, de los 80 hasta 2010 (aunque yo aquí hubiese dividido por décadas) destacan los nuevos formatos de arte fantástico, como el que realiza David Lynch.
La exposición estará hasta el 20 de agosto en CaixaForum de Madrid. El precio de la entrada es baratísimo: 3 euros, con un 50% de descuento para los clientes de CaixaBank.
Recomiendo sumarse a las visitas comentadas, especialmente si se carecen de conocimientos solventes sobre historia del arte.
7 julio, 2017